Persönliche Vorlieben und Freundschaften des Verlegers prägen die Veröffentlichungen zur zeitgenössischen Kunst. Malerei und Zeichnung, Fotografie, Video, Installation und Neue Medien interessieren als eigenständige Positionen oder in Verbindung mit Architektur und Umwelt.

Über die letzten zwanzig Jahre hinweg ist Olafur Eliasson regelmässig nach Island gereist, um die einzigartige Landschaft und die Naturerscheinungen der Insel zu fotografieren. Aus diesem ehrgeizigen und bis heute weitergeführten Projekt, das fast die Dimensionen einer systematischen Kartografie annimmt, sind bisher zirka achtzig Fotoserien sowie eine Vielzahl an Einzelfotos von Gletschern, Wasserfällen, Regenbogen, Sonnenaufgängen, Vulkanen und Geysiren entstanden.

Eliassons lebhafte Bilder dokumentieren nicht nur die Welt, sondern spiegeln unser Verhältnis zur Natur und unsere körperliche Existenz im Raum wider.

Dieses Buch ist ein eigenständiges Kunstwerk, eine sehr persönliche Auswahl von Farbfotografien, die der Künstler aus dem immensen Werkkorpus getroffen hat. Damit bietet die Publikation seltene Einblicke in eine wichtige Inspirationsquelle für zahlreiche Werke Eliassons in anderen Medien: die Landschaft Islands.

Das Fotobuch Noonday der Künstlerin Annelies Štrba kann als Weiterführung des Titels Shades of Time gelesen werden, der vor fast zwanzig Jahren bei Lars Müller Publishers erschien. Die Fotografien zeigen intime Momente ihrer Familie, fotografisch festgehaltene alltägliche Situationen und unscheinbare Momente, die den Betrachter mit dem Erinnern-Wollen und dem nicht Vergessen-Können konfrontieren. Während Shades of Time Štrbas eigene Kinder thematisiert, zeigt Noonday Fotografien ihrer Enkel. Štrba zeigt sie im Schlaf, im Wald oder unterwegs und konserviert so anmutige Momente des Lebens. Mit einem subjektiven und zugleich dokumentarischen Blick hält Štrba das Verstreichen der Zeit auf poetische Weise fest.

First Cuts zeigt 15 fotografische Appropriationen des Künstlers Harald F. Müller, die zum ersten Mal in Zürich im von Gigon/Guyer geplanten Prime Tower, dem höchsten Gebäude der Schweiz, verwirklicht wurden. Auf schallschluckenden Metalltafeln mittels eines Lochrasters an Innenwänden des Gebäudes realisiert, beschäftigen sich die re-fotografierten Motive inhaltlich mit erstmaligen Ereignissen, mit technischen, sportlichen und kulturellen Höchstleistungen. Sie thematisieren die Fortschrittsnostalgie und verweisen zugleich auf aktuellste Forschung und zeitlose Modernität. Die Arbeiten verweigern sich der passiven dekorativen Funktion, setzen vielmehr eine eigenständige architekturbezogene These. Diesem Prinzip folgt das Buch, indem es kosmologische Bezüge herstellt und sich als unabhängiges Werk präsentiert, statt zu erläutern und zu illustrieren. Die Beiträge von Gerd Blum und Johan Frederik Hartle beschreiben die First Cuts im Zusammenhang der Werkentwicklung Harald F. Müllers und konzentrieren sich auf Abstraktion und Atomismus.

From Spaces to Spaces ist die aktuelle Publikation des Künstlers Felice Varini, die ausgehend von seinen jüngsten Arbeiten das Gesamtwerk neu darstellt.

Die faszinierenden räumlichen Installationen des Künstlers nutzen Stadtlandschaften, Wände und Räume als «Leinwände» für abstrakte grafische Projektionen: Varini malt, zeichnet oder fertigt sie beispielsweise mit Klebeband. Von einem imaginären Blickpunkt aus gesehen erscheinen sie unvermutet als zweidimensionale Muster vor dem räumlichen Hintergrund. Verlässt der Betrachter diesen Blickpunkt und bewegt sich durch den Raum, sieht er das Werk als permanente Metamorphose sich wandelnder, entwickelnder Formen. Die zahlreichen Abbildungen werden durch einen Text von Doris von Drathen sowie ein Gespräch mit dem Künstler ergänzt.

