Trends und Moden lässt der Verlag unbeachtet oder unterzieht sie einer eingehenden Analyse. Näher liegen uns Untersuchungen komplexer Themen, Fragen nach Prozess und Methode, Dokumentationen historischer Meilensteine und vereinzelt Einblicke in die exemplarische Praxis. Mit dem Museum für Gestaltung Zürich und dem Institut für Designforschung der Zürcher Hochschule der Künste besteht eine langjährige Zusammenarbeit.

Bekannt geworden als Lieferant von Theatertextilien für den Broadway und darüber hinaus, bereitete Maharam in den sechziger Jahren den Weg für den Einsatz technischer Textilien bei der Raumgestaltung und beliefert heutzutage als Marktführer Architekten und Innenarchitekten mit Textilien. Maharam verfolgt einen ganzheitlichen Designansatz, der eine Vielzahl verschiedener Bereiche wie Architektur, Innenarchitektur, Möbel, Mode, Zubehör, grafische und digitale Medien umfasst. Das Maharam Design Studio beaufsichtigt die Bearbeitung einer umfangreichen Textilkollektion, die von Neuauflagen beliebter Stoffe der berühmtesten multidisziplinären Visionäre des zwanzigsten Jahrhunderts bis zu Textilprodukten reicht, die gemeinsam mit Vertretern anderer Disziplinen entworfen werden. So unter anderem in Zusammenarbeit mit -Konstantin Grcic, Hella Jongerius, Maira Kalman, Bruce Mau, Jasper Morrison, Nike und Paul Smith. Dieses Werk bietet einen umfassenden Überblick über Firmen-geschichte, kulturelle Bezugspunkte und Designprojekte. Abstrakte Produktanwendungen werden an den «useless objects» von Jasper Morrison gezeigt.
 

Was nährt die Inspiration des Designers? Die Beobachtung. In Jasper Morrisons -Bilder-Sammlung treffen Ikonen der Designgeschichte auf unscheinbare Gegenstände des Alltags, kuriose Bildfunde auf Archetypen der Moderne. Jedes Bild erzählt eine Geschicht und schafft mit seinem Nachbarn eine neue – wortlos in der Sprache der Form.

Der formalen Beliebigkeit hält Morrison Einfachheit und Komplexität, Poesie und Humor als Repertoir einer verbindlichen Gestaltung entgegen. Als Schule des Sehens richtet sich A World Without Words an Designer und Konsumenten, die sich in der Welt der Waren zurechtfinden wollen.

Für seine Ausstellung «Your Chance Encounter» im 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, Japan hat der viel beachtete dänisch-isländische Künstler Olafur Eliasson eine Sequenz von räumlichen Experimenten entwickelt, welche Bewegung und Orientierung der Besucher herausfordern und sie anregen, das Museum als einen öffentlichen Raum für kritische Auseinandersetzung von Kunst und Wirklichkeit zu betrachten.

Die extra für die Ausstellung entwickelten Installationen sind in einem engen Kontext mit der räumlichen Struktur des Museums angelegt und erweitern das Konzept der Architektur des japanischen Architekturbüros SANAA. Olafur Eliasson bezieht nicht nur die Ausstellungsräume des Museums, sondern auch die Korridore dazwischen und die angrenzenden Höfe mit ein, und setzt so Innen-und Aussenbereich in enge Verbindung und untersucht die einzigartigen Eigenschaften dieses Museums.

Das Künstlerbuch, das in enger Zusammenarbeit mit dem Studio Olafur Eliasson entstanden ist, bietet in seiner aufwändigen Gestaltung mit einen umfangreichen Bildteil eine umfassende Dokumentation der Ausstellung und wichtige Auseinandersetzung mit dem Werk des erfolgreichen Künstlers. Ein Essay der Architekturhistorikerin Eve Blau interpretiert die Ausstellung im Verhältnis zu ihrer Umgebung und stellt die experimentelle Vorgehensweise von Olafur Eliasson und SANAA einander gegenüber, während die Kuratorin Hiromi Kurosawa in die Geschichte und den Kontext des Museums in Kanazawa einführt.

Mit Texten von Eve Blau, Hiromi Kursawa

In «Uncorporate Identity: Emblem and Void» lässt sich Metahaven, Design Studio und Thinktank, auf eine sinnbildliche Untersuchung ein, die geopolitische Konflikte mit Branding, fiktive Staaten mit Stararchitektur, flexible Steuerung mit dem hieb- und stichfesten Wertegesetz und den Totalitarismus der Norm mit sozialen Netzwerken im Internet verbindet. «Uncorporate Identity» ist zugleich ein künstlerisches Manifest für Design in Zeiten der Globalisierung und ein Arbeitsbuch aus Essays, Schilderungen und Binsenweisheiten, die den heutigen unklaren Zustand von Identität und Branding ausloten. Das Buch ist eine Sammlung von Entwürfen, verfasst nach den Forschungsschwerpunkten in Metahavens wichtigsten Projekten, sowie Essays, Interviews und Prosa von Boris Groys, David Singh Grewal, Vladimir Kolossov, Keller Easterling, Dieter Lesage, China Miéville, Chantal Mouffe, Pier Vittorio Aureli, Bruno Besana, Michael Taussig, Regula Stämpfli, Mihnea Mircan, Mariana Celac, Florian Schneider, Marina Vishmidt u.a.

Mitherausgeber Jan van Eyck Academie

Was ist aus dem Mythos Schweiz geworden?

Ist die Schweiz eine Insel der Glückseligen oder ein Paradies mit Rissen? Wie wird der Begriff «Schweiz» konnotiert? Die Schweizer Bildwelten in Plakaten für Tourismus, Schokolade, Milchprodukte, Uhren oder Bankenwesen spiegeln den Zeitgeist wider und verweisen auf gesellschaftliche Projektionen und Sehnsüchte.

Die Publikation vereint prägende Werbebeispiele von 1900 bis heute zu einem visuellen Dialog. Dieser untersucht einerseits, wie das Bild der Schweiz in der Werbung erscheint und andererseits, wie es zum Image transformiert wird. Dabei werden ikonografische Typen im Kontext von Bildstrategie und Werbetext beleuchtet. Klischees, Fremd- und Selbstbild aber auch Widersprüche und Brüche treten dabei zu Tage.

Facetten der Swissness eröffnen sich dem Leser anhand von rund 90 Plakaten und Entwürfen bedeutender Plakatgestalter und Agenturen wie Aebi und Partner, Otto Baumberger, Emil Cardiaux, Hans Falk, Walter Herdeg, Herbert Leupin, Burkhard Mangold, Herbert Matter, Martin Peikert, Emil Schulthess, Stalder und Suter, Niklaus Stoecklin, Ruf Lanz, Carlo Vivarelli, Weber, Hodel, Schmid und anderen.

Die Publikation stellt dar, wie sich die globalisierte Welt seit ca. 1970 im Design zeigt und wie es sich ausschliesslich für diese Welt entwickelt. Dabei wird von einem -Designbegriff ausgegangen, der Architektur, Grafik-, Medien-, Mode-, Produkt- und Industriedesign genauso umfasst wie das Design von Lebenswelten oder Produktionsprozessen. Die Schwerpunkte sind die globalen Vernetzungen in den Bereichen -Kommunikation, Produktion, Handel, Kapital und Mobilität. Veranschaulicht werden die speziellen Phänomene der Globalisierung durch Filme, Produkte, Kleider, Bilder und Modelle von namhaften Künstlern wie Armin Linke, Fischli Weiss, Didier Faustino oder Thomas Demand. Neben dem Container, dem tragenden Element der Globalisierung werden Einblicke in den Kulturtransfer in Geschichte und Gegenwart und die -Darstellung der Globalisierung im Verhältnis zum Regionalismus gezeigt, sowie globale Trends veranschaulicht.

Mit Beiträgen von Angeli Sachs, Philip Ursprung, Jeroen van Rooijen
 

In der grafischen Gestaltung, in der Wegeleitung, der Stadtplanung und anderen kreativen Disziplinen nehmen komplexe Orientierungsaufgaben zu. «Des-/Orientierung II» ist die wissenschaftliche Untersuchung zu Phänomenen, Darstellungen und Inszenierungen von Orientierung und Desorientierung. Das Institut für Designforschung Design2context, unter der Leitung von Ruedi Baur, hat Wissenschaftler verschiedener Disziplinen eingeladen, die beiden Kategorien zu diskutieren. Während der erste Band eine überwiegend bildliche Untersuchung der Thematik bietet, wird das Phänomen im vorliegenden Band in fundierten Texten behandelt. Die thematisch gegliederte Textsammlung zeigt die Verwendungszusammenhänge der Begriffe Orientierung und Desorientierung auf und setzt eine kritische Auseinandersetzung in verschiedenen Disziplinen in Gang.

