Die Neuerscheinungen eines Jahres sollen sich zu einem Bild fügen, welches das Spektrum unseres Programms widerspiegelt. Dieses Jahr erscheint es in besonderer Klarheit. In allen Bereichen ist eine Auswahl gelungen, die dem Leitgedanken gerecht wird, Facetten der kulturellen Debatten festzuhalten und gesellschaftliche Zusammenhänge aufzuzeigen. Die neuen Titel gewähren Einblicke in die Themen unserer Zeit, erörtern gestalterische Prozesse, gesellschaftliche Fragen und kulturelle Phänomene und dokumentieren herausragende gestalterische und künstlerische Positionen. Es sind Spezialitäten, die sich keineswegs nur an Experten richten, sondern an ein aufmerksames Publikum, das mit uns die Faszination für die Vielfalt und Qualität der Auseinandersetzung teilt.

In «Uncorporate Identity: Emblem and Void» lässt sich Metahaven, Design Studio und Thinktank, auf eine sinnbildliche Untersuchung ein, die geopolitische Konflikte mit Branding, fiktive Staaten mit Stararchitektur, flexible Steuerung mit dem hieb- und stichfesten Wertegesetz und den Totalitarismus der Norm mit sozialen Netzwerken im Internet verbindet. «Uncorporate Identity» ist zugleich ein künstlerisches Manifest für Design in Zeiten der Globalisierung und ein Arbeitsbuch aus Essays, Schilderungen und Binsenweisheiten, die den heutigen unklaren Zustand von Identität und Branding ausloten. Das Buch ist eine Sammlung von Entwürfen, verfasst nach den Forschungsschwerpunkten in Metahavens wichtigsten Projekten, sowie Essays, Interviews und Prosa von Boris Groys, David Singh Grewal, Vladimir Kolossov, Keller Easterling, Dieter Lesage, China Miéville, Chantal Mouffe, Pier Vittorio Aureli, Bruno Besana, Michael Taussig, Regula Stämpfli, Mihnea Mircan, Mariana Celac, Florian Schneider, Marina Vishmidt u.a.

Mitherausgeber Jan van Eyck Academie

Was ist aus dem Mythos Schweiz geworden?

Ist die Schweiz eine Insel der Glückseligen oder ein Paradies mit Rissen? Wie wird der Begriff «Schweiz» konnotiert? Die Schweizer Bildwelten in Plakaten für Tourismus, Schokolade, Milchprodukte, Uhren oder Bankenwesen spiegeln den Zeitgeist wider und verweisen auf gesellschaftliche Projektionen und Sehnsüchte.

Die Publikation vereint prägende Werbebeispiele von 1900 bis heute zu einem visuellen Dialog. Dieser untersucht einerseits, wie das Bild der Schweiz in der Werbung erscheint und andererseits, wie es zum Image transformiert wird. Dabei werden ikonografische Typen im Kontext von Bildstrategie und Werbetext beleuchtet. Klischees, Fremd- und Selbstbild aber auch Widersprüche und Brüche treten dabei zu Tage.

Facetten der Swissness eröffnen sich dem Leser anhand von rund 90 Plakaten und Entwürfen bedeutender Plakatgestalter und Agenturen wie Aebi und Partner, Otto Baumberger, Emil Cardiaux, Hans Falk, Walter Herdeg, Herbert Leupin, Burkhard Mangold, Herbert Matter, Martin Peikert, Emil Schulthess, Stalder und Suter, Niklaus Stoecklin, Ruf Lanz, Carlo Vivarelli, Weber, Hodel, Schmid und anderen.

Die Publikation stellt dar, wie sich die globalisierte Welt seit ca. 1970 im Design zeigt und wie es sich ausschliesslich für diese Welt entwickelt. Dabei wird von einem -Designbegriff ausgegangen, der Architektur, Grafik-, Medien-, Mode-, Produkt- und Industriedesign genauso umfasst wie das Design von Lebenswelten oder Produktionsprozessen. Die Schwerpunkte sind die globalen Vernetzungen in den Bereichen -Kommunikation, Produktion, Handel, Kapital und Mobilität. Veranschaulicht werden die speziellen Phänomene der Globalisierung durch Filme, Produkte, Kleider, Bilder und Modelle von namhaften Künstlern wie Armin Linke, Fischli Weiss, Didier Faustino oder Thomas Demand. Neben dem Container, dem tragenden Element der Globalisierung werden Einblicke in den Kulturtransfer in Geschichte und Gegenwart und die -Darstellung der Globalisierung im Verhältnis zum Regionalismus gezeigt, sowie globale Trends veranschaulicht.