1936 wurde das erste und einzige Heft der viersprachigen tschechischen Zeitschrift telehor (griech. «Fern-Sehen») als Sondernummer von und über László Moholy-Nagy publiziert. Es ist nun als Faksimile-Reprint erhältlich, das von einem Kommentarband begleitet wird. Der Reprint macht die Zeitschrift in ihrer künstlerischen und theoriegeschichtlichen Dimension wieder zugänglich. Auf die Ausstattung wurde besonderes Augenmerk gelegt. So liegt er als Spiralbindung vor, die Mitte der 1930er-Jahre als ultra-modern galt. Der Kommentarband umfasst einen editorischen Bericht, der die Zeitschrift telehor im Kontext von Kunst und Medien der 1920er- und 1930er-Jahre darstellt und die Position der künstlerischen Avantgarde am Schnittpunkt zweier Epochen erschliesst.

Ausserdem enthält er weitere Übersetzungen: Ins Ungarische (die bereits vorlag), in Mandarin als Hommage an das ursprüngliche Publikationskonzept, ins Spanische und Russische.

Mit einem Text von Sigfried Giedion

News entwickelt die vielbeachteten Arbeiten des Schweizer Künstlers Thomas Flechtner weiter. Während er sich in Snow mit Schnee als Metapher für Zeitlosigkeit, Ruhe, Distanz und Einsamkeit auseinandersetzte, untersuchte Flechtner mit Bloom in atmosphärisch verdichteten Pflanzenstudien die unbändige Farbigkeit und Bewegung der gewachsenen Natur. Für sein neues Projekt News sammelte Flechtner über ein Jahr weltweit Zeitungscover, um sie mit Pflanzensamen aus verschiedensten Ländern zu bestreuen, zu wässern und schliesslich der Sonne auszusetzen. Das allmähliche Verblassen und Überwachsen der «News» hält er auf mehr als hundert Farbfotografien fest. Flechtner stellt die Anarchie der Natur der menschbestimmten Agenda gegenüber und hinterfragt die Flüchtigkeit des Gedächtnisses ebenso wie die Anforderungen an dasselbe für die Gestaltung der heutigen Welt.

Encyclopedia of Flowers ist eine visuelle Erkundung der atemberaubend schönen Blumenarrangements von Makoto Azuma – Begegnungen ungewöhnlicher, oft exotischer Pflanzen, die in der Natur nie aufeinandertreffen würden. Shunsuke Shiinoki macht mit seinen sorgfältig komponierten Fotografien die zarte Existenz der Blumen sichtbar – ihre fragilen Formen, ihre
permanente Veränderung und ihre unvermeidliche Vergänglichkeit.

In zeitgenössischem Duktus lässt Encyclopedia of Flowers den Leser in eine Welt ausserordentlicher Schönheit eintauchen, wobei es zugleich auf so grundsätzliche Gegensatzpaare wie Dauerhaftigkeit und Vergänglichkeit, Künstlichkeit und Natur sowie natürliche Entwicklung und menschgemachte Formen verweist. Ergänzt werden die Werke der japanischen «Haute-Couture»-Floristen durch eine Einführung von Makoto Azuma und einen Index, der die über 2000 im Buch vorkommenden
Pflanzen mit ihren wissenschaftlichen Namen verzeichnet.

Der 1979 erschienene, lange vergriffene Titel erscheint nun wieder als Reprint bei Lars Müller Publishers. Die Originalausgabe wurde im Rahmen der renommierten, von Kasper König initiierten Publikationsreihe «Source Materials of the Contemporary Arts» der «Press of the Nova Scotia College of Art and Design» veröffentlicht. Die Publikation stellt ein wichtiges Dokument der künstlerischen Auseinandersetzung Dan Grahams mit dem Medium Video dar. Grahams Installationen und Performances mit Video aus den Jahren 1970 bis 1978 werden mit zahlreichen Illustrationen, Fotos und Kurzbeschreibungen dokumentiert. Darüber hinaus enthält der Band einen Essay des Künstlers, in dem er die unterschiedlichen Möglichkeiten und Formen der Repräsentation im Medium Video untersucht und gegen die Darstellungsräume in Fernsehen, Film oder Architektur abgrenzt. Der Band enthält darüber hinaus Beiträge von Michael Asher und Dara Birnbaum sowie einen Anhang mit Biografie und Bibliografie.