Mit Beiträgen von Clemens Bellut, Elisabeth Blum, Steffen Bogen, Andres Bosshard, Georg Bringolf, Bernard Cadet, Ella Chmielewska, Christopher Dell, Philippe Gauthier, Andrea Gleiniger, Christoph Hoelscher, Annette Hornbacher, Guillaume Jacques, Stefanie-Vera Kockot, Toni Kotnik, Suzanne Leblanc, Trond Maag, Yana Milev, Frank den Oudsten, Sébastien Proulx, Andre Richter, Denis Rioux, Urs Jakob Ruetschi, Imanuel Schipper, Franz Schultheis, David Skopec, Philipp Teufel, Sébastien Thiery, Claudia Westermann, Hendrik Ziezold, Nils Zurawski

Nach dem Erfolg von «Sleeves of Desire» (1996) widmet sich die zweite Publikation über die Plattenfirma ECM der Hüllengestaltung von 1996 bis heute. ECM (Edition of Contemporary Music) hat sich seit seiner Gründung 1969 dem Jazz und der zeitgenössischen Musik verschrieben und ist weltweit eines der führenden Labels in diesem Bereich. Was ECM auszeichnet, ist die Ästhetik der Gestaltung, die seit jeher integraler Bestandteil der Musikproduktionen ist. Die Zusammenarbeit des Produzenten Manfred Eicher mit Barbara und Burkhart Wojirsch und Dieter Rehm bis 1996 und seither mit Sascha Kleis und wechselnden Fotografen und Künstlern fruchtete in einer Ästhetik des Covers, die einen Dialog zwischen dem meist fotografischen Bild und der Musik eröffnet. Das Buch lädt zu einer assoziativen Reise durch diese Bildwelten ein. Die Textbeiträge der Autoren vertiefen verschiedene Aspekte der visuellen Sprache. Ein bebilderter Katalog aller ECM-Titel seit der Gründung rundet diese Publikation ab.

Mit Beiträgen von Geoff Andrew, Ketil Bjørnstad, Katharina Epprecht, Lars Müller und Thomas Steinfeld

«Weiss» ist kein Buch über Farbe. Es ist vielmehr ein Versuch des Autors, das Wesen von Weiss zu ergründen, das er eng mit der Quelle der japanischen Ästhetik verbunden sieht, die für Einfachheit und Feinheit steht. Leere und das vollkommene Nichts sind die zentralen Begriffe, die in dieser Publikation diskutiert werden. Kenya Hara betrachtet seine Arbeit als Designer als eine reine Form von Kommunikation. Gute Kommunikation zeichnet sich durch gegenseitiges Zuhören aus, statt dem Gegenüber seine Meinung aufzudrängen. Diese Form der Verständigung wird von Kenya Hara mit einem «leeren Gefäss» verglichen. Ebenso gibt es in der visuellen Kommunikation Zeichen, deren Bedeutung begrenzt ist, aber auch Zeichen wie das Kreuz oder den roten Kreis auf der japanischen Flagge, die wie leere Gefässe, jede Beutung zulassen und der Vorstellung keine Grenzen setzen. Nicht nur die Tatsache, dass das japanische Schriftzeichen für Weiss Bestandteil der Schriftzeichen für Leere ist, haben ihn veranlasst, die Farbe Weiss in eine enge Verbindung mit dem Zustand der Leere zu setzen. Das Buch bietet einen persönlichen Einblick in die Philosophie des erfolgreichen Designers und Autors von «Designing Design».

Unimark International war ein weltweit agierendes Unternehmen mit elf Büros in fünf verschiedenen Ländern. Die Anwendung von modernstem Design und neusten Marketingmethoden machten Unimark sehr schnell bekannt und konkurrenzlos. Ihre Kunden waren internationale Firmen wie unter anderem Gillette, Jaguar, Ferrero, Knoll International, Olivetti, Pirelli, Ranx Xerox, Unilever, I.B.M., oder American Airlines und Ford für welche sie die bis heute gültigen visuellen Firmenidentitäten schufen.

Unimark war bekannt dafür stets die neusten Innovationen der Technik zu nutzen, und Computer einzusetzen lange bevor andere es taten. Unimark Designer haben mit ihrem visuellen Verständnis unsere Umwelt nachhaltig geprägt, und ein fortdauerndes Erbe durch ihre Arbeit und Lehre geschaffen. Viele Designer von Unimark wurden mit internationalen Auszeichnungen für ihre Leistungen geehrt. Ein markantes Merkmal vom Unimark Design ist die konsequente Verwendung der Schrift Helvetica für die corporate identity von Firmen.

Der hier erstmalig dokumentierte Erfolg von Unimark International, ist noch heute wegweisend für Designer und die Marketingbranche.

Die Publikation untersucht Verfahren zur Bildung flexibler Erscheinungsbilder für öffentliche und kulturelle Einrichtungen. Klassische Logos, wie sie üblicherweise für Firmen verwendet werden, sind das Resultat eines einmaligen Verdichtungs- und Abstraktionsvorgangs. Im Gegensatz dazu verbergen flexible Erscheinungsbilder die vielfältigen Komponenten der Identität nicht in einem Logo, sondern bilden aus ihnen eine komplexe Zeichenfamilie. Mit der Kombination von Basislogo und Zeichenfamilie ist das Erscheinungsbild in der Lage, das Grundsätzliche – die Philosophie der Institution, ihr Programm – und das Spezifische zu repräsentieren (z.B. die wechselnden Ausstellungen und Veranstaltungen). Die Autorin beschreibt die Wirkung und Potentiale von Erscheinungsbildern und bietet die Kriterien an, die ausgereifte dynamische Erscheinungsbilder auszeichnen. Das Thema wird zusätzlich in künstlerischen Projekten und Referenzbeispielen aus den Natur- und Geisteswissenschaften dargestellt. Fallstudien von bekannten Gestaltern wie Karl Gerstner und Ruedi Baur dienen der Vertiefung der Analyse.

Mit einem Essay («Vom Bezeichnen, Zeigen und Nennen») zum Thema Identität von Clemens Bellut.

Sieben Begriffe hat Ruedi Baur gewählt, um seine konzeptionelle Haltung zu umschreiben: Antizipieren, Hinterfragen, Einschreiben, Irritieren, Orientieren, Unterscheiden und Übersetzen. Sie dienen als Struktur des Buches und als Basis für sieben Dialoge zwischen ihm und Gesprächspartnern aus unterschiedlichen Disziplinen. Dazwischen wird die praktische Umsetzung der Begriffe anhand verschiedener Projekte aus seinem Atelier Intégral in Zürich und Paris präsentiert. Unpublizierte neue Projekte werden thematisch integriert in die Entwicklung des Gesamtwerkes. Das Buch hält die konzeptuellen und gestalterischen Konstanten und die Faszination der Arbeit von Ruedi Baur fest. Fünf Jahre nach dem Erfolg von Ruedi Baur, Intégral et associés zieht der Autor erneut Bilanz.

Mit Beiträgen von Marco Baschera, Clemens Bellut, Christine Breton, André Vladimir Heiz, Stefanie-Vera Kockot, Bernhard Stiegler, Sébastien Thiery

Das Plakat war aufgrund seiner gesellschaftlichen Wirksamkeit schon immer ideales Medium, um Appelle von globaler Brisanz und ethischer Dimension an die Bevölkerung zu richten. Die Publikation präsentiert internationale Plakate seit 1980, die dazu aufrufen, Verantwortung gegenüber der Menschheit und dem Planeten wahrzunehmen.
Während sich das im Eigenauftrag entstandene Autorenplakat der Aufklärung verpflichtet fühlt, zielen Plakate von Menschenrechts-, Umweltschutzorganisationen und Hilfswerken direkt auf die Aktion des Einzelnen ab. Aber auch Wirtschafts- unternehmen haben in den letzten Jahren soziales und ökologisches Engagement als Marketinginstrument entdeckt, um ihr Image zu pflegen.
Beleuchtet werden die verschiedenen visuellen Strategien und die rhetorische Vermittlung sozialer Botschaften im Plakat. Denn so unterschiedlich Motivation und Intention der Auftraggeber sind, so verschieden sind auch die Plakate in ihrem inhaltlichen und formalen Ausdruck.

