Persönliche Vorlieben und Freundschaften des Verlegers prägen die Veröffentlichungen zur zeitgenössischen Kunst. Malerei und Zeichnung, Fotografie, Video, Installation und Neue Medien interessieren als eigenständige Positionen oder in Verbindung mit Architektur und Umwelt.

Was passiert wenn einem Architekten, Historiker, Choreographen, Chemiker, Künstler, Mathematiker, Physiker, Ökonom, Anthropologe und Geologen ein einfaches Gummiband zugeschickt wird, mit der Bitte ein Statement zu Elastizität abzugeben? Der Ökonom studiert die Elastizität von Angebot und Nachfrage der Arbeitskräfte, die in unmittelbarer Nähe einer Fabrik leben. Der Architekt kalkuliert die Elastizität der Stahlkonstruktion eines Gebäudes bei einem Erdbeben. Der Chemiker experimentiert mit Membranen, um die Elastizität eines Materials zu verbessern. Der Anthropologe untersucht in Fernost den Rückstrom von Heimkehrern nach einer Naturkatastrophe. Der Choreograph bewertet die Elastizität der Bewegung seiner Tänzer bei der Probe seiner neuen Choreographie.
Pars Foundation holt die Forscher aus ihren Fachnischen um ihre genialen, verrückten, wichtigen oder verwirrenden Ergebnisse interdisziplinär zu veröffentlichen und in einem Buch zu bündeln. Es gibt keine Vorgabe für die Form ihres Beitrags, egal ob ein Bild, ein Gedicht, ein Essay, eine Skizze auf einem Bierdeckel, eine Formel oder eine Skulptur, das Ergebnis muss plausibel und prägnant sein und muss sowohl die eigene Disziplin widerspiegeln als auch die eigene Passion für das Thema.

Für seine Ausstellung «Your Chance Encounter» im 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, Japan hat der viel beachtete dänisch-isländische Künstler Olafur Eliasson eine Sequenz von räumlichen Experimenten entwickelt, welche Bewegung und Orientierung der Besucher herausfordern und sie anregen, das Museum als einen öffentlichen Raum für kritische Auseinandersetzung von Kunst und Wirklichkeit zu betrachten.

Die extra für die Ausstellung entwickelten Installationen sind in einem engen Kontext mit der räumlichen Struktur des Museums angelegt und erweitern das Konzept der Architektur des japanischen Architekturbüros SANAA. Olafur Eliasson bezieht nicht nur die Ausstellungsräume des Museums, sondern auch die Korridore dazwischen und die angrenzenden Höfe mit ein, und setzt so Innen-und Aussenbereich in enge Verbindung und untersucht die einzigartigen Eigenschaften dieses Museums.

Das Künstlerbuch, das in enger Zusammenarbeit mit dem Studio Olafur Eliasson entstanden ist, bietet in seiner aufwändigen Gestaltung mit einen umfangreichen Bildteil eine umfassende Dokumentation der Ausstellung und wichtige Auseinandersetzung mit dem Werk des erfolgreichen Künstlers. Ein Essay der Architekturhistorikerin Eve Blau interpretiert die Ausstellung im Verhältnis zu ihrer Umgebung und stellt die experimentelle Vorgehensweise von Olafur Eliasson und SANAA einander gegenüber, während die Kuratorin Hiromi Kurosawa in die Geschichte und den Kontext des Museums in Kanazawa einführt.

Mit Texten von Eve Blau, Hiromi Kursawa

Silvia Bächli wurde eingeladen, den offiziellen Beitrag für den Schweizer Pavillon an der Biennale 2009 in Venedig zu gestalten. Das Buch bietet einen Einblick in das Atelier, dokumentiert ihre Vorbereitung für die Biennale und veranschaulicht ihren Arbeitsprozess in Raumsituationen und Momentaufnahmen, die das Ausprobieren von verschiedenen Konstellationen und das Fokussieren auf einzelne Arbeiten und Gruppen zeigt. Die Arbeiten werden mit Fotografien vom Aufenthalt der Künstlerin in Island kombiniert.

Die Künstlerin hat ihr zeichnerisches Werk in wechselnden Formaten und Techniken über drei Jahrzehnte hin kontinuierlich entwickelt. Zeichnen ist bei ihr eine Bewegung des Sehens, der leisen Abweichungen und Verschiebungen im Gravitationsfeld ungerichteter Achtsamkeit auf Dinge und Traumnahes, die auch im Gezeichneten nicht wirklich zum Stillstand kommt. Es entstehen nicht nur malerische Momente, oft scheint auch ein filmischer Blick auf Körper und Dinge oder deren Details, auf Landschaften, Gesten, Strukturen oder Verläufe wie in Stills eingefangen.