DAN GRAHAM, geboren 1942 in Urbana, Illinois, ist einer der bedeutendsten zeitgenössischen Künstler. In seinen Arbeiten reflektiert er häufig kulturelle Phänomene, wobei er mit den unterschiedlichsten Materialien arbeitet, beispielsweise Fotografie, Video, Performance, Glas- und Spiegelstrukturen. Der Künstler lebt und arbeitet in New York.

Authoring: Re-placing Art and Architecture stellt gängige Vorstellungen über die Beziehungen zwischen Kunst und Architektur infrage. Zwischen 2008 und 2010 hat David Adjaye zusammen mit Marc McQuade drei Seminare an der Princeton School of Architecture gehalten. Im Zentrum der Lehrveranstaltungen stand jeweils die Zusammenarbeit mit einem bedeutenden zeitgenössischen Künstler – mit Matthew Ritchie, Teresita Fernández und Jorge Pardo. Es wurden künstlerische Interventionen an drei sehr unterschiedlichen Orten realisiert: in New Jersey, dem Gowanus Canal, Brooklyn, und in Mérida, einer Stadt auf der Halbinsel Yucatán in Mexiko. In unterschiedlichen Versuchsanordnungen beschäftigten sich die Architekten und Künstler mit Erwartungen und Konventionen, die architektonischer Gestaltung und Repräsentation üblicherweise zugrunde liegen. Authoring: Re-placing Art and Architecture zeigt aktuelle Projekte von David Adjaye, Matthew Ritchie, Teresita Fernández und Jorge Pardo zusammen mit Gesprächen, Essays und Archivmaterial, die den Ort thematisieren, an dem sich Kunst und Architektur begegnen.

Mit Beiträgen von David Adjaye, Stan Allen, Alex Coles, Teresita Fernández, Dave Hickey, Sanford Kwinter, Jorge Pardo und Matthew Ritchie.

MARC McQUADE, geboren 1978, arbeitet als Architekt bei Adjaye Associates, New York.

Nach Written in Water (2002) ist dieses Buch die zweite Publikation, die Steven Holls legendären Aquarellen gewidmet ist. Vierhundert Aquarelle führen den kreativen Prozess dieses einflussreichen amerikanischen Architekten vor Augen und zeigen seine über viele Jahre hinweg entwickelte, höchst individuelle Arbeitsweise. Fotografien der realisierten Gebäude ergänzen die Aquarelle und erlauben es, den Prozess vom Entwurf bis zur Ausführung nachzuvollziehen.

Holl ist bekannt für seine skulpturale Architektur und seine virtuose Lichtführung. Die Aquarelltechnik ist das ideale Ausdrucksmedium für diese charakteristischen Merkmale seines Werks. Unter dem Gesichtspunkt sich wandelnder Arbeitstechniken im Bereich der Gestaltung stellen die Aquarelle faszinierende Beispiele für ein «Lowtech»-Verfahren dar. Holl kann sich auf seine Inspiration und seine Wahrnehmung konzentrieren. Das Ergebnis ist immer ein originäres Kunstwerk. Die die Aquarelle begleitenden Fotografien der realisierten Gebäude heben den wesentlichen Aspekt des Massstabs hervor.

Dan Graham, einer der bedeutendsten US-amerikanischen Künstler der Gegenwart, ist heute vor allem für seine bildhauerischen Werke und Installationen bekannt. Seine fotografischen Arbeiten stehen meist weniger im Fokus, dabei erlangte er erstmals Mitte der 1960er-Jahre Berühmtheit mit der Fotoserie Homes for America mit Aufnahmen amerikanischer Vorstadtsiedlungen. Bis heute nimmt das Thema der Architektur und ihrer Oberflächen im Kontext der Alltagskultur der Postmoderne eine herausragende Stellung in seinem Werk ein. Das Buch zeigt neue Fotografien Dan Grahams zusammen mit Originalaufnahmen aus Homes for America. Die neuen Aufnahmen weisen starke Bezüge zu den alten auf, sie wurden an denselben Orten, in denselben suburbanen Strassen- und Häuserwüsten aufgenommen. So entsteht ein faszinierend vielschichtiges Bezugssystem aus Wiederholungen und Differenzen, in zeitlicher wie auch räumlicher Hinsicht, begleitet von Kommentaren des Künstlers.