Mit einem Essay von Sønke Gau und Katharina Schlieben

Die Reihe A 5 versteht sich als wachsendes Archiv des Grafikdesigns. In zahlreichen Abbildungen, Essays und Interviews stellt jeder Band herausragende Persönlichkeiten und wichtige Themen aus der Geschichte des internationalen Grafikdesigns vor. A5 ist eine Kooperation des labor visuell am Fachbereich der Fachhochschule Düsseldorf und Lars Müller Publishers.
Der 1925 geborene Grafiker Hans Hillmann gehört zu den einflussreichsten Plakatgestaltern und Illustratoren Deutschlands. Als Professor für Grafikdesign an der GHK Kassel prägte er in seiner über 30-jährigen Lehrtätigkeit viele Gestalter. Seine Illustrationen wurden über Jahre von Verlagen und Zeitschriften (u. a. F.A.Z.-Magazin) eingesetzt.

Die Zeitschrift Twen hat zwischen 1961 und 1968 gemeinsam mit dem Plattenlabel Philips eine Serie von Schallplatten herausgegeben. Zu jedem Twen-Heft erschien damals eine Schallplatte aus den Sparten Jazz, Klassik, Hörspielen, Weltmusik oder Pop. Der Art-Director Willy Fleckhaus verwendete für die Gestaltung der Plattencover konkrete Kunst von Karl Gerstner, Max Bill, Heinz Edelmann oder Günther Kieser. Die vergessene, rund siebzig Platten umfassende Reihe ist ein meisterhaftes Beispiel für die Verbindung zwischen Musik und Grafikdesign. In Kooperation mit Musikarchiven und privaten Sammlern wurde die seltene Serie vollständig zusammengetragen und dokumentiert.

Die Reihe A 5 versteht sich als wachsendes Archiv des Grafikdesigns. In zahlreichen Abbildungen, Essays und Interviews stellt jeder Band herausragende Persönlichkeiten und wichtige Themen aus der Geschichte des internationalen Grafikdesigns vor. A5 ist eine Kooperation des labor visuell am Fachbereich der Fachhochschule Düsseldorf und Lars Müller Publishers.
Über 30 Jahre verlieh der Gestalter Celestino Piatti den Covern des dtv-Verlags ein ganz eigenes Gesicht. Mit über 6.300 Buchumschlägen, die in einer Gesamtauflage von über 200 Millionen Exemplaren verkauft wurden, ist Piatti einer der produktivsten Buchgestalter aller Zeiten. Der Band dokumentiert einen der wichtigsten Abschnitte deutschsprachiger Literatur der Jahre 1960 bis 1990.

Das Atelier der J. R. Geigy AG war Ursprung einer Sternstunde der Schweizer Grafik der 1950er- und 60er-Jahre. Die aufgeschlossene Unternehmenskultur des Basler Chemiekonzerns ermöglichte eine exemplarische Verbindung von Produktdesign und Firmenauftritt. Die Gestaltung zeigt eine modernistische Formensprache, ohne dabei einem formelhaften Stil verpflichtet zu sein. Eine bildhafte Symbolik hatte darin ebenso ihren Platz wie Aneignungen von der ungegenständlichen Kunst, der manche der beteiligten Grafiker nahe standen. Unter der langjährigen Leitung von Max Schmid arbeiteten u. a. Roland Aeschlimann, Karl Gerstner, Jörg Hamburger, Steff Geissbühler, Andreas His, Toshihiro Katayama und Nelly Rudin. Auch freischaffende Gestalter wie Michael Engelmann, Gottfried Honegger, Armin Hofmann, Herbert Leupin, Warja Lavater, Numa Rick und Niklaus Stoecklin wurden beauftragt. In den 1960er-Jahren orientierte sich das Basler Atelier, insbesondere unter George Giusti und Fred Troller, an der Entwicklung der Ateliers der Tochterfirmen in den USA und Grossbritannien und setzte vermehrt auf Werbung. Mit dem Geigy Design wird ein bedeutender Schweizer Beitrag zur internationalen Designgeschichte in seiner Konsequenz und Eigenständigkeit erstmals umfassend vorgestellt.

Mit Beiträgen von Karin Gimmi, Andres Janser, Barbara Junod, R. Roger Remington, Yvonne Zimmermann

Weltausstellungen und internationale Ausstellungen haben neben dem kommerziellen und kulturellen auch immer einen politischen Kontext. Dies war insbesondere während des Kalten Kriegs zwischen den Vereinigten Staaten von Amerika und der Sowjetunion von Bedeutung. Beide Mächte bezogen sich zwar auf die gleichen kulturellen Werte, aber nutzten Architektur und Design unterschiedlich, um ihre gegensätzlichen politischen Ideologien zu präsentieren.
Jack Masey war als Design Direktor für die United States Information Agency von 1951–1979 tätig. Er beauftragte Architekten und Designer wie Buckminster Fuller, Charles und Ray Eames, George Nelson, Peter Blake, Chermayeff und Geismar, die USA auf den grossen Expos z.B. 1958 in Brüssel, 1967 in Montreal oder 1970 in Osaka zu präsentieren. Das Buch bezieht sich auf Maseys Erinnerungen, unveröffentlichte Dokumente und Fotografien, um die entscheidende Rolle von Architekten und Designern darzustellen, die das Bild Amerikas während des Kalten Kriegs formten.

Otto Baumberger (1889–1961) wurde als einer der ersten Schweizer der Berufsbezeichnung «Plakatgestalter» gerecht. Sein Wunsch, auch als Künstler zu Ehren zu kommen, blieb hingegen unerfüllt. Früh eignete er sich als Angestellter der Wolfensberger AG in Zürich fundierte Kenntnisse der lithografischen Technik an. Er gestaltete über 200 Plakate, mit denen er die Erneuerung des Mediums vorantrieb. Indem Baumberger wesentliche Aspekte der Konsumgüter-Werbung erkannte, war er seiner Zeit weit voraus. Ohne einen eigentlichen Stil zu prägen, suchte er nach der jeweils adäquatesten Lösung für die Übermittlung einer Botschaft. Seine originellen Bildfindungen führten dabei zu einer bis zur Abstraktion reichenden Reduktion, wobei Bild- und Schriftelemente eine immer prägnantere Synthese eingingen. In seiner Vielfalt verkörpert Baumbergers Werk mithin exemplarisch die schweizerische Plakatgeschichte der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts mit ihrer Entwicklung vom malerischen Künstlerplakat zum grafisch geprägten Corporate Design.

Mit einem Essay von Martin Heller

Politikerinnen und Politiker sind in unserer Gesellschaft allgegenwärtig. Wie sie sich präsentieren, ist sowohl abhängig vom historischen Kontext als auch von der Regierungsform und dem kulturellen Umfeld. Wesentliche Bestandteile politischer Arbeit sind Imagebildung, Kampagnen, Wahlkämpfe und Eigenrepräsentation, aber auch die Demontage des Gegners. Dabei ist der Austausch zwischen Politikern und Volk von einem komplexen Gefälle geprägt. Breite Bevölkerungsschichten sollen für ein Programm gewonnen werden, ein wirklicher Austausch mit dem Individuum findet nur sporadisch statt. Die Publikation beleuchtet geschichtliche Wurzeln, Epoche machende Wahlkämpfe, wiederkehrende Muster der politischen Öffentlichkeitsarbeit und prägende Figuren wie Lenin, Che Guevara, Arnold Schwarzenegger oder Julia Timoschenko. 

Mit einem Essay von Thomas Macho 

«Some Ideas on Living» überdenkt «Leben in der Stadt» indem es neue Annährungen erkundet, Wohnungsbauprojekte in eine existierende Stadt zu integrieren. Wegen ihres Ausmasses, ihrer exzessiven Bebauung und den Bestrebungen innerhalb der Stadt zu wachsen, sind Tokyo und London mit vergleichbaren urbanen Entwicklungsproblemen konfrontiert. Gleichzeitig haben Nachbarschaft, privater und öffentlicher Raum oder Gemeinschaft in ihrem kulturellen Kontext eine ganz unterschiedliche Bedeutung und verlangen signifikant andere Lösungen. Die Projekte des japanischen Architekten Nishizawa und des britischen Architekten Taylor zeigen wie Bewohner in ihrem Haus leben, und gleichzeitig ihren Lebensraum in ihre direkte Umgebung und Stadt erweitern können. Sie präsentieren, innerhalb der Besonderheiten ihrer Kultur und Philosophie, die Idee, dass mit ein Wohnprojekt ein Beitrag zur Atmosphäre, dem Charakter und dem Leben in einer Stadt geleistet werden kann. In kurzen Statements erläutern Nishizawa und Taylor ihre Vorgehensweise und ihre Ideen, die von Bildern und Erläuterungen zu ihren Projekten und einer Diskussion zwischen ihnen begleitet werden. In einem Essay beleuchtet Giovanna Borasi die Relevanz des Themas für die heutige Zeit und Peter Allison setzt das Vorgehen der Architekten in die historische Perspektive und ihre jeweilige Kultur.