Die Künstlerin Katharina Grosse hat sich ihren Traum vom massgeschneiderten Atelier erfüllt – einem Ort, der ausreichend Platz für ihre raumgreifenden Arbeiten bietet und industrielle Atmosphäre mit weichem Licht und neutralen Wandflächen verbindet. In enger Zusammenarbeit mit der Künstlerin hat das Büro Augustin und Frank Architekten das Atelier in Berlin Mitte geplant und 2007 realisiert. Entstanden ist ein kompakter Kubus in Stahlbeton, der Atelier, Lager, Archiv, Büro- und Wohnräume beherbergt.
Ausgehend von diesem Bau hinterfragen die Autoren des Bandes die Beziehung von Malerei und Architektur sowie die Bedeutung des Ateliers für die Kunstproduktion. Zahlreiche Fotografien dokumentieren die nackte Architektur des Neubaus und die Aneignung des Raums durch die Künstlerin.

Mit Beiträgen von Georg Augustin, Laura Bieger, Andreas Denk, Ulrich Loock und Philip Ursprung

Das Buch versammelt Essays von Wissenschaftlern und Künstlern aus den Bereichen Kunst, Kunstgeschichte, Architekturtheorie und Philosophie. Die Essays basieren auf Vorträgen, die im Juni 2008 auf einem Symposium in Kopenhagen gehalten wurden und beschäftigen sich mit grundlegenden Überlegungen zur Wahrnehmung: Wenn Werke der Kunst und der Architektur vom Publikum betrachtet und von Designern geschaffen werden, ergeben sich wesentliche Fragen in Bezug auf ihre Erscheinung. Dies sind nicht nur einfache Fragen nach dem, was sichtbar ist, sondern vor allem auch nach dem, was nicht sichtbar ist – also nach dem, was sich uns beim Erleben und Schaffen der Werke entzieht. Wie gehen wir mit diesem Entzogenen um – mit dem Verborgenen, das sich der Konkretisierung entzieht? Welche schöpferischen Paradoxa werden hiermit in Verbindung gebracht und wie beeinflussen sie den Schaffensprozess? Auf Grundlage vielfältiger Abhandlungen zu diesen Themen zeigen zeitgenössische Positionen in der Kunst, der Architektur und der Philosophie neue Herausforderungen auf, vor allem in Bezug auf kreative Verfahren. Innerhalb und zwischen diesen Positionen entstehen Potenziale für neue, sensible Denk- und Arbeitsweisen.

Mit Beiträgen von Michael Asgaard Andersen und Henrik Oxvig, Renaud Barbaras, Andrew Benjamin, Olafur Eliasson, Sanford Kwinter, David Leatherbarrow, Martin Seel, David Summers und Sven-Olov Wallenstei

Silvia Bächli schickt den Betrachter auf eine Gratwanderung zwischen Banalität und gezielter Kontinuität. Ihre Kunst konzentriert sich stets auf das Minimum. Jeglicher Kontext bleibt ausgespart. Abgebildet ist, was nach einem Spaziergang an Eindrücken hängen bleibt, Momentaufnahmen, subjektiv umgesetzt. Die Künstlerin beharrt seit über zwanzig Jahren auf einfachen Arbeitsmitteln. Die Wirkung ist spektakulär.

Lidschlag – How It Looks ist in enger Zusammenarbeit mit Silvia Bächli entstanden. Die Publikation gibt erstmals einen repräsentativen Überblick über ihr Schaffen seit 1983.

Pipilotti Rist, eine der gefeiertsten Schweizer Künstlerinnen der Gegenwart, und Richard Julin, Chefkurator der Magasin 3 Stockholm Konsthall, haben sich in Zürich einen Tag lang den Vorbereitungen von Rists Einzelausstellung Gravity, Be My Friend in Stockholm gewidmet. Das aus dieser Begegnung resultierende Buch eröffnet neue Dimensionen von Pipilotti Rists Welt und fördert Anekdoten aus dem kreativen Prozess zu Tage. Das reich illustrierte Buch zeigt u. a. Bilder des neuen Werks Tyngdkraft, var min vän sowie von jüngeren Arbeiten wie Homo sapiens sapiens, 2005, A Liberty Statue For Löndön, 2006. 

Von 1993 bis 2008 gestaltete Pierre Mendell die Plakate für die Staatsoper in München. Mit über hundert Motiven ist es ihm gelungen, der dortigen Oper eine unverwechselbare Identität zu verleihen, aber auch dem Musiktheater einen visuellen Ausdruck, der an Originalität und Prägnanz schwer zu übertreffen ist. Mendells einfache, ja geradezu archaische Bildsprache wird weltweit beachtet und seine Plakate sind in Sammlungen wie dem Museum of Modern Art in New York vertreten. In München aber hingen die Plakate auf der Strasse und wurden populäre Vorboten der Musikereignisse.

