Der Verlag richtet sein Augenmerk auf die Einbindung der Architekturthemen in die Zusammenhänge einer zukunftsgerichteten Auseinandersetzung. Planung, Prozess, Methode und Exempel sind die Stichworte aktueller Publikationen – anstelle von Werkdokumentationen und Zeitgeist-Kapriolen. Kooperationen bestehen mit dem Canadian Centre for Architecture, Montreal, The New Museum, New York, der Harvard University Graduate School of Design und Princeton University School of Architecture.

Zaha Hadid: Heydar Aliyev Centre ist dem neuen, von Zaha Hadid entworfenen Kulturzentrum in der aserbaidschanischen Hauptstadt Baku gewidmet. Als eines der wichtigsten Kulturzentren des Landes beherbergt das Gebäude unterschiedliche Institutionen unter einem Dach. Der Entwurf, mit dem die berühmte Architektin 2007 den Wettbewerb gewann, enthält unter seiner Oberfläche aus glasfaserverstärktem Beton ein Auditorium für mehr als tausend Besucher, ein Konferenzzentrum, ein Museum sowie eine Bibliothek. Seine offen und einladend wirkende geschwungene Gestalt, die die Formen der Umgebung aufnimmt und weiterführt, setzt das Gebäude stark von der monumentalistischen Architektur der sowjetischen Ära der Stadt ab.

Die Fotografien von Hélène Binet und Iwan Baan zeigen das Gebäude in all seinen Facetten und machen dabei seine formalen, haptischen und räumlichen Qualitäten für den Leser erfahrbar.

ZAHA HADID, geboren 1950 in Bagdad, ist eine der einflussreichsten zeitgenössischen Architektinnen. Mit der Feuerwache Vitra in Weil am Rhein schaffte sie den internationalen Durchbruch. Das Riverside Museum in Glasgow, das Kunstmuseum MAXXI in Rom und das Opernhaus Guangzhou gehören zu ihren jüngsten Bauten. Sie hat 2004 – als erste Frau – den Pritzker-Preis gewonnen. Sie lebt und arbeitet in London.

Baku: Oil and Urbanism ist die erste Architekturstudie zum Verhältnis von Öl und Städtebau. Sie untersucht Baku, die Hauptstadt Aserbaid-schans, die früher zum Russischen Reich und der UdSSR gehörte. Seit Ende des 19. Jahrhunderts standen der Städtebau und das Öl hier miteinander in Beziehung. Später war Baku der Schauplatz eines der spektakulärsten sowjetischen Städtebau- und Infrastrukturprojekte – «Neft Dashlari», der ersten Offshore-Ölförderplattform der Welt, einer Stadt auf Stelzen im Kaspischen Meer. Heute erlebt Baku seinen zweiten Ölboom. Das Buch untersucht, wie Städtebau und -planung sowie Architektur mit dem Thema Öl in unterschiedlichen politischen Kontexten umgingen. Anhand von Kartenmaterial und Archivfotos analysiert der Titel Orte, Gebäude und das städtische Gefüge, um die Entwicklung der Stadt nachzuvollziehen.

Anknüpfend an eine Architektentradition, Erfahrung in Gesprächsform zu vermitteln, gewährt dieses Taschenbuch Einblicke in Ideen, Methoden und Erinnerungen eines der innovativsten europäischen Landschaftsarchitekten unserer Zeit. In zwölf konzisen Gesprächen fragt Günther Vogt nach der Bedeutung von Landschaftsarchitektur angesichts weltweiter Urbanisierungs­prozesse und unternimmt eine Standort-bestimmung der jungen Disziplin. Bis heute scheint die Vorstellung von Landschaft von einem arkadischen Ideal geprägt. Doch nur wenn Landschaft als das vielschichtige Ergebnis natürlicher, kultureller und gesellschaftlicher Prozesse aufgefasst wird, lässt sie sich zu spezifischen, atmosphärischen und lebendigen Stadtlandschaften weiterentwickeln. Günther Vogt versteht Landschaftsarchitektur in ihren Beziehungen zu Topografie, Architektur und Infrastruktur denn auch dezidiert als Teil der Stadt.

Amateur Attitude beschäftigt sich mit dem aktuellen Werk des chinesischen Architekten Wang Shu, Pritzker-Preisträger von 2012. Einer zeitgenössischen Ästhetik verhaftet, sind seine Bauten durch eine intensive Beschäftigung mit dem Ort und dessen Geschichte geprägt und greifen auf traditionelle Bautechniken zurück. Oft werden Materialien abgerissener Quartiere wiederverwendet. Dieser Ansatz entspricht einer kritischen Haltung, die sich gegen eine durchrationalisierte, auf Effizienz getrimmte Architekturproduktion richtet, wie sie derzeit in Städten weltweit zu beobachten ist. Wang Shus Ansatz setzt dagegen auf Bedachtsamkeit in Entwurf und Realisierung sowie auf die Fähigkeit, vor Ort flexibel auf den Kontext zu reagieren – was er als Amateur Attitude bezeichnet. Die Essays verorten das Werk des Architekten im aktuellen Kontext. Umfassendes Bildmaterial ermöglicht exklusive Einblicke in das vielgestaltige Schaffen.