Die Inseln Naoshima, Teshima und Inujima, im japanischen Seto-Inlandsee gelegen, sind Pilgerstätten für Freunde der zeitgenössischen Kunst und Architektur. Neben Werken im öffentlichen Raum und ortsspezifischen Installationen finden sich dort zahlreiche Museen und Sammlungen aktueller Kunst. Unter anderem gibt es Bauten der Architekten Kazuyo Sejima und Ruye Nishizawa (SANAA), Tadao Ando und Hiroshi Sambuichi, sowie Werke von Künstlern wie Richard Long, Christian Boltanski und Mariko Mori.

Das Buch bietet eine umfassende Dokumentation dieser einzigartigen, im japanischen Binnenmeer gelegenen Kulturlandschaft. Die Aufnahmen des holländischen Fotografen Iwan Baan, die vom kleinen Detail bis zum grossen Panorama reichen, ergeben ein umfassendes Porträt der Inseln mit ihren fliessenden Übergängen zwischen Natur, Kunst und Architektur. Zahlreiche Textbeiträge stellen die einzelnen Orte und Projekte vor, die dort permanent zu besichtigen sind oder temporär stattgefunden haben. Die Essays beschäftigen sich unter anderem mit der Geschichte und den historischen Vorläufern dieser Inseln, mit Architektur und Kunst im Kontext dieser einzigartigen Landschaft und mit der Insel als kulturellem Konzept und Phänomen.

Mit Fotografien von Iwan Baan

Hugo Suter gehört zu den experimentierfreudigsten Künstlern der Schweiz. Seit vierzig Jahren arbeitet er kontinuierlich an einem stillen, unspektakulären Werk und bedient sich dabei ganz unterschiedlicher Bildmittel.
Die Fotografie dient ihm als Möglichkeit, vertraute Dinge aus einem anderen Blickwinkel anzusehen. Als genauer Beobachter eröffnet er dem Betrachter seiner Arbeiten eine neue Wahrnehmung der Welt, die oft eine ironische Dimension bereithält. Dabei bricht er mit der Vorstellung von der Fotografie als Abbild der Realität. Die Publikation stellt das fotografische Werk seit den 1970er-Jahren vor.

Mit einem Beitrag von Stephan Kunz

Silvia Bächli und Eric Hattan verbrachten vier Monate, März bis Juni, in Seydisfjördur im Osten Islands. Die Landschaft, die sie bei ihren täglichen Spaziergängen erwanderten, wird vom Schnee dominiert, der in seinen wandelbaren Formen die Stimmung in und um den Fjord prägt: türkisfarbenes Schmelzwasser, Eisblumen, wenige glasklare bunte Farben im Weiss, Schneewälle am Strassenrand, Verwehungen, Eiszapfen, und endlich erste braune apere Stellen – langsam wird es grün. Mit ihren Fotografien schaffen die Künstler ein einzigartiges Porträt der grandiosen isländischen Landschaft, ihren Details und damit dem Lauf der Zeit und dem Herannahen der wärmeren Jahreszeit.

Das künstlerische Schaffen von Hamish Fulton fokussiert auf die Natur und das Erleben der Natur durch den Menschen. Seit dreissig Jahren unternimmt er auf der ganzen Welt Wanderungen und setzt das dabei Erlebte und Gesehene künstlerisch um. 2009 hat Hamish Fulton zusammen mit einem Expeditionsteam den höchsten Punkt der Erde, den Mount Everest, bestiegen. Die Publikation präsentiert erstmalig die künstlerische Arbeit über die Gipfelbesteigung in einem umfangreichen Bildband in Form von Collagen aus Fotografien und Text, Skulpturen und Papierarbeiten.