Mit Beiträgen von Angeli Sachs, Philip Ursprung, Jeroen van Rooijen
 

Über einen Zeitraum von zwanzig Jahren hat die Künstlerin Barbara Heé immer wieder den Silsersee mit der Insel Chaviolas fotografiert. Die entstandenen Panoramen zeichnen ein subtiles Porträt dieser Hochgebirgslandschaft im schweizerischen Oberengadin. Entstanden sind Schwarz-Weiss-Fotografien, die in ihrer Tiefe und Komposition bestechen. Die Verdoppelung durch die Seespiegelung und die nie gleichen Lichtverhältnisse schaffen Räume von magischer Präsenz. Die genaue Beobachtung der sich ähnelnden Motive eröffnet eine Welt skulpturaler Formen, die über das Abbildhafte hinausführt. Der Fotoband stellt im Sinne des Künstlerbuchs die umfassende Serie vor, die im Zeitraum zwischen 1987 und 2007 entstanden ist, und in Barbara Heés künstlerisches Schaffen als Bildhauerin, Malerin und Zeichnerin eingeflossen ist.

Mit einem Essay von Claudia Jolles

In der grafischen Gestaltung, in der Wegeleitung, der Stadtplanung und anderen kreativen Disziplinen nehmen komplexe Orientierungsaufgaben zu. «Des-/Orientierung II» ist die wissenschaftliche Untersuchung zu Phänomenen, Darstellungen und Inszenierungen von Orientierung und Desorientierung. Das Institut für Designforschung Design2context, unter der Leitung von Ruedi Baur, hat Wissenschaftler verschiedener Disziplinen eingeladen, die beiden Kategorien zu diskutieren. Während der erste Band eine überwiegend bildliche Untersuchung der Thematik bietet, wird das Phänomen im vorliegenden Band in fundierten Texten behandelt. Die thematisch gegliederte Textsammlung zeigt die Verwendungszusammenhänge der Begriffe Orientierung und Desorientierung auf und setzt eine kritische Auseinandersetzung in verschiedenen Disziplinen in Gang.

Mit Beiträgen von Clemens Bellut, Elisabeth Blum, Steffen Bogen, Andres Bosshard, Georg Bringolf, Bernard Cadet, Ella Chmielewska, Christopher Dell, Philippe Gauthier, Andrea Gleiniger, Christoph Hoelscher, Annette Hornbacher, Guillaume Jacques, Stefanie-Vera Kockot, Toni Kotnik, Suzanne Leblanc, Trond Maag, Yana Milev, Frank den Oudsten, Sébastien Proulx, Andre Richter, Denis Rioux, Urs Jakob Ruetschi, Imanuel Schipper, Franz Schultheis, David Skopec, Philipp Teufel, Sébastien Thiery, Claudia Westermann, Hendrik Ziezold, Nils Zurawski

«Weiss» ist kein Buch über Farbe. Es ist vielmehr ein Versuch des Autors, das Wesen von Weiss zu ergründen, das er eng mit der Quelle der japanischen Ästhetik verbunden sieht, die für Einfachheit und Feinheit steht. Leere und das vollkommene Nichts sind die zentralen Begriffe, die in dieser Publikation diskutiert werden. Kenya Hara betrachtet seine Arbeit als Designer als eine reine Form von Kommunikation. Gute Kommunikation zeichnet sich durch gegenseitiges Zuhören aus, statt dem Gegenüber seine Meinung aufzudrängen. Diese Form der Verständigung wird von Kenya Hara mit einem «leeren Gefäss» verglichen. Ebenso gibt es in der visuellen Kommunikation Zeichen, deren Bedeutung begrenzt ist, aber auch Zeichen wie das Kreuz oder den roten Kreis auf der japanischen Flagge, die wie leere Gefässe, jede Beutung zulassen und der Vorstellung keine Grenzen setzen. Nicht nur die Tatsache, dass das japanische Schriftzeichen für Weiss Bestandteil der Schriftzeichen für Leere ist, haben ihn veranlasst, die Farbe Weiss in eine enge Verbindung mit dem Zustand der Leere zu setzen. Das Buch bietet einen persönlichen Einblick in die Philosophie des erfolgreichen Designers und Autors von «Designing Design».