Designer, Grafiker, Architekten oder Stadtplaner sind derzeit mit Aufgabenstellungen der Signaletik, der Wegeführung, der Informations- und Orientierungssysteme konfrontiert. Sie können in dem Buch von einem breit gefächerten Blick auf Phänomene der Desorientierung profitieren – Desorientierung in wissenschaftlichen Disziplinen, in unseren Um-Welten und in ausdrücklichen Inszenierungen. Zum einen werden durch bewusste Irritationen eingefahrene Haltungen aufgebrochen
und neue visuelle Reflexion angeregt, andererseits können die wissenschaftlichen Disziplinen eine weiterführende Kategorienbildung erproben. Die visuelle Untersuchung wird von kurzen heterogenen Texten begleitet. Bild und Text stehen dabei in einem Verhältnis wechselseitiger Spiegelungen, ohne einander zu kommentieren oder zu illustrieren.

Der Designer Frédéric Dedelley veranschaulicht anhand von acht Themen und Projekten exemplarisch den Weg von der Entdeckung eines Bildes im Alltag, über seine Archivierung, seine Weiterverarbeitung bis Transformation in einen neuen Gegenstand. Das Buch zeigt auf vergnügliche Weise den Kern des Entwerfens – das Schauen und Wahrnehmen. Es lehrt andere Bilder zu sehen als die, die in den Medien gezeigt werden, und regt an, eine eigene Bildbibliothek als Ausgangsmaterial für eigene Projekte anzulegen. Das Buch dient als Inspirationsquelle und Anleitung für Designer und gibt Einblick in die Arbeitsweiseeines versierten Gestalters. Ein Portrait der Journalistin und Ausstellungsmacherin Ariana Pradal und ein umfassendes Werksverzeichnis gewähren Einblick in die Gedanken- und Arbeitswelt des bekannten Designers Frédéric Dedelley.

Als Teil des BMW H2R Research Project legt das Studio Olafur Eliasson diese dichte Publikation vor, die neben umfassendem visuellen Material Auszüge aus zwei Seminaren und Gespräche von Olafur Eliasson mit hervorragenden Künstlern und Denkern enthält. Eliasson wirft Fragen der Formgebung und Materialität, der Mobilität, Temporalität, der Bewegung und nach erneuerbaren Energien auf. Das Studio Olafur Eliasson hat die Ummantelung eines wasserstoffbetriebenen BMW H2R entfernt und in verschiedenen Formstudien eine neue Aussenhaut kreiert. Die neue Oberfläche des Autos besteht aus zwei Eisschichten um zwei verschlungene Netze, gespiegelten Platten und Licht. Das Auto benötigt eine Temperatur von -6° oder tiefer.  

Das wirkungsvolle Zusammenspiel von Fotografie, Grafik und Typografie markiert den Beginn modernen Grafikdesigns. Beleuchtet werden acht ausgewählte Positionen, die in der Auseinandersetzung mit der Tradition – aber auch in bewusster Abgrenzung davon – fruchtbare Neuinterpretationen leisten. Spannungsvolle Bild-Text-Mixturen werden zum Ausdruck zeitgenössischer Tendenzen.

Mit einem Essay von Nanni Baltzer

Die Entwicklung moderner Kommunikations- und Informationstechnologien wie dem Internet und die Globalisierung haben nicht nur Zugang und Umfang des verfügbaren Wissens verändert, sondern auch die Geschwindigkeit des Sammelns. Die Autorin untersucht Wissenssammlungen wie Archive, Enzyklopädien, Datenbanken und Bibliotheken, die Wissen global verfügbar machen. Wer sammelt das Wissen der Welt? Wie wird es strukturiert und gestaltet? Wer bestimmt über den Zugang zu diesem Wissen und welche politischen und ökonomischen Faktoren beeinflussen diesen? Gestalter und Forscher aus verschiedenen Disziplinen haben Standards für die Klassifizierung und das Design komplexer Datensammlungen gesetzt, und damit einen grossen Einfluss darauf genommen, wie Wissen kommuniziert wird. Dies bedeutet einerseits eine Erleichterung der Wissensvermittlung, zum anderen aber auch die Gefahr einer Manipulation. Neben diesen Aspekten untersucht das Buch die Möglichkeiten des «universellen Design» und präsentiert neue Konzepte zur Visualisierung komplexer Informationen.

Der französische Gestalter Pierre Bernard konzentriert sich in seinem Werk – über das hier erstmals ein umfassender Überblick gegeben wird – auf den öffentlichen Raum: auf die Kommunikation zwischen Regierungen und Bürgern; auf die Verständigung und Orientierung in der Öffentlichkeit. Er zeichnet u.a. verantwortlich für das Corporate Identity des Louvre in Paris und die Gestaltung des markanten Signets für die französischen Nationalparks. Pierre Bernard leitet seit 1991 das Atelier de Création Graphique in Paris.

Die Schrift «Helvetica», entworfen 1957, ist eine Ikone der Schweizer Grafik, die in den 50er und 60er Jahren weltweit ein Vorbild war für eine sachliche und funktionale Kommunikation. Das ausgewogene, neutrale Schriftbild der Helvetica verzichtet auf expressiven Ausdruck, eine Eigenschaft, die ihr ebenso angerechnet wie vorgeworfen wird. Diese Polarisierung hat der Schrift zu einer einmaligen Bekanntheit verholfen. Die Helvetica ist die mit Abstand meistverwendete Schrift – gemäss einer Erhebung des Berliner Fontshop-Archivs führt sie die Rangliste der 100 besten Schriften aller Zeiten an. Die Publikation zeichnet die fünfzigjährige Geschichte der Helvetica nach, vergleicht sie mit den bekannten Groteskschriften des 20. Jahrhunderts und untersucht das Phänomen ihrer beispiellosen Verbreitung. Zahlreiche Abbildungen präsentieren eine Vielzahl von Anwendungen der Schrift über fünf Jahrzehnte und aus verschiedenen Anwendungsgebieten – von der Signaletik bis zum Partyflyer.

Mit Beiträgen von Axel Langer und Indra Kupferschmid

Der Comic positioniert sich zwischen Kunst und Populärkultur und verbindet prägnante Text- und Bildbotschaften. Eine ideale Voraussetzung für die Plakatgestaltung. Die Ausstellung zeigt - in gewohnter Poster-Collection-Qualität - die Wurzeln und stilistische Vielfalt des Comics in der Plakatgestaltung. Der japanische Farbholzschnitt, Jugendstil und Pop Art beeinflussten den Comic. Bereits um 1920 unterstützten pointierte Bilderzählungen auf russischen Rosta-Fenstern die massenwirksame Verbreitung sozialer Inhalte. Bis heute nutzen Designer inhaltliche und formale Aspekte des Comics zur Vermittlung brisanter Botschaften - satte Farbigkeit, Stereotypie und Drastik in der Zeichnung und Reduktion im mimischen und gestischen Vokabular.

Mit Texten von Pascal Lefèvre und Bettina Richter

Die Pars Foundation wurde aus der Überzeugung gegründet, dass Kunst und Wissenschaft gleichermassen kreative Prozesse sind. Künstler beginnen mit einer Idee, die am Ende in Form von Musik, Bildern oder Worten zum Ausdruck gebracht wird. Wissenschaftler gehen von einer Hypothese aus, entwerfen eine Idee, testen und beschreiben sie. Das Buch zum Thema «Ice» zeigt eine Vielfalt an unterschiedlichen Sichtweisen von Künstlern und Wissenschaftlern und funktioniert als visueller und textueller Leitfaden.

Karl Gerstners Arbeit ist ein Meilenstein in der Geschichte der Gestaltung. Eines seiner wichtigsten Werke ist Programme entwerfen, das hier in einer Neuauflage der Originalpublikation von 1964 erscheint. In vier Essays stellt der Autor die Grundlagen seiner gestalterischen Methode dar. Diese zeigt keine Rezepte, sondern ein Modell für das Entwerfen im beginnenden Computerzeitalter.

Das Buch liefert aber auch heute noch anwendbare Denkmodelle: keine Lösungen, kein richtig oder falsch, nichts Absolutes – sondern Grundlegendes ist hier auf innovative Art erarbeitet. Gerade vor dem Hintergrund der aktuellen Entwicklungen im Computational Design, das uns die Möglichkeit von programmierter Gestaltung vorhält, gewinnt dieses Buch an Aktualität. Die vielen Beispiele aus Grafik und Produktdesign, Musik, Architektur und Kunst regen dazu an, das Gezeigte weiterzudenken und in die eigene Arbeit zu integrieren.

