Die Neuerscheinungen eines Jahres sollen sich zu einem Bild fügen, welches das Spektrum unseres Programms widerspiegelt. Dieses Jahr erscheint es in besonderer Klarheit. In allen Bereichen ist eine Auswahl gelungen, die dem Leitgedanken gerecht wird, Facetten der kulturellen Debatten festzuhalten und gesellschaftliche Zusammenhänge aufzuzeigen. Die neuen Titel gewähren Einblicke in die Themen unserer Zeit, erörtern gestalterische Prozesse, gesellschaftliche Fragen und kulturelle Phänomene und dokumentieren herausragende gestalterische und künstlerische Positionen. Es sind Spezialitäten, die sich keineswegs nur an Experten richten, sondern an ein aufmerksames Publikum, das mit uns die Faszination für die Vielfalt und Qualität der Auseinandersetzung teilt.

Die Publikation berichtet über Baumschulen weltweit, ihren Kontext, die historischen Hintergründe zur Entstehung sowie ihre Einflussbereiche auf Stadt- und Landschaftsplanung und die dazugehörigen wirtschaftlichen Faktoren. Im Vordergrund der Untersuchung steht dabei das Verhältnis von Mensch und Umwelt, das sich gerade anhand von Pflanzenproduktionen in allen Regionen und seit jeher zeigen lässt. Die Lust zu Produzieren und die Fähigkeit zu transformieren, kreativ zu sein, kennzeichnen die menschliche Existenz und ihre Umwelt seit Anbeginn. Jedes Kapitel beinhaltet einen Essay und einen Reisebericht mit Fotografien zur gegenwärtigen Situation.

Die Gestaltung der Plakate für die jährliche Segelregatta der Kieler Woche hat sich seit deren Beginn 1948 zu einem der renommiertesten europäischen Design-Wettbewerbe entwickelt. Seit 1959 werden nur noch jeweils fünf Gestalter oder Designbüros zu dem Wettbewerb eingeladen, so dass schon die Teilnahme an sich eine Auszeichnung bedeutet und für viele Gestalter zu einem entscheidenden Meilenstein ihrer Karriere wurde. Gewinner und Teilnehmer wie Ruedi Baur, Wim Crouwel, Willy Fleckhaus, Jan Lenica, Josef Müller-Brockmann und Odermatt+Tissi gehören zu den herausragenden Gestaltern Europas. Die seit 60 Jahren unveränderte Aufgabenstellung bietet einen einmaligen Überblick über die Entwicklung der europäischen Grafik.

Was nährt die Inspiration des Designers? Die Beobachtung. In Jasper Morrisons -Bilder-Sammlung treffen Ikonen der Designgeschichte auf unscheinbare Gegenstände des Alltags, kuriose Bildfunde auf Archetypen der Moderne. Jedes Bild erzählt eine Geschicht und schafft mit seinem Nachbarn eine neue – wortlos in der Sprache der Form.

Der formalen Beliebigkeit hält Morrison Einfachheit und Komplexität, Poesie und Humor als Repertoir einer verbindlichen Gestaltung entgegen. Als Schule des Sehens richtet sich A World Without Words an Designer und Konsumenten, die sich in der Welt der Waren zurechtfinden wollen.

Bekannt geworden als Lieferant von Theatertextilien für den Broadway und darüber hinaus, bereitete Maharam in den sechziger Jahren den Weg für den Einsatz technischer Textilien bei der Raumgestaltung und beliefert heutzutage als Marktführer Architekten und Innenarchitekten mit Textilien. Maharam verfolgt einen ganzheitlichen Designansatz, der eine Vielzahl verschiedener Bereiche wie Architektur, Innenarchitektur, Möbel, Mode, Zubehör, grafische und digitale Medien umfasst. Das Maharam Design Studio beaufsichtigt die Bearbeitung einer umfangreichen Textilkollektion, die von Neuauflagen beliebter Stoffe der berühmtesten multidisziplinären Visionäre des zwanzigsten Jahrhunderts bis zu Textilprodukten reicht, die gemeinsam mit Vertretern anderer Disziplinen entworfen werden. So unter anderem in Zusammenarbeit mit -Konstantin Grcic, Hella Jongerius, Maira Kalman, Bruce Mau, Jasper Morrison, Nike und Paul Smith. Dieses Werk bietet einen umfassenden Überblick über Firmen-geschichte, kulturelle Bezugspunkte und Designprojekte. Abstrakte Produktanwendungen werden an den «useless objects» von Jasper Morrison gezeigt.
 