Unimark International war ein weltweit agierendes Unternehmen mit elf Büros in fünf verschiedenen Ländern. Die Anwendung von modernstem Design und neusten Marketingmethoden machten Unimark sehr schnell bekannt und konkurrenzlos. Ihre Kunden waren internationale Firmen wie unter anderem Gillette, Jaguar, Ferrero, Knoll International, Olivetti, Pirelli, Ranx Xerox, Unilever, I.B.M., oder American Airlines und Ford für welche sie die bis heute gültigen visuellen Firmenidentitäten schufen.

Unimark war bekannt dafür stets die neusten Innovationen der Technik zu nutzen, und Computer einzusetzen lange bevor andere es taten. Unimark Designer haben mit ihrem visuellen Verständnis unsere Umwelt nachhaltig geprägt, und ein fortdauerndes Erbe durch ihre Arbeit und Lehre geschaffen. Viele Designer von Unimark wurden mit internationalen Auszeichnungen für ihre Leistungen geehrt. Ein markantes Merkmal vom Unimark Design ist die konsequente Verwendung der Schrift Helvetica für die corporate identity von Firmen.

Der hier erstmalig dokumentierte Erfolg von Unimark International, ist noch heute wegweisend für Designer und die Marketingbranche.

Die neue Ostgrenze der EU erstreckt sich von der Ostsee bis zum Schwarzen Meer: 1600 streng bewachte Kilometer zwischen einstigen Bruderländern. Die Fotografen Yann Mingard und Alban Kakulya waren lange unterwegs, der eine von Norden, der andere von Süden her, um Grenze zu porträtieren. Sie haben auf ihrer Wanderung die Landschaft, die Grenzposten mit ihren Soldaten und an der Grenze aufgegriffene Flüchtlinge fotografiert; und damit die Realität dokumentiert, die im fernen Strassburg, Brüssel und anderswo festgelegt wurde. Erläuternde Karten und Satellitenaufnahmen der Grenzen werden im Buch den eindrücklichen Fotografien gegenübergestellt. Textbeiträge von Wissenschaftler aus den Bereichen der Kunst, Kultur, des Rechts, Politik und der Geschichte ergänzen diese fotografische Bestandsaufnahme der osteuropäischen Aussengrenzen der EU.

Mit Beiträgen von Ellie Barnavie, Daniel Bolomey, John W. Donaldson, Gianni Haver, Jon Levy, LUST, Martino Pesaresi, Ian Russell, Laura Serani

Nach dem Erfolg von «Sleeves of Desire» (1996) widmet sich die zweite Publikation über die Plattenfirma ECM der Hüllengestaltung von 1996 bis heute. ECM (Edition of Contemporary Music) hat sich seit seiner Gründung 1969 dem Jazz und der zeitgenössischen Musik verschrieben und ist weltweit eines der führenden Labels in diesem Bereich. Was ECM auszeichnet, ist die Ästhetik der Gestaltung, die seit jeher integraler Bestandteil der Musikproduktionen ist. Die Zusammenarbeit des Produzenten Manfred Eicher mit Barbara und Burkhart Wojirsch und Dieter Rehm bis 1996 und seither mit Sascha Kleis und wechselnden Fotografen und Künstlern fruchtete in einer Ästhetik des Covers, die einen Dialog zwischen dem meist fotografischen Bild und der Musik eröffnet. Das Buch lädt zu einer assoziativen Reise durch diese Bildwelten ein. Die Textbeiträge der Autoren vertiefen verschiedene Aspekte der visuellen Sprache. Ein bebilderter Katalog aller ECM-Titel seit der Gründung rundet diese Publikation ab.