Was passiert wenn einem Architekten, Historiker, Choreographen, Chemiker, Künstler, Mathematiker, Physiker, Ökonom, Anthropologen und Geologen ein einfaches Gummiband zugeschickt wird, mit der Bitte ein Statement zu Elastizität abzugeben? Der Ökonom studiert die Elastizität von Angebot und Nachfrage der Arbeitskräfte, die in unmittelbarer Nähe einer Fabrik leben. Der Architekt kalkuliert die Elastizität der Stahlkonstruktion eines Gebäudes bei einem Erdbeben. Der Chemiker experimentiert mit Membranen, um die Elastizität eines Materials zu verbessern. Der Anthropologe untersucht in Fernost den Rückstrom von Heimkehrern nach einer Naturkatastrophe. Der Choreograph bewertet die Elastizität der Bewegung seiner Tänzer bei der Probe seiner neuen Choreographie.
Pars Foundation holt die Forscher aus ihren Fachnischen um ihre genialen, verrückten, wichtigen oder verwirrenden Ergebnisse interdisziplinär zu veröffentlichen und in einem Buch zu bündeln. Es gibt keine Vorgabe für die Form ihres Beitrags, egal ob ein Bild, ein Gedicht, ein Essay, eine Skizze auf einem Bierdeckel, eine Formel oder eine Skulptur, das Ergebnis muss plausibel und prägnant sein und sowohl die eigene Disziplin widerspiegeln als auch die eigene Passion für das Thema.

Silvia Bächli wurde eingeladen, den offiziellen Beitrag für den Schweizer Pavillon an der Biennale 2009 in Venedig zu gestalten. Das Buch bietet einen Einblick in das Atelier, dokumentiert ihre Vorbereitung für die Biennale und veranschaulicht ihren Arbeitsprozess in Raumsituationen und Momentaufnahmen, die das Ausprobieren von verschiedenen Konstellationen und das Fokussieren auf einzelne Arbeiten und Gruppen zeigt. Die Arbeiten werden mit Fotografien vom Aufenthalt der Künstlerin in Island kombiniert.

Die Künstlerin hat ihr zeichnerisches Werk in wechselnden Formaten und Techniken über drei Jahrzehnte hin kontinuierlich entwickelt. Zeichnen ist bei ihr eine Bewegung des Sehens, der leisen Abweichungen und Verschiebungen im Gravitationsfeld ungerichteter Achtsamkeit auf Dinge und Traumnahes, die auch im Gezeichneten nicht wirklich zum Stillstand kommt. Es entstehen nicht nur malerische Momente, oft scheint auch ein filmischer Blick auf Körper und Dinge oder deren Details, auf Landschaften, Gesten, Strukturen oder Verläufe wie in Stills eingefangen.

Die Künstlerin Katharina Grosse hat sich ihren Traum vom massgeschneiderten Atelier erfüllt – einem Ort, der ausreichend Platz für ihre raumgreifenden Arbeiten bietet und industrielle Atmosphäre mit weichem Licht und neutralen Wandflächen verbindet. In enger Zusammenarbeit mit der Künstlerin hat das Büro Augustin und Frank Architekten das Atelier in Berlin Mitte geplant und 2007 realisiert. Entstanden ist ein kompakter Kubus in Stahlbeton, der Atelier, Lager, Archiv, Büro- und Wohnräume beherbergt.
Ausgehend von diesem Bau hinterfragen die Autoren des Bandes die Beziehung von Malerei und Architektur sowie die Bedeutung des Ateliers für die Kunstproduktion. Zahlreiche Fotografien dokumentieren die nackte Architektur des Neubaus und die Aneignung des Raums durch die Künstlerin.

Mit Beiträgen von Georg Augustin, Laura Bieger, Andreas Denk, Ulrich Loock und Philip Ursprung

Das Buch versammelt Essays von Wissenschaftlern und Künstlern aus den Bereichen Kunst, Kunstgeschichte, Architekturtheorie und Philosophie. Die Essays basieren auf Vorträgen, die im Juni 2008 auf einem Symposium in Kopenhagen gehalten wurden und beschäftigen sich mit grundlegenden Überlegungen zur Wahrnehmung: Wenn Werke der Kunst und der Architektur von Designern geschaffen und vom Publikum betrachtet werden, ergeben sich wesentliche Fragen in Bezug auf ihre Erscheinung. Dies sind nicht nur einfache Fragen nach dem, was sichtbar ist, sondern vor allem auch nach dem, was unsichtbar bleibt und sich uns beim Schaffen und Erleben der Werke entzieht. Wie gehen wir mit dem Verborgenen, das sich der Konkretisierung entzieht, um? Welche schöpferischen Paradoxa werden damit in Verbindung gebracht und wie beeinflussen sie den Schaffensprozess? Auf Grundlage vielfältiger Abhandlungen zu diesen Themen zeigen zeitgenössische Positionen in der Kunst, der Architektur und der Philosophie neue Herausforderungen, vor allem in Bezug auf kreative Verfahren, auf. Innerhalb und zwischen diesen Positionen entstehen Potenziale für neue sensible Denk- und Arbeitsweisen.