Die Natur war schon immer eine Inspirationsquelle für die Gestaltung der menschlichen Umwelt und diese Beziehung hat sich in den letzen Jahren wieder intensiviert. Das «Modell Natur» beeinflusst die unterschiedlichsten Konzepte und Entwicklungsprozesse und zeigt sich in einer grossen Bandbreite von Formen und Funktionen. Nature Design versammelt Projekte und Objekte aus Design, Architektur, Landschaftsarchitektur, Fotografie und Kunst, die sich von der Natur inspirieren lassen, um vielschichtige und innovative Arbeiten zu entwickeln. Protagonisten sind u.a. Werner Aisslinger, Ronan und Erwan Bouroullec, Peter Eisenman, Zaha Hadid, Herzog & de Meuron, Ross Lovegrove, Olaf Nicolai, Francois Roche, Lars Spuybroek und Günther Vogt. Das Buch umfasst die historischen und theoretischen Grundlagen zu den Themen Meer, Topografie, Pflanzen, Mensch, Tier, Geruch und Klima. Nature Design soll die Vielfalt der Möglichkeiten in der Nach- oder Neuerfindung der Natur sichtbar und machen neue Perspektiven eröffnen.

Mit Essays von Barry Bergdoll, Dario Gamboni und Philip Ursprung

Stellvertretend für eine neue Generation von Designern in Japan erweist der 1958 geborene Kenya Hara seinen Mentoren Reverenz, wenn er lange vernachlässigte japanische Symbole und Bilder in viele seiner Arbeiten einfliessen lässt. In Designing Design bringt Kenya Hara dem Leser die Bedeutung der Leere in der ästhetischen und philosophischen Tradition Japans nahe und führt anhand seiner eigenen Arbeiten vor, wie sich diese Kultur im zeitgenössischen Design umsetzen lässt. So hat er zum Beispiel die Programme für die Eröffnungs- und Abschlusszeremonie der Olympischen Spiele in Nagano 1998 gestaltet. Er fand 2001 auch Aufnahme in den Vorstand des japanischen Labels MUJI, wo er seither als Kommunikations- und Designberater das Erscheinungsbild dieses erfolgreichen Unternehmens wesentlich mitprägt. Kenya Hara, neben Naoto Fukasawa eine der führenden Gestalterpersönlichkeiten Japans, machte auch mit Wanderausstellungen wie Re-Design: The Daily Products of the 21st Century auf sich aufmerksam. 

Edo Smitshuijzens Signage Design Manual führt den Leser Schritt für Schritt und in einer unterhaltsamen und geradlinigen Art durch die einzelnen Entwurfsphasen des Signaldesign. Über 800 Illustrationen leiten durch diesen anspruchsvollen Prozess. Die Tiefe, in die das Buch vordringt, und die gleichzeitig vollständige Ausleuchtung eines weiten Feldes, machen dieses «Manual» zu einer einzigartigen Publikation. Der Kanon der Signaletik hat mit Smitshuijzens Signage Design Manual endlich sein eigenes engagiertes Lehrbuch.

Vor dem Hintergrund der sozialpolitischen Aufbruchstimmung manifestiert sich in den 1980er Jahren auch im schweizerischen Grafik-Design eine neue Expressivität, beeinflusst von der Punkästhetik und ersten Experimenten mit dem Macintosh. Alternative Kultur- und Politbetriebe setzten bewusst auf ein neues visuelles Erscheinungsbild, um sich damit von etablierten Institutionen abzugrenzen. In konstruktiver Reibung mit der stilistischen Strenge des Swiss Style fanden junge Gestalter zu innovativen bildlichen Ausdrucksformen, die das Grafik-Design bis heute bereichern.

Die Publikation präsentiert mit Plakaten aus den Jahren 1980 bis 1995 eine Heterogenität an gestalterischen Haltungen, die sich den Regelbruch bewusst zu eigen machen. Vertreten sind u.a. Arbeiten von Peter Bäder, Polly Bertram und Daniel Volkart, Richard Feurer, Roli Fischbacher, Peter Frey, Ralph Schraivogel, Mihaly Varga, Cornel Windlin und Ruedi Wyss.

Mit Texten von Martin Jaeggi und Peter Schweiger

Insgesamt 204 Alltagsobjekte haben die Designer Jasper Morrison und Naoto Fukasawa zusammengetragen auf der Suche nach dem supernormal Design : Neben Beispielen anonymer Formgebung finden sich hier Designklassiker von Jacobsen, Rams, Bill oder Noguchi. Mit Produkten von Grcic, den Azumis oder den Bouroullec-Brüdern ist auch jene Generation vertreten, deren Vorbilder Morrison und Fukasawa sind. Das Phänomen des Supernormalen wird über Zeit und Raum hinweg verortet, und weist in eine Zukunft, die längst begonnen hat. Das Supernormale liegt offen da, ist real und verfügbar. Fukasawa und Morrison machen es für uns sichtbar.

Spielwitz und Klarheit ist nicht etwa ein Gegensatzpaar, sondern eine höchst fruchtbare gegenseitige Durchdringung von Qualitäten, wie das Buch anhand einer breiten Auswahl aus der schweizer Architektur, Grafik und Design von 1950 bis 2006 zeigt und fragt ob es eine Gemeinsamkeit in der gestalterischen Auffassung all dieser Beispiele, aus drei Berufen, verschiedenen Landesgegenden und Sprachkulturen gibt. Keine Schau von Luxus-Gütern, sondern Begabungen, die sich artikulieren, Ideen, die sich materialisieren, und auftraggeber, die Mut zu neuen «Erfindungen» haben, die schliesslich zu einer Zufriedenheit beim Konsumenten führt.

Jean-Benoît lévy hat über Jahre hunderte von Beispielen und Beweisen für ein weltweit verbreitetes System der Hand-Zeichen gesammelt. Diese Publikation präsentierte ein Panoptikum der Hände: charmante Kuriositäten, Laien-Kreationen, professionelle Kommunikationskonzepte, die allesamt die Hand-Zeichen-Sprache als globale und interkulturelle Meta-sprache unter Beweis stellen. als Handbuch oder «Manual» ist es eine Sehschule und die Aufforderung an den Betrachter, seine eigene visuelle Umwelt neugierig und aufmerksam zu observieren.

Die Publikation beleuchtet die Epoche zwischen 1948 und 1970, als die Einfahrt in den Bahnhof "Milano Centrale" für junge Schweizer Grafiker nicht nur einen individuellen Wendepunkt herbeiführen konnte, sondern auch Sternstunden der Designgeschichte. Kosmopolitisch zu sein, war mit Schwierigkeiten verbunden, wurde aber für viele damalige Abgänger der berühmten Kunstgewerbeschule Zürich reichlich belohnt. Ausgestattet mit einer Ausbildung, die Italien seinerzeit nicht anbieten konnte, trafen Schweizer Grafiker und Grafikerinnen auf eine optimistische und undogmatische Haltung, die inspirierend und neu war. Italiens Weg zu einer viel beachteten visuellen Kommunikation war geprägt von einem engen transalpinen Dialog und verschaffte Mailand den Ruf einer Stadt, für die man seine Heimat gerne hinter sich liess.

Die Publikation versammelt Ikonen der Plakatgeschichte, etwa von Max Huber und Walter Ballmer.

Mit einem Essay von Hans Höger

Morrison vertritt eine Haltung, zu der viele Gestalter nach Abschweifungen zurückkehren wollen: Die einfache und dauerhafte Form, funktional und materialgerecht. Als Autor gibt der Designer selbst einen unverfälschten Einblick in seine Haltung und Arbeitsweise, die er mit «utilism» umschreibt. Morrison beschreibt in prägnanten Texten die Entwicklung der einzelnen Produkte von der Idee bis zur Herstellung.

Eine vollständige Projektliste seit 1981 ergänzt die grosszügig präsentierte Auswahl.

Mit Texten von Jasper Morrison

Für die Publikation wurden zeitgenössische Plakate aus China, Hongkong und Taiwan zusammengetragen, die belegen, dass im Zuge der wirtschaftlichen Öffnung ein neues Interesse am Plakat erwacht ist. Seine kommerzielle Anwendung unterscheidet sich in China kaum von westlichen Standards. Doch mit wachsendem Selbstbewusstsein machen sich heute Gestalter und Gestalterinnen mit innovativen Plakaten zu kulturellen oder gemeinnützigen Themen bemerkbar. Die auffallende Häufigkeit, mit der sie Schrift und Typografie zur Hauptsache des Plakats machen, lässt auf beeindruckende Weise den Wunsch erkennen, mit dem unschätzbaren Reichtum der eigenen Schriftkultur am Puls der Zeit zu sein.