Mit Beiträgen von Geoff Andrew, Ketil Bjørnstad, Katharina Epprecht, Lars Müller und Thomas Steinfeld

Bald werden mehr als zwei Drittel aller Menschen in Städten leben und die Zahl der immer mobiler werdenden Menschen, die mühelos zwischen den Metropolen pendeln, wächst kontinuierlich. Verschiedene Städterankings wählen jährlich weltweit die «Top Ten» der Städte. Aber was macht eine Stadt wirklich lebenswert? Auf diese Frage geben die Rankings nur unzureichend Antwort. Ihre ökonomisch ausgerichteten, quantitativen Kriterien sind oft aus dem Kontext gerissen und erscheinen als die einzig ausschlaggebenden, allgemein erwünschten Lebensqualitäten der Stadt. Persönliche Erfahrungen sind aber vielschichtiger. Die Autoren haben zunächst die gängigen Städtebewertungen hinterfragt, um anschliessend Stadtszenen aus dem Alltag zu analysieren und Kriterien zu entwickeln, mit deren Hilfe urbane Lebensqualitäten auch unter emotionalen, «weichen» Aspekten rational betrachtet werden können. Das Ergebnis sind 50 Kriterien mit einem Fragenkatalog. Der Leser ist aufgefordert aktiv über seine eigenen Kriterien der städtischen Lebensqualität nachzudenken. Essays der Forscher beleuchten den wissenschaftlichen Hintergrund. Mit Beiträgen von Kurt Aeschbacher, Martina Baum, Andres Bosshard, Regina Bittner, Mathis Güller und Michael Güller, André Vladimir Heiz, Margit Kaiser, Sébastien Proulx, Denis Rioux, Walter Schenkel, Renato Soldenhoff, Regula Stämpfli und Brigit Wehrli

Mit Beiträgen von Kurt Aeschbacher, Martina Baum, Andres Bosshard, Regina Bittner u.a.

Die Publikation untersucht Verfahren zur Bildung flexibler Erscheinungsbilder für öffentliche und kulturelle Einrichtungen. Klassische Logos, wie sie üblicherweise für Firmen verwendet werden, sind das Resultat eines einmaligen Verdichtungs- und Abstraktionsvorgangs. Im Gegensatz dazu verbergen flexible Erscheinungsbilder die vielfältigen Komponenten der Identität nicht in einem Logo, sondern bilden aus ihnen eine komplexe Zeichenfamilie. Mit der Kombination von Basislogo und Zeichenfamilie ist das Erscheinungsbild in der Lage, das Grundsätzliche – die Philosophie der Institution, ihr Programm – und das Spezifische zu repräsentieren (z.B. die wechselnden Ausstellungen und Veranstaltungen). Die Autorin beschreibt die Wirkung und Potentiale von Erscheinungsbildern und bietet die Kriterien an, die ausgereifte dynamische Erscheinungsbilder auszeichnen. Das Thema wird zusätzlich in künstlerischen Projekten und Referenzbeispielen aus den Natur- und Geisteswissenschaften dargestellt. Fallstudien von bekannten Gestaltern wie Karl Gerstner und Ruedi Baur dienen der Vertiefung der Analyse.

Mit einem Essay («Vom Bezeichnen, Zeigen und Nennen») zum Thema Identität von Clemens Bellut.

Baumwolle wird auf allen Kontinenten unter den unterschiedlichsten Umwelt- und Produktionsbedingungen angebaut. Sie ist ein wichtiger Rohstoff für eine vielfältige und profitträchtige Wertschöpfungskette und wird weltweit an den Börsen gehandelt. Baumwolle steht im Mittelpunkt des Streits um Agrarsubventionen und ist ein wichtiges Instrument in der Entwicklungshilfe. An ihr haben internationale Chemiefirmen ebensoviel Interesse wie Vertreter der ökologischen Landwirtschaft, denn sie verbraucht im Vergleich mit anderen Kulturpflanzen die größte Menge an Wasser, Dünger und Pestiziden.

Vom Produzenten zum Konsumenten ging die Baumwolle schon zu Kolonialzeiten um die Welt, heute haben sich lediglich die Routen verändert. So kann es sein, dass Baumwollfasern aus Texas zur Verarbeitung nach China geschickt werden, von dort auf den Laufsteg in Paris gelangen um schliesslich in der Altkleidersammlung nach Afrika zu reisen, wo sie als Secondhand-Mode getragen werden.