Es war kein Zufall, dass Louis Kahns Eintritt ins Rampenlicht seiner Profession mit der Krise der modernen Architektur zusammenfiel: Sein Werk stand in zunehmendem Masse für die Aspekte des Raums, die der Modernismus so eifrig aus seinem Programm entfernt hatte. Kahns Neukonzeption des Raumparadigmas der modernen Architektur gehört zu seinen bedeutendsten Beiträgen zu seinem Metier. Spüren wir der Genese des unrealisiert gebliebenen Projekts für das Mutterhaus der Dominikanerinnen (1965 - 1969) in Pennsylvania nach, können wir aus nächster Nähe mitverfolgen, wie Kahn sich mit einigen fundamentalen Fragen des architektonischen Raums befasst, wie er nach den Quellen der Bedeutung des architektonischen Raums in seinen gesellschaftlichen, morphologischen, landschaftlichen und kontextuellen Dimensionen sucht. Dieses reichhaltige und multivalente Projekt öffnet den Weg zu einer zweiten Darstellung, die in einer zeitgemässen Neubewertung seines Werks neues Licht auf verschiedene seiner bedeutenden Werke wirft.

Dieser preisgünstige Band, das Ergebnis umfangreicher, mit unveröffentlichtem Archivmaterial und neuen analytischen Zeichnungen illustrierten Untersuchungen, ist ein unentbehrliches Pendant zu Louis Kahn: Drawing to Find Out.

Wie nur wenige andere kultivierte Louis Kahn das Zeichnen als ein architektonisches Werkzeug. Seine eigenen Entwurfszeichnungen – experimentelle Skizzen ebenso wie Architekturzeichnungen im eigentlichen Sinne – sind in der Architektur des 20. Jahrhunderts einzigartig. Mehr als zweihundert – zumeist unveröffentlichte – Zeichnungen Kahns und seiner Mitarbeiter sind mit einem lebendigen und kenntnisreichen Kommentar zu einer intimen Biografie einer architektonischen Idee zusammengewoben. Die Zeichnungen entfalten sich um das zur Ikone gewordene Projekt des Mutterhauses der Dominikanerinnen (1965–1969) in Pennsylvania und bilden eine Erzählung, die nicht nur den Reichtum und die verborgenen Dimensionen dieses unrealisiert gebliebenen Meisterwerks offenbart, sondern bezwingende Einblicke in die reife Gestaltungskultur Louis Kahns bietet. Kahn, der lange als ein «Architekt für Architekten» betrachtet wurde, tritt als eine lebendige und instruktive Leitfigur zutage, die Reflexionen über Fragen in Gang setzt, die bis heute relevant geblieben sind: Wie wird ein Werk konzipiert? Wie kann es wahrgenommen werden? Wie wird es zum Bestandteil der menschlichen Erfahrungswelt? Die Zeichnungen faszinieren nicht nur durch ihre Schönheit, sie eröffnen eine neue und stimulierende Perspektive auf einen der grossen Architekten des letzten Jahrhunderts.

Auch nach den Jubiläumsfeiern zu Andrea Palladios 500. Geburtstag gibt es noch viele offene Fragen zum Werk des Architekten. Antonio Foscari zeichnet Palladios Leben nach und eröffnet neue Perspektiven auf dessen gebaute und unrealisierte Werke. Der Autor zeigt ein Venedig, das sich von dem uns bekannten wesentlich unterscheidet: eine Stadt, die sich von der einflussreichen mittelalterlichen (Bau-)Kultur löst, und in die Neuzeit aufbricht.