Mit Beiträgen von Michael Asgaard Andersen und Henrik Oxvig, Renaud Barbaras, Andrew Benjamin, Olafur Eliasson, Sanford Kwinter, David Leatherbarrow, Martin Seel, David Summers und Sven-Olov Wallenstei

Silvia Bächli schickt den Betrachter auf eine Gratwanderung zwischen Banalität und gezielter Kontinuität. Ihre Kunst konzentriert sich stets auf das Minimum. Jeglicher Kontext bleibt ausgespart. Abgebildet ist, was nach einem Spaziergang an Eindrücken hängen bleibt, Momentaufnahmen, subjektiv umgesetzt. Die Künstlerin beharrt seit über zwanzig Jahren auf einfachen Arbeitsmitteln. Die Wirkung ist spektakulär.

Lidschlag – How It Looks ist in enger Zusammenarbeit mit Silvia Bächli entstanden. Die Publikation gibt erstmals einen repräsentativen Überblick über ihr Schaffen seit 1983.

Pipilotti Rist, eine der gefeiertsten Schweizer Künstlerinnen der Gegenwart, und Richard Julin, Chefkurator der Magasin 3 Stockholm Konsthall, haben sich in Zürich einen Tag lang den Vorbereitungen von Rists Einzelausstellung Gravity, Be My Friend in Stockholm gewidmet. Das aus dieser Begegnung resultierende Buch eröffnet neue Dimensionen von Pipilotti Rists Welt und fördert Anekdoten aus dem kreativen Prozess zu Tage. Das reich illustrierte Buch zeigt u. a. Bilder des neuen Werks Tyngdkraft, var min vän sowie von jüngeren Arbeiten wie Homo sapiens sapiens (2005) und A Liberty Statue For Löndön (2006). 

Von 1993 bis 2008 gestaltete Pierre Mendell die Plakate für die Staatsoper in München. Mit über hundert Motiven ist es ihm gelungen, der dortigen Oper eine unverwechselbare Identität zu verleihen, aber auch dem Musiktheater einen visuellen Ausdruck, der an Originalität und Prägnanz schwer zu übertreffen ist. Mendells einfache, ja geradezu archaische Bildsprache wird weltweit beachtet und seine Plakate sind in Sammlungen wie dem Museum of Modern Art in New York vertreten. In München aber hingen die Plakate auf der Strasse und wurden populäre Vorboten der Musikereignisse.

Hanna Saliba gilt als einer der innovativsten Gastronomieunternehmer Deutschlands. Sein Hamburger Lokal Saliba mit syrischer Küche strahlt weit über die Stadt hinaus und lädt zu märchenhaften kulinarischen Erfahrungen ein. Einige Gäste, der Hamburger Hans Hansen, der Münchner Gestalter Pierre Mendell und der Verleger, haben zusammen mit Saliba das Konzept dieser Publikation entwickelt und bringen damit ihre Begeisterung für die arabische Küche, aber vor allem für die an Vielseitigkeit und Raffinesse nicht zu überbietenden Vorspeisen, die Mazza, zum Ausdruck. «Mit den Augen essen» ist wörtlich zu nehmen. Die arabische Kalligrafie ergänzt den Augenschmaus und macht das Buch zu weit mehr als einer Anleitung für Hobby- und Berufsköche.

50 Syrische Vorspeisen in Rezepten von Saliba und Fotografien von Hans Hansen

Mit einem Vorwort von Udo Steinbach 

Christian Möller ist ein Pionier der interaktiven Kunst. Seine Lichtinstallationen und Klangskulpturen erforschen die Synergien zwischen Architektur und Technologie, zwischen Ton und bewegtem Bild und machten ihn international bekannt. Seit 2001 hat er einen Lehrstuhl am Media Arts Institute an der University of California in Los Angeles. A Time and Place ist die erste Übersicht über das Werk des Medienkünstlers. Die Texte, Zeichnungen und Fotografien im Buch werden durch Verweise ergänzt, die die beschriebenen Werke im Internet als bewegtes Bild und akustische Kulisse erfahrbar machen.