Der Fotograf Hans Peter Jost hat auf seinen Reisen nach Indien, China, Brasilien, Amerika, Usbekistan, Mali und Tansania ein fotografisches Portrait der Baumwolle geschaffen: das Leben der Baumwollbauern und ihre Arbeitsbedingungen, den Anbau, Ernte, Verarbeitung und Vermarktung der Baumwolle.
Christina Kleineidam, die den Fotografen auf seinen Reisen begleitet hat, beschreibt das Gesehene, und gibt Hintergrundinformationen zu den spezifischen Problemen der einzelnen Länder.
Die Ökonomin Pietra Rivoli erläutert in ihrem Vorwort die globalen Zusammenhänge von Anbau und Vermarktung der Baumwolle.

Mit Texten von Christina Kleineidam
Mit Fotografien von Hans Peter Jost
Mit einem Vorwort von Pietra Rivoli

Sieben Begriffe hat Ruedi Baur gewählt, um seine konzeptionelle Haltung zu umschreiben: Antizipieren, Hinterfragen, Einschreiben, Irritieren, Orientieren, Unterscheiden und Übersetzen. Sie dienen als Struktur des Buches und als Basis für sieben Dialoge zwischen ihm und Gesprächspartnern aus unterschiedlichen Disziplinen. Dazwischen wird die praktische Umsetzung der Begriffe anhand verschiedener Projekte aus seinem Atelier Intégral in Zürich und Paris präsentiert. Unpublizierte neue Projekte werden thematisch integriert in die Entwicklung des Gesamtwerkes. Das Buch hält die konzeptuellen und gestalterischen Konstanten und die Faszination der Arbeit von Ruedi Baur fest. Fünf Jahre nach dem Erfolg von Ruedi Baur, Intégral et associés zieht der Autor erneut Bilanz.

Mit Beiträgen von Marco Baschera, Clemens Bellut, Christine Breton, André Vladimir Heiz, Stefanie-Vera Kockot, Bernhard Stiegler, Sébastien Thiery

Snøhetta ist ein führendes Architektenteam mit Sitz in Oslo und New York. Diese erste dokumentierende Publikation umfasst und illustriert die wichtigsten laufenden und abgeschlossenen Projekte der seit 15 Jahren international tätigen Architekten. Dazu gehören unter anderen die Bibliothek von Alexandria (2002), das New Opera House in Oslo (2008) und das Gateway Projekt in Ras Al-Khaimah, Dubai.
Im Mittelpunkt der Arbeiten und Projekte von Snøhetta stehen der Austausch und die Zusammenarbeit zwischen verschiedenen Disziplinen. Grossen Wert wird auf die Verbindung der Landschafts- und Innenarchitektur mit der Architektur gelegt. Jedes Projekt wird nach den grundlegenden Aspekten von Ort, Landschaft und Kontext neu betrachtet und diskutiert, um das Entdecken und Erarbeiten von Lösungen zu ermöglichen.
Die Verflechtung der Disziplinen bezieht lokal und international bekannte Künstler in die Projektentwicklung ein. Die frühzeitige Zusammenarbeit mit Künstlern ist auch Ausdruck der Neugier und kreativen Offenheit des international erfolgreichen und wegen seinen fortschrittlichen Arbeitsbedingungen geachteten Büros.

Die Künstlerin Katharina Grosse hat sich ihren Traum vom massgeschneiderten Atelier erfüllt – einem Ort, der ausreichend Platz für ihre raumgreifenden Arbeiten bietet und industrielle Atmosphäre mit weichem Licht und neutralen Wandflächen verbindet. In enger Zusammenarbeit mit der Künstlerin hat das Büro Augustin und Frank Architekten das Atelier in Berlin Mitte geplant und 2007 realisiert. Entstanden ist ein kompakter Kubus in Stahlbeton, der Atelier, Lager, Archiv, Büro- und Wohnräume beherbergt.
Ausgehend von diesem Bau hinterfragen die Autoren des Bandes die Beziehung von Malerei und Architektur sowie die Bedeutung des Ateliers für die Kunstproduktion. Zahlreiche Fotografien dokumentieren die nackte Architektur des Neubaus und die Aneignung des Raums durch die Künstlerin.