Übersetzt von Lucinda Byatt

Mit der konsequenten Reduktion auf Schrift und dem Verzicht auf jegliche illustrative oder geometrische Elemente, beleuchtet die Publikation das Spektrum des Schriftplakats. Mit der Entdeckung des Buchstabens als gestalterisches Element feiert das Schriftplakat um 1915 erste Höhepunkte. Beginnend mit Beispielen, die vom Bauhaus und seinen Nachfolgern geprägt sind, wird die Reihe bis heute fortgeführt. Technische Entwicklungen in der Gestaltung und im Druck beeinflussen auch den visuellen Ausdruck. Im zeitgenössischen Schriftplakat findet sich eine Mischung verschiedener Tendenzen, die den souveränen Umgang mit unterschiedlichen gestalterischen Ansätzen aufzeigt.

Auf Hamarøy, im Norden Norwegens, hat Steven Holl ein Dokumentationszentrum für den norwegischen Schriftsteller Knut Hamsun (1859- 1952) errichtet. Das eigenwillige Bauwerk reflektiert die nicht minder aussergewöhnliche Persönlichkeit des Dichters. Das Zentrum in der kargen Landschaft Hamarøys, in der Hamsun gelebt und gearbeitet hat, die Stille und Einsamkeit, fordern auf, sich auf ihn und sein Werk einzulassen. Das Buch dokumentiert die Verbindung zwischen Hamsun, der Architektur und der Landschaft. Der Fotograf Iwan Baan setzt die Landschaft und das Gebäude in Beziehung zueinander und historische Dokumente veranschaulichen Hamsuns widerspruchsvolles Leben und das einflussreiche Werk, u.a. der Roman Hunger (1891), mit dem Hamsun literarischen Weltruhm erlangte. 1920 wurde er mit dem Literaturnobelpreis ausgezeichnet.

Mit Fotografien von Iwan Baan

Die Publikation präsentiert die Entwürfe von sechs international renommierten Fahrradbauern, die auf der Grundlage der Tradition der Arbeit mit Metall verblüffende Innovationen in ihr Handwerk einbringen. Indem sie Stahl, Aluminium und Titan auf neuartige Weise bearbeiten, fertigen die Konstrukteure von Bespoke Rennräder, die Meisterathleten siegreich über die Ziellinien sausen lassen, Mountainbikes, die schwindelerregende Gebirgswege erklimmen, Stadtfahrräder, die Menschen und Lasten stilvoll durch den dichtesten Verkehr bringen, und elegant auf ihren Verwendungszweck reduzierte Strassenfahrräder für epische Reisen. Das Buch ist reich mit Fotografien ausgestattet, die jedes Konstruktionsdetail beleuchten. In Porträts werden die Inspirationsquellen und Arbeitsmethoden der einzelnen Konstrukteure vorgestellt.

Mit Beiträgen von Michael Maharam und Sacha White (Vanilla Bicycles)
Fotografien von D. James Dee

Mit Fahrrädern der Hersteller Mike Flanigan (A.N.T.), Jeff Jones, Dario Pegoretti, Richard Sachs, J. Peter Weigle

Die Strasse ist seit jeher einer der wichtigsten öffentlichen Räume. Vor allem in asiatischen Städten ist nicht der Platz, sondern die Strasse der wichtigste Ort des täglichen Lebens. Am Beispiel von Tokyo wird dargelegt, dass die Strasse hier nicht nur Verkehrsraum ist, sondern Raum der Kommunikation und des Handelns: Ein Raum, der erlebt und gelebt wird. Das Buch zeigt, warum sich um die Bahnhöfe eine urbane Atmosphäre und in den Nebenstrassen ein Leben von kleinstädtischem Charakter entfaltet. Neben historischen und städtebaulichen Analysen der kleinteiligen Strukturen des öffentlichen Raums wird der Blick gezielt auf die Strasse gelenkt. Tokyo wird mit Bildstrecken aus der Perspektive des Fussgängers gezeigt.