Mit einem Essay von Eva Lüdi Kong

Was tun Gestalter von zeitgenössischer Signaletik? Weisen sie den Menschen den Weg? Per Mollerup zeigt mit Wayshowing, dass die meisten Gestalter an dieser Aufgabe gescheitert sind, denn zum
«Wegzeigen» gehört das «Wegfinden» wie das Lesen zum Schreiben. Der Zweck des Zeigens ist das Finden.

Der Autor belegt diese These, indem er die internationalen Zeichensysteme und Designthemen architektonischer Wegmarken untersucht. Die Publikation richtet sich an Laien wie an Professionelle. Per Mollerup ist Autor mehrerer Publikationen und Direktor von Mollerup Designlab in Kopenhagen.

8vo waren Pioniere des digitalen Designs. Früh erkannten sie den Einfluss des Computers auf die Konzeption eines Designerzeugnisses und verbanden analoge mit digitalen Entwurfsmethoden. Sie publizierten das internationale Magazin für Typografie «Octavo», das einen grossen Einfluss auf die neue, von Typografie dominierte Designbewegung hatte.
Der Fokus dieser Publikation liegt auf dem Prozess: Anhand vieler handgemachter und computergenerierter Entwürfe wird die Entwicklung der Arbeiten von 8vo Schritt um Schritt dokumentiert. Mark Holt und Hamish Muir, zwei Gründungsmitglieder von 8vo, erzählen wie es war der alltägliche Kampf des Arbeitens mit Kunden, mit Typografen, Druckern, und später auch mit dem Computer. 8vo arbeitete in einer Zeit beträchtlicher Änderungen in der Designindustrie. Diese Publikation stellt 8vo?s Arbeit in den Kontextdieser Revolution; von paste-up bis desktop.

Mit Beiträgen von Wim Crouwel, Simon Esterson, Friedrich Friedl, Simon Johnston, Ian Noble und Wolfgang Weingart

Das Buch thematisiert die Schnittstelle zwischen Ästhetik und Gesetz. Die Beziehung zwischen den Gebieten hat, nicht zuletzt durch die politischen Veränderungen im vergangenen Jahrzehnt, an neuer Relevanz gewonnen. Bei dem Projekt spielt die Zusammenarbeit mit Fachleuten aus der Rechtswissenschaft eine entscheidende Rolle. Zusätzlich wurden Autoren aus den Bereichen Politik und Design um Beiträge gebeten. Hier treffen Disziplinen aufeinander, die meist nur sehr pragmatisch miteinander in Berührung kommen. Das Werk richtet sich an Grafiker, Designer, Architekten, Stadtplaner und Juristen. Darüber hinaus soll das Projekt als Beitrag zur Sensibilisierung eines breiten Publikums beitragen.

Ein Forschungsprojekt der Hochschule für Grafik und Buchkunst (HGB) und des Instituts Design2context an der Hochschule für Gestaltung und Kunst Zürich (ZHdK)

Der französische Wortstamm von «lettre» umfasst viele Bedeutungen, die in Catherine Zasks grafischen Arbeiten wie in einem Wörterbuch bewahrt und weitergeschrieben werden: Buchstabe, Type, Brief, Literatur. In freien Arbeiten und in Auftragsarbeiten deutet die 1961 in Paris geborene Zask das Rohmaterial der Schrift, arrangiert es neu und gibt so dem blossen Buchstaben eine Geschichte, oder eine Musikalität, die ihn aus jeder Festschreibung löst. Buchstaben können Echos auslösen, auf die Zwischenräume wirken, Bilder speichern immer aber ordnen sie sich dem Ziel unter, einer schriftlichen Mitteilung eine angemessene und verständliche Form zu geben. Ihr Handwerk ist, den Buchstaben, das Wort, den Text zu hinterfragen, um ihm Sinn zu verschaffen. Damit ist für Zask der Dialog mit dem Kunden und dem Publikum von zentraler Bedeutung. Ihr Werk wird erstmals in einer Monographie gewürdigt.

Mit einem Essay von Henri Gaudin und Catherine de Smet

Das zeitgenössische Grafik-Design bietet ein grenzenloses Repertoire an Gestaltungsmitteln und Drucktechniken. Buchstaben lassen sich nicht nur am Computer setzen, sondern etwa mit einem triefenden Pinsel malen, in ein Negativ kratzen oder gar aus Klebestreifen bilden. Handmade präsentiert Plakate, deren Macherinnen und Macher selber Hand angelegt haben. Sie gehen auf das Material und seine Eigenschaften ein und sie scheuen sich nicht davor, gegen das
Reinlichkeitsgebot des Computers zu verstossen. Doch Handmade heisst nicht, dass die Gestalter grundsätzlich auf den Computer verzichten. Viele schaffen zwischen analog und digital überraschende Zwischenwelten. Die Motivationen für ihre Arbeitstechniken sind vielfältig. Für die einen ist es das Aufbegehren gegen den Mainstream, den anderen wiederum ist die Arbeit mit dem Computer, dem Inbegriff der Beschleunigung, einfach nicht effizient genug.

Mit einem Essay von Claude Lichtenstein

1957 entwarf der Schweizer Schriftgestalter Max Miedinger die «Neue Haas Grotesk», die nach 1960 als «Helvetica» zum weltweit meistverwendeten Schrifttyp werden sollte. Die Helvetica verkörperte das Ideal der Sachlichkeit, das damals von der Schweizer Grafik propagiert wurde. Dieses Buch ist eine Hommage an die Helvetica, den Schichtarbeiter unter den Schrifttypen, an ihren vergessenen Gestalter Max Miedinger und all diejenigen, welche während der letzten 40 Jahre zu ihrem unvergleichlichen internationalen Triumphzug beigetragen haben. Die gestalterischen Arbeiten, hier zu Ehren der Helvetica zusammengetragen, wurden von hervorragenden Designern und anonymen Amateuren aus der ganzen Welt kreiert. Sie präsentieren eine glanzvolle Sammlung dieser Ikone des modernen Designs. Helvetica ist nicht nur die bevorzugte Schrift von führenden Profis, sie ist auch die Favoritin bei der anonymen Gestaltung der Zeichen und Signale, Hinweise und Verbote, die das städtische Leben regeln.

2004 suchte der Eidgenössische Wettbewerb für Design die innovativsten Gestalter der Bereiche Industrial Design, Schmuck, Grafik/Typografie und Designtheorie. Swiss Design 2004: Innovation stellt die 20 Gewinnerinnen und Gewinner vor. Die prämierten Werke werden mit Bildern der Stellungnahme der Jury präsentiert. Interviews mit den jungen Designern suchen nach neuen Erkenntnissen zu den komplexen Themen.

Mit Texten von Renate Menzi, Joachim Huber, Sibylle Omlin, Paul Elliman

Diese Publikation ist das Ergebnis der langjährigen Sammelleidenschaft von Isabel Naegele und Ruedi Baur. Auf unzähligen Streifzügen durch viele Städte entstand ein Bildarchiv mit vielen, oft kleinsten Mustern dessen, was eine Stadt ausmacht und sich doch nicht in Worte fassen lässt: des Aromas. Dieses Buch ordnet die Bilder von Strassenschildern,
Türen, Blumentöpfen und vielen anderen Entdeckungen und versucht, aus diesen Eindrücken ein Extrakt herzustellen: das Aroma der Stadt.

Eine schmucklose Fotografie, reduzierte Farbigkeit, einfache Texte in einer sachlichen Typografie gesetzt: Das sind die formalen Elemente, aus denen der deutsche Grafiker Michael Engelmann eine unverwechselbare Bildsprache für seine Plakate geschaffen hat.

Als Autodidakt zur Werbung gekommen und geschult an der amerikanischen Werbepraxis, hat sich Engelmann in den 50er Jahren daran gemacht, alle Spuren biederer Anpreisung aus der Werbung zu vertreiben durch eine streng konzeptuelle Arbeitsweise. In seinen Plakaten für Pirelli, The Philadelphia Inquirer, Renault oder Roth Händle fügen sich Bilder und Begriffe auf ebenso einfache wie zwingende Weise zu Signeten von grosser assoziativer Kraft. Mit Witz und mit Sinn für den ökonomischen Gebrauch seiner Mittel hat er einen viel beachteten Beitrag zum Durchbruch der Grafik ins Zeitalter der Massenkommunikation geleistet.

Ralph Schraivogel (geb. 1960 in Zürich) ist einer der bekanntesten Schweizer Plakatgestalter der Gegenwart.