Mit Beiträgen von Georg Augustin, Laura Bieger, Andreas Denk, Ulrich Loock und Philip Ursprung

In «Ideas and Integrities» (1963) erläutert Buckminster Fuller eine Vielzahl seiner Erfindungen, darunter den Geodesic Dome, die Dymaxion Weltkarte und das Dymaxion 4-D Haus. Er entwickelt überraschende und herausfordernde Ideen einer zukünftigen Welt, die alles revolutionieren würden, von der Schulausbildung bis zum Alltagsdesign, und die vor allem zeigen, wie und warum wir die vorhandenen Ressourcen effektiver nutzen müssen, um zu überleben und einen besseren Lebensstandard für alle Menschen zu ermöglichen.

«On Education» versammelt eine Reihe von Essays, in denen sich Buckminster Fuller den Themen Bildung und Ausbildung widmet; darunter seine prophetische Schrift «Education Automation» von 1962, in der er in brillanter Weise aufzeigt, warum es angesichts der anstehenden Umwälzungen in der Informationstechnologie notwendig ist, ein neues Verständnis vom Lernen zu entwickeln.

Zwischen 2006 und 2008 lehrten Kazuyo Sejima und Ryue Nishizawa an der School of Architecture der Princeton University. Die SANAA Studios untersuchten die gegenwärtige japanische Gesellschaft um eine Architektur zu entwickeln, die das Verhältnis zum Raum, dem privaten und dem öffentlichen Raum, berücksichtigt. Die Designstudien wurden an drei demografisch und sozial sehr verschiedenen Orten in Japan durchgeführt. Das Buch fängt die Atmosphäre der Studios ein und hält erste Ergebnisse der Untersuchungen fest. Das übergeordnete Thema lautet: Was können wir von SANAA lernen? Die engagierte Suche nach einer neuen Architektur, die in einem grösseren gesellschaftlichen Zusammenhang steht, wird fokussiert und vereint dabei Analysen, Essays, Dokumentationen, Entwürfe und «objets trouvés» in einem Buch. Der holländische Fotograf Iwan Baan hat die drei Orte in Japan besucht, um die Atmosphäre und die Nutzung der Gebäude von SANAA einzufangen.

Mit Fotografien von Iwan Baan

Das zurückliegende Jahrzehnt war weitestgehend von Konsum und Gier geprägt. Die Spendentätigkeiten im institutionellen, öffentlichen und privaten Sektor fanden wenig Beachtung. Die Szenerie des Helfens hat sich wesentlich verändert: Netzwerke verschiedener regierungsunabhängiger Organisationen (NGOs) ergänzen heutzutage die globalen Aktivitäten öffentlicher Einrichtungen und stellen eine wichtige Erweiterung zu offiziell sanktionierten Programmen dar. Dennoch werden diese Strukturen durch die gegenwärtige Rezession bedroht, so dass eine Abnahme von Hilfsmassnahmen zu befürchten ist – und dies in einem Moment, da die Not der Menschen zunimmt. Durch eine neue Kultur des Spendens, die Freiwilligkeit und aktives Handeln beinhaltet und mit erworbenem Expertenwissen gepaart ist, können die anstehenden Aufgaben bewältigt werden. «The World of Giving» stellt die Tradition des Helfens in das Licht vergangener und gegenwärtiger Beziehungen, die seine sicherlich wichtige globale Rolle in der Zukunft aufzeigen.

Das Plakat war aufgrund seiner gesellschaftlichen Wirksamkeit schon immer ideales Medium, um Appelle von globaler Brisanz und ethischer Dimension an die Bevölkerung zu richten. Die Publikation präsentiert internationale Plakate seit 1980, die dazu aufrufen, Verantwortung gegenüber der Menschheit und dem Planeten wahrzunehmen.
Während sich das im Eigenauftrag entstandene Autorenplakat der Aufklärung verpflichtet fühlt, zielen Plakate von Menschenrechts-, Umweltschutzorganisationen und Hilfswerken direkt auf die Aktion des Einzelnen ab. Aber auch Wirtschafts- unternehmen haben in den letzten Jahren soziales und ökologisches Engagement als Marketinginstrument entdeckt, um ihr Image zu pflegen.
Beleuchtet werden die verschiedenen visuellen Strategien und die rhetorische Vermittlung sozialer Botschaften im Plakat. Denn so unterschiedlich Motivation und Intention der Auftraggeber sind, so verschieden sind auch die Plakate in ihrem inhaltlichen und formalen Ausdruck.