Silvia Bächli und Eric Hattan verbrachten vier Monate, von März bis Juni in Seydisfjördur im Osten Islands. Die Landschaft, die sie bei ihren täglichen Spaziergängen erwanderten, wird vom Schnee dominiert, der in seinen wandelbaren Formen die Stimmung in und um den Fjord prägt: türkisfarbenes Schmelzwasser, Eisblumen, wenige glasklare bunte Farben im Weiss, Schneewälle am Strassenrand, Verwehungen, Eiszapfen, und endlich erste braune apere Stellen – langsam wird es grün. Mit ihren Fotografien schaffen die Künstler ein einzigartiges Porträt der grandiosen isländischen Landschaft, ihren Details und damit dem Lauf der Zeit und dem Herannahen der wärmeren Jahreszeit.

Das künstlerische Schaffen von Hamish Fulton fokussiert auf die Natur und das Erleben der Natur durch den Menschen. Seit dreissig Jahren unternimmt er auf der ganzen Welt Wanderungen und setzt das dabei Erlebte und Gesehene künstlerisch um. 2009 hat Hamish Fulton zusammen mit einem Expeditionsteam den höchsten Punkt der Erde, den Mount Everest, bestiegen. Die Publikation präsentiert erstmalig diese künstlerische Arbeit über die Gipfelbesteigung in einem umfangreichen Bildband in Form von Collagen aus Fotografien und Text, Skulpturen und Papierarbeiten.

Was passiert wenn einem Architekten, Historiker, Choreographen, Chemiker, Künstler, Mathematiker, Physiker, Ökonom, Anthropologe und Geologen ein einfaches Gummiband zugeschickt wird, mit der Bitte ein Statement zu Elastizität abzugeben? Der Ökonom studiert die Elastizität von Angebot und Nachfrage der Arbeitskräfte, die in unmittelbarer Nähe einer Fabrik leben. Der Architekt kalkuliert die Elastizität der Stahlkonstruktion eines Gebäudes bei einem Erdbeben. Der Chemiker experimentiert mit Membranen, um die Elastizität eines Materials zu verbessern. Der Anthropologe untersucht in Fernost den Rückstrom von Heimkehrern nach einer Naturkatastrophe. Der Choreograph bewertet die Elastizität der Bewegung seiner Tänzer bei der Probe seiner neuen Choreographie.
Pars Foundation holt die Forscher aus ihren Fachnischen um ihre genialen, verrückten, wichtigen oder verwirrenden Ergebnisse interdisziplinär zu veröffentlichen und in einem Buch zu bündeln. Es gibt keine Vorgabe für die Form ihres Beitrags, egal ob ein Bild, ein Gedicht, ein Essay, eine Skizze auf einem Bierdeckel, eine Formel oder eine Skulptur, das Ergebnis muss plausibel und prägnant sein und muss sowohl die eigene Disziplin widerspiegeln als auch die eigene Passion für das Thema.

Für seine Ausstellung «Your Chance Encounter» im 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, Japan hat der viel beachtete dänisch-isländische Künstler Olafur Eliasson eine Sequenz von räumlichen Experimenten entwickelt, welche Bewegung und Orientierung der Besucher herausfordern und sie anregen, das Museum als einen öffentlichen Raum für kritische Auseinandersetzung von Kunst und Wirklichkeit zu betrachten.

Die extra für die Ausstellung entwickelten Installationen sind in einem engen Kontext mit der räumlichen Struktur des Museums angelegt und erweitern das Konzept der Architektur des japanischen Architekturbüros SANAA. Olafur Eliasson bezieht nicht nur die Ausstellungsräume des Museums, sondern auch die Korridore dazwischen und die angrenzenden Höfe mit ein, und setzt so Innen-und Aussenbereich in enge Verbindung und untersucht die einzigartigen Eigenschaften dieses Museums.

Das Künstlerbuch, das in enger Zusammenarbeit mit dem Studio Olafur Eliasson entstanden ist, bietet in seiner aufwändigen Gestaltung mit einen umfangreichen Bildteil eine umfassende Dokumentation der Ausstellung und wichtige Auseinandersetzung mit dem Werk des erfolgreichen Künstlers. Ein Essay der Architekturhistorikerin Eve Blau interpretiert die Ausstellung im Verhältnis zu ihrer Umgebung und stellt die experimentelle Vorgehensweise von Olafur Eliasson und SANAA einander gegenüber, während die Kuratorin Hiromi Kurosawa in die Geschichte und den Kontext des Museums in Kanazawa einführt.