In den frühen 90er Jahren hat er sich rasch einen Namen gemacht mit experimentellen Plakaten, die klassisches Handwerk mit computerbasierten Entwurfsmethoden verbinden. Visuell unverwechselbar werden seine Werke durch komplexe Strukturmuster und den Umgang mit Fotografie. Interpretationskraft und die Reduktion auf wesentliche Inhalte zeichnen seine Arbeiten besonders aus.

Seine Werke werden international ausgestellt und mit zahlreichen Preisen geehrt. Im Rahmen der Poster Collection ist dies die erste Über-sicht über sein Werk. Die Publikation enthält seine wichtigsten Plakate und informiert detailliert
über seine Arbeitsmethoden.

Mit einem Essay von Robert Massin

In der scheinbar a priori bunten Welt des Grafik-Designs geht es in dieser Zusammenstellung internationaler Plakate der letzen vierzig Jahre um den Nachweis, dass im Verzicht auf die Farbe auch ein Gewinn liegen kann.

Die morphologische Erkundung der Bestände der Plakatsammlung fördert eine überraschende Vielfalt zutage. Welcher Motivation oder Haltung die Plakate in dieser Übersicht auch entstammen _ sie demonstrieren plausibel, dass mit der Entscheidung für das System "Schwarz und Weiss" der Gestaltung ihre Macht und der Farbe ihre Dringlichkeit zurückgegeben werden kann. Typische Positionen stammen von Gestaltern wie AG Fronzoni, Werner Jeker, James Victore oder M/M (Paris). Die Klaviatur reicht von "coolness" zu modernistischer Askese, vom politischen Manifest zur poetischen Abstraktion.

Mit einem Essay von Lars Müller

Das Bundesamt für Kultur (BAK) hat für das Jahr 2002 ein neues Förderungskonzept für den gesamten Designbereich entwickelt, in dessen Zentrum der Wille zu einer aktiven Förderung und zur Vernetzung steht. Die Publikation untersucht in verschiedenen Essays die Bedeutung von Netzwerken in der jungen Designszene der Schweiz. Die Betrachtungen von "innen" nach "aussen" decken die interdisziplinären, lokalen wie internationalen Vernetzungen auf und weisen ihren Einfluss auf die Arbetisweise der Gestalterinnen und Gestalter nach. Die Publikation ist eine Dokumentation des aktuellen Designschaffens in der Schweiz. Für ihre Innovationskraft legt die Publikation selber das beste Zeugnis ab, Die Gestalter von Elektrosmog (siehe "Benzin") ziehen alle Register der grafischen Kunst.

Armin Hofmann gehört zu den prägendsten Persönlichkeiten der Schweizer Plakatgestaltung. 1946 nahm er seine langjährige Lehrtätigkeit an der Basler Gewerbeschule auf und entwickelte in einem vitalen Dialog mit Emil Ruder und später mit Wolfgang Weingart eine pädagogische Befähigung, die international höchste Anerkennung fand und die Landschaft des Grafik Design nachhaltig veränderte. Sehr früh hat Hofmann erkannt, dass die technologische Entwicklung eine radikale Erneuerung der Lehrmethoden für angehende Gestalter erforderte. Die charakteristische Verbindung einer reflektierten Haltung mit der Offenheit für das Unvorhersehbare hat Generationen von Gestaltern geprägt. Die Publikation vereint Hofmanns Plakate mit ausgewählten Arbeiten seiner Studenten, die teilweise seine Lehrmethode als Dozenten weiterentwickeln, wie Peter von Arx, Igildo Biesele, Dan Friedman, Steff Geissbühler, April Greiman, Mendell & Oberer, Nelly Rudin oder Georg Staehelin, und setzt sie der Frage nach Hofmanns Aktualität aus.

Mit einem Essay von Steven Heller

Antizipation bedeutet Vorwegnahme, vorausschauendes Denken und Handeln.
Es ist eine Erscheinung, die alle Lebensbereiche betrifft; mit der wir leben, ohne uns dessen vollkommen bewusst zu sein.

Die Publikation erläutert vor allem die Designproblematik in Bezug auf antizipatorische Prozesse. Der Autor Mihai Nadin lehrt an der Bergischen Universität Wuppertal Computational Design und setzt sich seit vielen Jahren mit dem Themenkreis Antizipation auseinander.

Das populärwissenschaftliche Thema wird einem breiten Publikum nähergebracht: auf dem Medium DVD mit interaktiven Beispielen und Digitalvideo für PC/MAC oder TV, klassisch in einem vom international bekannten Gestalter Uwe Loesch konzipierten dreisprachigen Buch und vernetzt unter http://www.anticipation.info. Diese drei Publikationen bilden die Grundlage einer Knowledge Community für Antizipation, die mit dieser jungen Forschungsrichtung entstehen soll.

Mit einem Vorwort von Lofti A. Zadeh

Seit die Aids-Epidemie um sich greift, kommt dem gesundheitspolitischen Auftrag der Aufklärung eine dramatische Bedeutung zu. In vielen Ländern hat das Plakat als Informationsmedium erst durch Aidss Verbreitung gefunden, so dass zunächst visuelle Formeln zu einer Thematik entwickelt werden mussten, die mit vielen Tabus behaftet ist.
Die Übersicht von aktuellen Aids-Präventionsplakaten aus aller Welt zeigt auf, dass die zwingend erforderliche Wirksamkeit der Plakate nach einer Verankerung in lokalen Traditionen verlangt. Aids hat das Plakat auf seine fundamentale Bedeutung als Massenkommunikationsmittel zurückgeführt.

Mit einem Essay von Nigel Barley

«Typotektur» nimmt Plakate aus verschiedenen Ländern und Epochen in den Blick, in denen eine besondere Eigenschaft der Typografie zum Ausdruck kommt: Die Tendenz, den zweidimensionalen Raum der Schrift zu durchbrechen und hybride Verbindungen mit Architektur einzugehen. Buchstaben, Wörter oder ganze Sätze bilden architektonische Figuren, die ebenso betrachtet wie gelesen werden wollen. Ausgehend von zeitgenössischer Plakatgestaltung werden die vielfältigen Entwicklungslinien der architektonisch behandelten Schrift durch das 20. Jahrhunderts zurückverfolgt.

Mit einem Essay von Andres Janser

Brand? No-Brand? My-Brand! FREITAG-Taschen feiern im weltweiten Markenwettstreit einen überwältigenden Erfolg. Die aus einer Spielerei entstandenen Umhängetaschen der Gebrüder Freitag sind heute ein urbanes Kult-Produkt, von Berlin bis San Francisco und Mailand bis London. Die Produkte haben ihren Ursprung in einer ironischen und ökologischen kritischen Haltung. Diese schlägt sich nieder in der auch nach sieben Jahren und 80'000 Taschen beibehaltenen Produktionsweise, die zu unverwechselbaren Unikaten führt: Die Taschen werden aus gebrauchten Lastwagenplanen geschnitten und mit gebrauchten Fahrradschläuchen und Sicherheitsgurten in kleinen Manufakturen konfektioniert.

Die Publikation beschreibt die Produktgeschichte, fragt nach ökonomischen, ökologischen und soziokulturellen Zusammenhängen und bringt in einer umfangreichen Dokumentation die Ästhetik einer ebenso eitlen wie konsumkritischen Generation zum Ausdruck.

Mit einem Text von Max Küng

Mit Fotografien von Jules Spinatsch

Pierre Mendells weltweit beachtete Gestaltung zeichnet sich durch das aus, woran es einem Grossteil des aktuellen Grafikdesign mangelt: Prägnanz, Mitteilungskraft, Poesie und Humor. Die seit vielen Jahren konstante Aktualität und Bedeutung seiner Arbeit beweist, dass visuelle Kommunikation, die auf Idee und Inhalt beruht, jene überdauert, die sich den Prämissen der Elektronik und den schnellen Trends unterwirft. Mendells Kultur-Plakate und Corporate Design Programme sind zeitlos aktuell und modern. Pierre Mendell starb 2008 im Alter von 79 Jahren.

Hors-Sol dokumentiert Plakatinterventionen bildender Künstlerinnen und Künstler im öffentlichen Raum aus den Jahren 1961 bis heute.

Mit Essays von Bettina Richter und André Heiz

Das Museum für Gestaltung Zürich schaut auf eine hervorragende Kollektion eigener Plakate zurück. Als Auftraggeber fördert das Museum für junge Autoren. Die Publikation bietet eine Übersicht über die Plakate der vergangenen 20 Jahre.