Mit einem Essay von Sønke Gau und Katharina Schlieben

Die Reihe A 5 versteht sich als wachsendes Archiv des Grafikdesigns. In zahlreichen Abbildungen, Essays und Interviews stellt jeder Band herausragende Persönlichkeiten und wichtige Themen aus der Geschichte des internationalen Grafikdesigns vor. A5 ist eine Kooperation des labor visuell am Fachbereich der Fachhochschule Düsseldorf und Lars Müller Publishers.
Der 1925 geborene Grafiker Hans Hillmann gehört zu den einflussreichsten Plakatgestaltern und Illustratoren Deutschlands. Als Professor für Grafikdesign an der GHK Kassel prägte er in seiner über 30-jährigen Lehrtätigkeit viele Gestalter. Seine Illustrationen wurden über Jahre von Verlagen und Zeitschriften (u. a. F.A.Z.-Magazin) eingesetzt.

Die Zeitschrift Twen hat zwischen 1961 und 1968 gemeinsam mit dem Plattenlabel Philips eine Serie von Schallplatten herausgegeben. Zu jedem Twen-Heft erschien damals eine Schallplatte aus den Sparten Jazz, Klassik, Hörspielen, Weltmusik oder Pop. Der Art-Director Willy Fleckhaus verwendete für die Gestaltung der Plattencover konkrete Kunst von Karl Gerstner, Max Bill, Heinz Edelmann oder Günther Kieser. Die vergessene, rund siebzig Platten umfassende Reihe ist ein meisterhaftes Beispiel für die Verbindung zwischen Musik und Grafikdesign. In Kooperation mit Musikarchiven und privaten Sammlern wurde die seltene Serie vollständig zusammengetragen und dokumentiert.

Die Reihe A 5 versteht sich als wachsendes Archiv des Grafikdesigns. In zahlreichen Abbildungen, Essays und Interviews stellt jeder Band herausragende Persönlichkeiten und wichtige Themen aus der Geschichte des internationalen Grafikdesigns vor. A5 ist eine Kooperation des labor visuell am Fachbereich der Fachhochschule Düsseldorf und Lars Müller Publishers.
Über 30 Jahre verlieh der Gestalter Celestino Piatti den Covern des dtv-Verlags ein ganz eigenes Gesicht. Mit über 6.300 Buchumschlägen, die in einer Gesamtauflage von über 200 Millionen Exemplaren verkauft wurden, ist Piatti einer der produktivsten Buchgestalter aller Zeiten. Der Band dokumentiert einen der wichtigsten Abschnitte deutschsprachiger Literatur der Jahre 1960 bis 1990.

Das Buch versammelt Essays von Wissenschaftlern und Künstlern aus den Bereichen Kunst, Kunstgeschichte, Architekturtheorie und Philosophie. Die Essays basieren auf Vorträgen, die im Juni 2008 auf einem Symposium in Kopenhagen gehalten wurden und beschäftigen sich mit grundlegenden Überlegungen zur Wahrnehmung: Wenn Werke der Kunst und der Architektur vom Publikum betrachtet und von Designern geschaffen werden, ergeben sich wesentliche Fragen in Bezug auf ihre Erscheinung. Dies sind nicht nur einfache Fragen nach dem, was sichtbar ist, sondern vor allem auch nach dem, was nicht sichtbar ist – also nach dem, was sich uns beim Erleben und Schaffen der Werke entzieht. Wie gehen wir mit diesem Entzogenen um – mit dem Verborgenen, das sich der Konkretisierung entzieht? Welche schöpferischen Paradoxa werden hiermit in Verbindung gebracht und wie beeinflussen sie den Schaffensprozess? Auf Grundlage vielfältiger Abhandlungen zu diesen Themen zeigen zeitgenössische Positionen in der Kunst, der Architektur und der Philosophie neue Herausforderungen auf, vor allem in Bezug auf kreative Verfahren. Innerhalb und zwischen diesen Positionen entstehen Potenziale für neue, sensible Denk- und Arbeitsweisen.