Hanna Saliba gilt als einer der innovativsten Gastronomieunternehmer Deutschlands. Sein Hamburger Lokal Saliba mit syrischer Küche strahlt weit über die Stadt hinaus und lädt ein zu märchenhaften kulinarischen Erfahrungen. Einige Gäste – der Hamburger Hans Hansen, der Münchner Gestalter Pierre Mendell und der Verleger –, haben zusammen mit Saliba das Konzept dieser Publikation entwickelt und bringen damit ihre Begeisterung für die arabische Küche, aber vor allem für die an Vielseitigkeit und Raffinesse nicht zu überbietenden Vorspeisen – die Mazza – zum Ausdruck. «Mit den Augen essen» ist wörtlich zu nehmen. Die arabische Kalligrafie ergänzt den Augenschmaus und macht das Buch zu weit mehr als einer Anleitung für Hobby- und Berufsköche.

50 Syrische Vorspeisen in Rezepten von Saliba und Fotografien von Hans Hansen

Mit einem Vorwort von Udo Steinbach 

Olafur Eliasson hinterlässt mit seinen raumgreifenden Installationen zu Aspekten und Phänomenen der Wahrnehmung faszinierende, aber auch irritierende Eindrücke. Diese Aspekte seines Schaffens breitet Olafur Eliasson in der vorliegenden Publikation aus, die Präsentationen an drei Ausstellungsorten umfassend dokumentiert: «Your Light Shadow», Hara Museum, Tokyo, «Notion Motion», Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam und «The light setup» in der Malmö Konsthall. Das Buch enthält einen grundlegenden Text des Künstlers.

Dieses Künstlerobjekt von Pipilotti Rist begleitet ihre Videoinstallation an der Bienalle in Venedig 2005 in der Kirche San Staë. Pepperminta Homo Sapiens Sapiens ist eine Schachtel aus silbrigem Karton, der Deckel ist mit Stoff bezogen, doch statt Pralinen enthält die Box verschiedene lose Paradies- und Heiligenbildchen, Glacepapierchen, Markenbögen und andere Teile, in denen es sich zu stöbern lohnt.

Pipilotti Rist will die Besucherin der Videoinstallation und die Besitzerin der Schachtel ins Paradies führen, in eine Welt jenseits des Sündenfalls. Sie möchte die Welt knapp vor den Augendeckeln mit jener knapp dahinter vermischen und der Betrachterin zu ihrem Mut und ihrer wiedergewonnenen Unschuld gratulieren.

Pipilotti Rist (1965) ist eine der bedeutendsten Videokünstlerinnen weltweit. In ihren Installationen hinterfragt sie die üblichen Seh- und Hörgewohnheiten. Sie hatte zahlreiche Einzelausstellungen, unter anderem in Chicago, Zürich, New York, Montréal.

Christian Möller ist ein Pionier der interaktiven Kunst. Seine Lichtinstallationen und Klangskulpturen erforschen die Synergien zwischen Architektur und Technologie, zwischen Ton und bewegtem Bild und machten ihn international bekannt. Seit 2001 hat er einen Lehrstuhl am Media Arts Institute an der University of California in Los Angeles. A Time and Place ist die erste Übersicht über das Werk des Medienkünstlers. Die Texte, Zeichnungen und Fotografien im Buch werden durch Verweise ergänzt, die die beschriebenen Werke im Internet als bewegtes Bild und akustische Kulisse erfahrbar machen.

Felice Varini erforscht mit seiner Malerei den architektonischen Raum: Scheinbar willkürlich bringt er Linien und Flächen an, meist lose angeordnet und perspektivisch verzogen. Nur aus einer einzigen Position erschliesst sich dem Betrachter ein zusammenhängendes Ganzes: Kreise, Dreiecke oder Linienmuster, die sich über Teile eines Quartiers erstrecken können. Verlässt man den «Point de Vue», zerspringt die Figur wieder in unzählige Fragmente. Felice Varinis Eingriffe begeistern die Betrachter weltweit. Points de Vue präsentiert Varinis verblüffendes Werk in grosszügiger Darstellung. Ein Essay der Kunsthistorikerin Fabiola Lopez erläutert Varinis Vorgehensweise und seine kunsthistorische Bedeutung.

Mit einem Text von Fabiola Lopez

Im Rahmen der Biennale in Venedig 2003 verwandelten Gerda Steiner und Jörg Lenzlinger den Innenraum der Kirche San Staë in einen hängenden Garten. Doch nicht alles was dort blüht und gedeiht ist natürlich, die Verwendung von Plastikblüten als auch Gewächse aus Salzkristallen gehören neben den natürlichen Blumen und Pflanzen zum Kosmos der kleinen und grossen Wunder.