Mit einem Essay von Stuart Bailey

Die Publikation verschafft einen Überblick über die Tätigkeit eines der führenden europäischen Designstudios. In hervorragenden Beispielen wird der Anspruch des Grafik-Designs auf die Ausdehnung in den architektonischen Raum manifestiert. Bekannt sind Erscheinungsbild und Orientierungssystem des renovierten Centre Pompidou in Paris und szenografische Interventionen in namhaften Museen.

Donald Brun (1909 -1999) war einer der erfolgreichsten Schweizer Grafiker seiner Zeit. Er stellte seine Fähigkeiten in den Dienst des Marktes und schuf Plakate von grosser Wirkung und Beliebtheit.

Mit einem Essay von Jean Charles Giroud

Bruno Munari (1907–1998) war ein begeisterter Sammler des Sichtbaren. Der Zweck bestand darin, die Beziehungen zwischen gestalteten Gegebenheiten und unserer Wahrnehmung derselben zu erforschen. Munari, der in Mailand lebte, war in ganz Europa eine bekannte Künstlerpersönlichkeit und Grafik-Designer sowie Autor von Kinderbüchern und Publizist.

Eine Zeitschritt durch ein willkürlich gewähltes Jahr. Plakate aus Paris, London, Moskau, Wien, New York, Zürich oder Mailand, die alle nur das eine gemeinsam haben: das Jahr ihrer Entstehung. Für einmal wird Geschichte nicht als fortschreitende Entwicklung aufgefasst, sondern als breiter Schauplatz der Gleichzeitigkeit.

Mit einem Essay von Hans U. Gumbrecht

Ohne Schrift kommt kaum ein Plakat aus. Als autonomes gestalterisches Element steht sie in einem Wechselspiel mit der Bilderwelt.
Die weltweit bekannten Plakate von Philippe Apeloig (*1962) bieten reichliches Anschauungsmaterial, bei dem die übliche Trennung von Schriftraum und Bildraum aufgehoben ist.

Der weltweit bekannte Grafik Designer Ivan Chermayeff (Chermayeff & Geismar Inc., New York, siehe "TM Trademarks") präsentiert eine Versammlung auffällliger Persönlichkeiten. Spielend erkennen wir Augen, Nasen, Ohren, Ohrringe, Hüte und Zigarren aus Briefmarken, Umschlägen, Signeten, Bildfragmenten und Farbpapier. Einige der Figuren sind böse, manche listig, charmant, eitel, andere extravagant. Für Augenmenschen, die mit Chermayeffs Blick hinter das Offensichtliche sehen und eine unerschöpfliche Quelle der Unterhaltung und der Inspiration entdecken wollen. "Die Collage eröffnet jedem Ding die Möglichkeit, auch etwas anderes sein zu können." Ivan Chermayeff

Mit einem Vorwort von Joseph Giovannini

Ein illustrierter Aufsatz gibt Aufschluss über die Entwicklungsgeschichte der «Schweizer Grafik» der 1930er- bis 1960er-Jahre. Müller-Brockmanns Plakate sind weltberühmt für ihre mit reduzierten Mitteln erzielte visuelle Spannung und Mitteilungskraft. Ihnen sind zeitlose Regeln der visuellen Kommunikation eingeschrieben. Müller-Brockmann ist eine der Leitfiguren der «Schweizer Grafik» der 1950er- und 1960er-Jahre. Er starb 1996 im Alter von 82 Jahren.

«Das Kleidungsstück als Behausung, als Hülle, in der man wohnt und lebt». Das ist das Credo der Designerin Christa de Carouge, Kosmopolitin mit Wurzeln in Genf und Zürich. Wie man seine Wohnung nicht unnötig wechselt, sind auch ihre Kreationen auf Dauer und Zeitlosigkeit ausgelegt. Die Materialien sind vom Besten, die Farbe fast immer Schwarz. Seide ist, neben Wolle, das bevorzugte Gewebe, auch für robuste Kleidungsstücke. Raffinierte Faltungen und Überwürfe hüllen den Körper ein. Keine Knöpfe, keine Haken. Die Schlichtheit der Form, das kostbare Material und das damit zusammenhängende Lebensgefühl sind begehrt. CdC’s Erfolg ist überwältigend. Der Architekturpublizist Werner Blaser untersucht mit Hinweisen auf den Hang zur Reduktion bei Mies van der Rohe oder zur feinfühligen Materialkollage bei Le Corbusier, wie Christa de Carouges Philosophie dem bestimmten Bedürfnis des modernen Menschen gerecht wird, in seiner Kleidung Wohlbehagen mit Identität und ästhetischen Ausdruck zu verbinden. Die Publikation zeigt neben den aktuellen Kollektionen die Entwicklung das Umfeld der Designerin und ein Fotoessay zu Tibet.

Hunderte von herausragenden Marken sind von der New Yorker Designagentur Chermayeff & Geismar entworfen worden. Ihre Logos und Corporate Design Programme für weltweit tätige Unternehmen wie Mobil, Time Warner, NBC, Viacom oder Xerox und für weltbekannte Institutionen wie das Museum of Modern Art, das Smithsonian Institute, die New York Public Library sind Ikonen des Grafik Design. TM versammelt über 200 Marken und Logos, die während der 40-jährigen Geschichte der Firma entstanden sind, die von Ivan Chermayeff, Tom Geismar und Steff Geissbuhler geführt wird. Ihre Vielseitigkeit und Kreativität kommt in diesem reich illustrierten Buch zum Ausdruck. Eine wertvolle Inspirationen für Gestalterinnen und Gestalter und eine Referenz an das Beste im Trademark Design.

Mit einem Vorwort von Stefan Sagmeister

Keine andere Region weist eine ähnlich hohe Dichte an hochwertigem Grafik Design auf wie die Schweiz. Das traditonell sparsame Schweizer Design macht heute international Furore, weil junge Designer es verstehen, radikale Gestaltungsansätze mit Leichtigkeit und handwerklichem Können und Detailversessenheit zu verbinden. Die oftmals reduzierte Formensprache kommt ausserdem den Anwendungsstandards des Internets entgegen und trägt zum internationalen Erfolg bei. "Benzin" ist eine Bestandesaufnahme der talentiertesten Schweizer Gestalter der jüngeren Generation. Das Buch zeigt auch eindrucksvoll, wie lokale Szenen trotz Globalisierung die Designentwicklungen prägen können. Ein unverzichtbares Kompendium für Grafik Designer und Medieninteressierte.

Mit einem Vorwort von Martin Heller

Seit den Siebzigerjahren hat Weingart die internationale Entwicklung der Typografie massgeblich beeinflusst. Ende der Sechzigerjahre
verlieh er der erstarrten Schweizer Typografie neue Impulse und manifestierte die Erneuerung in seinen eigenen Arbeiten, etwa für die Typographischen Monatsblätter TM. Unzählige Gestalter sind durch Weingarts Unterricht an der Schule für Gestaltung Basel durch seine Vorträge angeregt worden. In dem Buch zeigt er einen umfassenden
Überblick über seine mehrheitlich unbekannten Arbeiten aus den vergangenen vierzig Jahren. Weingart hat das Buch exemplarisch
gestaltet.

Berufsleute in allen Sparten der Gestaltung – Architektur, Produktdesign, Grafikdesign –, aber auch Entscheidungsträger in Industrie und Baugewerbe bekunden übereinstimmende Schwierigkeiten, Erkenntnisse und Einsichten über die ökologischen, ökonomischen technologischen und ästhetischen Bedingungen einer zeitgenössischen, nachhaltigen Gestaltung in Konzepten zu formulieren und in die gestalterische Tat umzusetzen. Die Autoren entwerfen mittels einer in ihrer Komposition und Struktur ebenso stringenten wie anregenden Sammlung von Bilddokumenten und Zitaten ein Verfahren, wie die kritischen Grössen innovativer Gestaltung bildhaft und für den Entwurf nutzbar gemacht werden können. Transfer = Transport. Transferieren meint übertragen, übermitteln. Die Publikation offeriert seinen Betrachterinnen und Lesern Ansätze zu einer «Grammatik der Oekologie». Sie versteht sich als Instrument. Die Texte und Bilder des Buches sind in fünf Bereiche gegliedert: Erkennen und Bewirken – Austausch und Gleichgewicht – Aggregate des Entwurfs – Bild der Energie – Phasen des Objekts. 

Apekte des internationalen Industrial-Design am Beispiel einer Aktion des Schweizerischen Werkbundes 1949 - 1968. Eine umfassende Analyse der Produktgestaltung der Nachkriegszeit.

Angströms Script, eine Folge von Bildmontagen unterschiedlicher Intensität, verführt den Betrachter. Die bewegenden Bilder haben keinen Zweck, wohl aber einen Sinn. Sie sind Irritationen einer vertrauten Welt.