Seit seinen künstlerischen Anfängen arbeitet der Maler Thomas Huber (*1955 in Zürich, lebt bei Düsseldorf) an einem Gesamtwerk, das aus zahlreichen umfangreichen Bilder-Zyklen besteht. Diese wurden bisher jeweils in thematisch geschlossenen Werkgruppen in Ausstellungen und eigenen Publikationen präsentiert. Davon unterscheidet sich dieses Projekt, das erstmals die wichtigsten Bilder aus den vergangenen beiden Jahrzehnten versammelt. Daraus wird aber keine Retrospektive im herkömmlichen Sinn, vielmehr wird erneut eine thematische Ordnung gesucht, in der die einzelnen Zyklen aufgehoben sind.

Mit Beiträgen von Oskar Bätschmann, Philippe Cuenat, Beate Ermacora, Thomas Huber, Hans Dieter Jünger, Stephan Kunz und Beat Wismer

Felice Varini erforscht mit seiner Malerei den architektonischen Raum: Scheinbar willkürlich bringt er Linien und Flächen an, meist lose angeordnet und perspektivisch verzogen. Nur aus einer einzigen Position erschliesst sich dem Betrachter ein zusammenhängendes Ganzes: Kreise, Dreiecke oder Linienmuster, die sich über Teile eines Quartiers erstrecken können. Verlässt man den «Point de Vue», zerspringt die Figur wieder in unzählige Fragmente. Felice Varinis Eingriffe begeistern die Betrachter weltweit. Points de Vue präsentiert Varinis verblüffendes Werk in grosszügiger Darstellung. Ein Essay der Kunsthistorikerin Fabiola Lopez erläutert Varinis Vorgehensweise und seine kunsthistorische Bedeutung.

Mit einem Text von Fabiola Lopez

Im Rahmen der Biennale in Venedig 2003 verwandelten Gerda Steiner und Jörg Lenzlinger den Innenraum der Kirche San Staë in einen hängenden Garten. Doch nicht alles was dort blühte und gedieh war organisch, Plastikblüten als auch Gewächse aus Salzkristallen gehörten neben den natürlichen Blumen und Pflanzen zum Kosmos der kleinen und grossen Wunder.

Das zur Ausstellung erschienene Künstlerbuch vereint Fotografien zahlreicher Reisen, auf die sich das Künstlerpaar begab, um das irdische Paradies zu suchen. Alle Träume sind ausgeträumt – nur Wunderland liegt überall. Ergänzt wird das Buch durch ein Booklet mit kurzen Berichten verschiedener Autoren über wunderliche Begebenheiten.

Gerda Steiner (geb. 1967) und Jörg Lenzlinger (geb. 1964) sind eines der interessantesten und vielversprechendsten Künstlerpaare der jungen Schweizer Kunstszene.

Die Spirale war eine internationale Künstlerzeitschrift für junge Kunst und ist heute eines der wichtigsten Zeugnisse der Kunstentwicklung in den 50er-Jahren. Sie markiert den Generationenwechsel in der Kunst der Nachkriegszeit und dokumentiert die Entwicklung der abstrakten und konstruktiv/konkreten Kunst in Europa. Die Spirale wurde von Marcel Wyss, Dieter Roth und Eugen Gromringer herausgegeben und erschien von 1953 bis 1964.

Die britische Architektur und Kunst der 1950er-Jahre sind auf dem Kontinent wenig bekannt. As Found widmet sich Werken der Independen Group, die von Richard Hamilton, dem Fotografen Nigel Henderson sowie den Architekten Alison und Peter Smithson und James Stirling gebildet wurde. Ihre in den 1950er- und 1960er-Jahren entstandenen Werke sind auch heute noch ausserordentlich aktuell.