Das zur Ausstellung erschienene Künstlerbuch vereint Fotografien zahlreicher Reisen, auf denen das Künstlerpaar von der hoffnungsvollen Suche nach dem irdischen Paradies nicht lassen will und kann. Alle Träume sind ausgeträumt – nur Wunderland liegt überall. Ergänzt wird das Buch durch ein Booklet mit kurzen Berichten verschiedener Autoren über wunderliche Begebenheiten.

Gerda Steiner (geb. 1967) und Jörg Lenzlinger (geb. 1964) sind eines der interessantesten und vielversprechendsten Künstlerpaare der jungen Schweizer Kunstszene.

Dieter Roth war ein genialer Zeichner, Maler, Installations-, Foto- und Videokünstler und einer der wenigen Universalkünstler der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Roth Zeit gibt einen umfassenden Einblick in Roths bewegtes Leben und sein überraschendes Werk. Erstmals wird es möglich, die unglaubliche Vielfalt seiner Arbeit als grossartigen und spannungsvollen Gesamtentwurf zu erleben.

Mit Texten von Dirk Dobke und Bernadette Walter

Die Spirale war eine internationale Künstlerzeitschrift für junge Kunst und ist heute eines der wichtigsten Zeugnisse der Kunstentwicklung in den 50er Jahren. Sie markiert den Generationenwechsel in der Kunst der Nachkriegszeit und dokumentiert die Entwicklung der abstrakten und konstruktiv/konkreten Kunst in Europa. Die Spirale wurde von Marcel Wyss, Dieter Roth und Eugen Gromringer herausgegeben und erschien von 1953 bis 1964.

Der weltweit bekannte Grafik Designer Ivan Chermayeff (Chermayeff & Geismar Inc., New York, siehe "TM Trademarks") präsentiert eine Versammlung auffällliger Persönlichkeiten. Spielend erkennen wir Augen, Nasen, Ohren, Ohrringe, Hüte und Zigarren aus Briefmarken, Umschlägen, Signeten, Bildfragmenten und Farbpapier. Einige der Figuren sind böse, manche listig, charmant, eitel, andere extravagant. Für Augenmenschen, die mit Chermayeffs Blick hinter das Offensichtliche sehen und eine unerschöpfliche Quelle der Unterhaltung und der Inspiration entdecken wollen. "Die Collage eröffnet jedem Ding die Möglichkeit, auch etwas anderes sein zu können." Ivan Chermayeff

Mit einem Vorwort von Joseph Giovannini

Die britische Architektur und Kunst der 1950er-Jahre sind auf dem Kontinent wenig bekannt. Doch sind im England der 1950er und 60er-Jahre Werke entstanden, die heute ausserordentlich aktuell sind. Die Rede ist von der Independent Group mit u. a. dem Künstler Richard Hamilton und dem Fotografen Nigel Henderson oder den Architekten Alison und Peter Smithson oder James Stirling.

«Das Kleidungsstück als Behausung, als Hülle, in der man wohnt und lebt». Das ist das Credo der Designerin Christa de Carouge, Kosmopolitin mit Wurzeln in Genf und Zürich. Wie man seine Wohnung nicht unnötig wechselt, sind auch ihre Kreationen auf Dauer und Zeitlosigkeit ausgelegt. Die Materialien sind vom Besten, die Farbe fast immer Schwarz. Seide ist, neben Wolle, das bevorzugte Gewebe, auch für robuste Kleidungsstücke. Raffinierte Faltungen und Überwürfe hüllen den Körper ein. Keine Knöpfe, keine Haken. Die Schlichtheit der Form, das kostbare Material und das damit zusammenhängende Lebensgefühl sind begehrt. CdC’s Erfolg ist überwältigend. Der Architekturpublizist Werner Blaser untersucht mit Hinweisen auf den Hang zur Reduktion bei Mies van der Rohe oder zur feinfühligen Materialkollage bei Le Corbusier, wie Christa de Carouges Philosophie dem bestimmten Bedürfnis des modernen Menschen gerecht wird, in seiner Kleidung Wohlbehagen mit Identität und ästhetischen Ausdruck zu verbinden. Die Publikation zeigt neben den aktuellen Kollektionen die Entwicklung das Umfeld der Designerin und ein Fotoessay zu Tibet.

Die 1925 erschienene Publikation gilt als eine der wichtigsten Veröffentlichungen aus dem Umfeld der künstlerischen Avantgarde der 20er Jahre. Hans Arp und El Lissitzky nehmen eine Bestandsaufnahme der künstlerischen Haltungen und Bewegungen zwischen 1914 und 1924 vor. Das Buch wurde von El Lissitzky grosszügig im Stil der Zeit gestaltet.

Mit einem Essay von Alois M. Müller