Mit Texten von Eve Blau, Hiromi Kursawa

Mit dem Ziel alternative und nachhaltige Formen der Stadtplanung zu entwerfen, fragt dieses Buch: Was sind die Hauptkriterien einer ökologischen Stadtplanung? Wie wären diese zu organisieren? Und welche Rolle spielen Design und Planung in diesem Prozess? Während den Themen Klimawandel, nachhaltige Architektur und grüne Technologien viel Aufmerksamkeit geschenkt wird, sind Ansätze zur ökologischen Stadtplanung bisher weit weniger verbreitet.
Der Publikation liegt die Überzeugung zugrunde, dass ein ökologischer Ansatz dringend nötig ist, um die heutige Situation zu verbessern und Ordnungsprinzipien für zukünftige Stadtgestaltung zu entwickeln. Dabei kann Design als Bindeglied dienen zwischen Ökologie und einer Stadtplanung, die nicht im Gegensatz zu ihrer Umwelt steht. Das Buch bringt Designer, Ökonomen, Ingenieure, Künstler, politische Entscheidungsträger, Umweltforscher und Fachleute aus dem Gesundheitswesen zusammen, um ein profunderes Verständnis für eine ökologische Stadtplanung zu entwickeln.

Mit Beiträgen von Homi Bhabha, Stefano Boeri, Chuck Hoberman, Rem Koolhaas, Sanford Kwinter, Bruno Latour, Nina-Marie Lister, Mohsen Mostafavi, Matthias Schuler, Sissel Tolaas, Charles Waldheim u. a.

ecologicalurbanism.gsd.harvard.edu

Wir erleben heute eine neu erwachte Begeisterung für die Weltraumforschung; wissenschaftliche Expeditionen, Satellitenstarts und die Entstehung des Raumtourismus drängen uns zu einer Neubesinnung unserer Beziehung zu unserem Planeten.

«Other Space Odysseys» hat nichts mit Raumarchitektur oder Architektur im Weltraum zu tun. Hier werden weder Hightech-Architektur und  Animationen noch extreme körperliche und mentale Lebensbedingungen in leuchtenden Farben beschrieben. Vielmehr spricht sich dieses Buch für die Abkehr von einer Architektur aus, die als eine Produktion materieller Güter verstanden wird, und für eine Hinwendung zu einer Architektur, die Ideen produziert.

Wie kann das Nachdenken über den Weltraum zu neuen Perspektiven mit Blick auf die Erde führen? Greg Lynn, Michael Maltzan und Alessandro Poli präsentieren verschiedene Wege, die Antworten auf diese Frage liefern können. Ihre realen und virtuellen Odysseen verheissen letzten Endes nichts anderes als eine Neuentdeckung unserer eigenen Welt.

In «Uncorporate Identity: Emblem and Void» lässt sich Metahaven, Design Studio und Thinktank, auf eine sinnbildliche Untersuchung ein, die geopolitische Konflikte mit Branding, fiktive Staaten mit Stararchitektur, flexible Steuerung mit dem hieb- und stichfesten Wertegesetz und den Totalitarismus der Norm mit sozialen Netzwerken im Internet verbindet. «Uncorporate Identity» ist zugleich ein künstlerisches Manifest für Design in Zeiten der Globalisierung und ein Arbeitsbuch aus Essays, Schilderungen und Binsenweisheiten, die den heutigen unklaren Zustand von Identität und Branding ausloten. Das Buch ist eine Sammlung von Entwürfen, verfasst nach den Forschungsschwerpunkten in Metahavens wichtigsten Projekten, sowie Essays, Interviews und Prosa von Boris Groys, David Singh Grewal, Vladimir Kolossov, Keller Easterling, Dieter Lesage, China Miéville, Chantal Mouffe, Pier Vittorio Aureli, Bruno Besana, Michael Taussig, Regula Stämpfli, Mihnea Mircan, Mariana Celac, Florian Schneider, Marina Vishmidt u.a.

Mitherausgeber Jan van Eyck Academie