«Das Kleidungsstück als Behausung, als Hülle, in der man wohnt und lebt». Das ist das Credo der Designerin Christa de Carouge, Kosmopolitin mit Wurzeln in Genf und Zürich. Wie man seine Wohnung nicht unnötig wechselt, sind auch ihre Kreationen auf Dauer und Zeitlosigkeit ausgelegt. Die Materialien sind vom Besten, die Farbe fast immer Schwarz. Seide ist, neben Wolle, das bevorzugte Gewebe, auch für robuste Kleidungsstücke. Raffinierte Faltungen und Überwürfe hüllen den Körper ein. Keine Knöpfe, keine Haken. Die Schlichtheit der Form, das kostbare Material und das damit zusammenhängende Lebensgefühl sind begehrt. CdCs Erfolg ist überwältigend. Der Architekturpublizist Werner Blaser untersucht mit Hinweisen auf den Hang zur Reduktion bei Mies van der Rohe oder zur feinfühligen Materialkollage bei Le Corbusier, wie Christa de Carouges Philosophie dem bestimmten Bedürfnis des modernen Menschen gerecht wird, in seiner Kleidung Wohlbehagen mit Identität und ästhetischem Ausdruck zu verbinden. Die Publikation zeigt neben den aktuellen Kollektionen, die Entwicklung des Umfelds der Designerin und einen Fotoessay zu Tibet.

Die 1925 erschienene Publikation gilt als eine der wichtigsten Veröffentlichungen aus dem Umfeld der künstlerischen Avantgarde der 20er-Jahre. Hans Arp und El Lissitzky nehmen eine Bestandsaufnahme der künstlerischen Haltungen und Bewegungen zwischen 1914 und 1924 vor. Das Buch wurde von El Lissitzky grosszügig im Stil der Zeit gestaltet.

Mit einem Essay von Alois M. Müller

Für den in Wien lebenden Schweizer Künstler Helmut Federle war die Zeichnung immer ein wichtiges Mittel zur Entwicklung seiner grossformatigen Malerei. Die Publikation dokumentiert die «Black Series I+II» aus der ersten abstrakten Zeit des Künstlers (1977-80) sowie «Nachbarschaft der Farben», eine umfangreiche Folge von reduzierten Gitterzeichnungen, an welcher er seit 1994 kontinuierlich arbeitet.

«Bilderzauber» ist ein Spiel mit den Möglichkeiten der Fotografie als künstlerisches Ausdrucksmittel. Mit Arbeiten von Jan Anüll, Martin Blum, Daniele Buetti, Fischli/Weiss, Rémy Markowitsch, Gérald Minkoff, Markus Raetz, Hannes Rickli, Christoph Rütimann, Adrian Schiess, Laurent Schmid, Hugo Suter, Bernard Voïta, Cécile Wick, u.a.
In dieser Publikation darf die Bild-Forschung für einmal ihren Ernst ablegen, darf opulent und witzig sein ud zum seriösen Spiel werden.

Die Publikation führt den ebenso hervorragenden wie in seiner Bedeutung noch immer unterschätzten Beitrag geometrisch arbeitender Künstlerinnen in der Geschichte der Kunst unseres Jahrhunderts vor Augen. Eine beweiskräftige Werkauswahl von 65 Künstlerinnen widerlegt die Meinung, wonach geometrisch-abstrakte Kunst eine reine Männerdomäne sei. Die Untersuchung setzt mit den russischen Pionierinnen um den Suprematismus und den Konstruktivismus ein und führt über «Abstraction Création», konkrete Kunst und Op Art zu Künstlerinnen der Gegewart.

Mit einführenden Texten von Annemarie Bucher, Hella Nocke und Beat Wismer, sowie zahlreichen Originaltexten von Künstlerinnen.

Das Buch neuer Künstler, von den Avantgardisten Laszlo Moholy-Nagy und Lajos L. Kassák 1991 in Wien herausgegeben, wurde als eine Anthologie angekündigt, die die neuesten Errungenschaften der bildenden Kunst, Architektur, Musik und Technik vorstellen sollte. Tatsächlich wurden in umfassenden Bildfolgen die Leistungen von moderner Kunst und Technik präsentiert, so dass das Buch neuer Künstler den Eindruck eines informativen Sammelbandes erweckt. Doch allein schon die thematische Kombination von Kunst und Technik und letzlich die Bildfolgen sowie das Vorwort Kassáks offenbaren die eigentliche Intention dieser Publikation: Es ist ein Manifest des Konstruktivismus, jener Kunstrichtung, die die Technik als Massstab der neuen Lebensanschauung betrachtete.

In den sechziger Jahren steuerte Mosset das M bei zu der durch ihre provokativen Aktionen bekannte Pariser Künstlerverbindung B.M.P.T. (Buren, Mosset, Parmentier, Toroni). Das damalige schonungslose Infragestellen der traditionellen Malkultur hat sich bei Mosset zu einer dauerhaften künstlerischen Haltung entwickelt.