Mit Beiträgen von Michael Asgaard Andersen und Henrik Oxvig, Renaud Barbaras, Andrew Benjamin, Olafur Eliasson, Sanford Kwinter, David Leatherbarrow, Martin Seel, David Summers und Sven-Olov Wallenstei

The Dolder Grand feierte 2009 seinen ersten Geburtstag seit der Wiedereröffnung nach dem vierjährigen Umbau, der nach Plänen von Foster+Partners ausgeführt wurde. Die Fotografen des Zürcher Ateliers nave, Nadja Athanasiou, Michael Bühler und Peter Lüem, haben die Umbauphase während der gesamten Zeit begleitet und machen mit ihrer ausführlichen Fotodokumentation die Dimensionen dieser Metamorphose sichtbar. Entstanden ist eine fotografische Erzählung, die nicht auf die Linearität einer Dokumentation setzt, sondern vielmehr in ihrer komplexen Narration, dem Gegenüberstellen und Assoziieren von Wort und Bild, eine Poesie erzeugt, die die Hotelarchitektur mit Leben erfüllt. Die Texte der Journalistin Judith Wyder vertiefen den Einblick, erzählen Geschichten und liefern Hintergründe. Das Hotel als Mikrokosmos und temporäres Zuhause ist auch das Thema des Essays von dem niederländischen Schriftsteller Cees Nooteboom. Der Autor widmet sich darin dem Phänomen der Aneignung des Hotels durch seinen Gast.

Mit Beiträgen von Judith Wyder und Cees Nooteboom

Das Erscheinungsbild der heutigen Städte entspricht einem hybriden Gebilde, dessen Strukturen auf mehrschichtigen, teilweise auch widersprüchlichen Ordnungsprinzipien beruhen. Als komplexe Geflechte aus geografischen, historischen, ökonomischen, politischen und kulturellen Segmenten befinden sie sich in einem unaufhörlichen Prozess der Differenzierung.
Wie lassen sich nun solche dynamischen Abläufe erfassen? Insbesondere die komplexen Beziehungen zwischen den Individuen, die durch ihre Interaktionen und Bewegungen Spuren im urbanen Raum hinterlassen?
Diese Publikation eröffnet Architekten, Stadtplanern und Laien, die sich für Stadtplanung und -entwicklung interessieren, einen neuen Ansatz, ein Instrument, um den sich ständig verändernden urbanen Raum zu betrachten und zu verstehen. Mithilfe der thematischen Folien ist es möglich, verschiedene Realitäten der Stadt in Schichten übereinanderzulegen, um neue urbane Verbindungen zu schaffen, und so in die Komplexität unserer Städte einzutauchen.

Mit Beiträgen von Catherine Ingraham und Keller Easterling

Das Atelier der J. R. Geigy AG war Ursprung einer Sternstunde der Schweizer Grafik der 1950er- und 60er-Jahre. Die aufgeschlossene Unternehmenskultur des Basler Chemiekonzerns ermöglichte eine exemplarische Verbindung von Produktdesign und Firmenauftritt. Die Gestaltung zeigt eine modernistische Formensprache, ohne dabei einem formelhaften Stil verpflichtet zu sein. Eine bildhafte Symbolik hatte darin ebenso ihren Platz wie Aneignungen von der ungegenständlichen Kunst, der manche der beteiligten Grafiker nahe standen. Unter der langjährigen Leitung von Max Schmid arbeiteten u. a. Roland Aeschlimann, Karl Gerstner, Jörg Hamburger, Steff Geissbühler, Andreas His, Toshihiro Katayama und Nelly Rudin. Auch freischaffende Gestalter wie Michael Engelmann, Gottfried Honegger, Armin Hofmann, Herbert Leupin, Warja Lavater, Numa Rick und Niklaus Stoecklin wurden beauftragt. In den 1960er-Jahren orientierte sich das Basler Atelier, insbesondere unter George Giusti und Fred Troller, an der Entwicklung der Ateliers der Tochterfirmen in den USA und Grossbritannien und setzte vermehrt auf Werbung. Mit dem Geigy Design wird ein bedeutender Schweizer Beitrag zur internationalen Designgeschichte in seiner Konsequenz und Eigenständigkeit erstmals umfassend vorgestellt.

Mit Beiträgen von Karin Gimmi, Andres Janser, Barbara Junod, R. Roger Remington, Yvonne Zimmermann