WANG SHU, geboren 1963 in der Provinz Xinjiang, China, gründete 1997 seine Architekturfirma «Amateur Architecture Studio». 2012 Auszeichnung mit dem Pritzker-Preis.

KENNETH FRAMPTON, geboren 1930, ist einer der weltweit renommiertesten Architekturtheoretiker. Er lehrt als Professor an der Columbia University, New York.

ARIC CHEN, geboren 1974, ist Autor, Kritiker und Kurator für Design und Architektur des neuen M+ Museum for Visual Culture in Hong Kong.

Vor dem Hintergrund jüngerer Katastrophen gründete Kenya Hara die Plattform «house vision», um über neue Formen des Wohnens im postindustriellen Zeitalter nachzudenken und nachhaltiges Bauen mit den neuesten technologischen Möglichkeiten zu verbinden. House Vision stellt eine Weiterführung der gleichnamigen Ausstellung dar und enthält Beiträge von renommierten Architekten und Künstlern. Toyo Ito, der diesjährige Pritzker-Preisträger, entwickelt darin die Vision eines Hauses für eine nostalgische Zukunft, Sou Fujimoto die eines «Powerhouses», das sämtliche elektronische Anwendungen in sich vereint, der Blumenkünstler Makoto Azuma gestaltet bepflanzte Wände und Hiroshi Sugimoto beruft sich auf ursprüngliche Materialien und entwirft damit zukunftsweisende Wohnformen. Die Publikation beleuchtet unter westlichen Vorzeichen dieses Projekt aus Japan und bietet damit Hinweise von allgemeiner Gültigkeit für das Bauen und Wohnen der Zukunft.

Mit Beiträgen von Makoto Azuma, Masataka Baba, Joshiaki Fujimori, Sou Fujimoto, Kenya Hara, Kunio Harimoto, Atsumi Hayashi, Hidemitsu Hori, Akira Ichikawa, Jun Inokuma, Toyo Ito, Masaaki Kanai, Norio Kanayama, Kengo Kuma, Muneaki Masuda, Toshiharu Naka, Yuri Naruse, Ban Shigeru, Hirokazu Suemitsu, Hiroshi Sugimoto, Naoya Toida, Sadao Tsuchiya, Riken Yamamoto, Hiroya Yoshizato.

KENYA HARA, geboren 1958, ist Grafik-Designer, Professor an der Musashino Art University und Berater für Kommunikationsdesign bei Muji.

Was ist eine Stadt? Wodurch defi niert sich ihre Spezifi tät? Was macht ihre Merkmale aus? Eine Vielzahl von Akteuren interagieren im urbanen Raum, wobei sie Transformationsprozesse auslösen, die oftmals disparate Ziele verfolgen. Deshalb verläuft die Entwicklung der heutigen Stadt nicht linear und der Prozess einer globalen Urbanisierung mündet keineswegs in einem homogenen urbanen Raum. The Inevitable Specificity of Cities untersucht unter der Verwendung der Kategorien
«Territorium», «Macht» und «Differenz» verschiedene Städte und urbane Gebiete wie die Kanarischen Inseln, Hong Kong und Nairobi. Diese Fallstudien zeigen Unterscheidungsmerkmale der physischen und sozialen Existenz dieser Orte.

Mit Beiträgen von Roger Diener, Mathias Gunz, Manuel Herz, Jacques Herzog, Rolf Jenni, Marcel Meili, Shadi Rahbaran, Christian Schmid, Milica Topalovic.

The Air from Other Planets thematisiert eine Form von Architektur, die ganz gezielt die uns umgebenden elektromagnetischen, thermodynamischen, akustischen und chemischen Energien gestaltet. Dieser Ansatz überwindet unsere Vorstellung, dass Architektur allein in Form fester Mauern und Wände existieren kann, und untersucht materielle Energien, die ihre eigenen Formen, Ästhetiken, Organisationsstrukturen und Erfahrungen generieren. Energie fungiert in diesem Zusammenhang nicht nur als Inhalt von Innenräumen oder als etwas, das von Aussenwänden eines Gebäudes reflektiert wird – sie wird vielmehr zum Ausgangsmaterial für gestalterische Innovation, kurz: zu Architektur selbst. The Air from Other Planets wirft einen nostalgischen Blick in die Zukunft, der Überzeugung verpflichtet, dass die vornehmste Aufgabe des Architekten darin besteht, zu imaginieren, sich neue Orte und Welten auszudenken.

Roberto Burle Marx (1909–1994) gilt bis heute als einer der einflussreichsten Landschaftsarchitekten überhaupt. Bekannt ist seine Landschaftsgestaltung für die Verwendung abstrakter Formen, denen kaum Symmetrie zugrunde liegt, und tropischer Pflanzen. Seine unverwechselbaren und viel gelobten Arbeiten werden zwar in zahlreichen Publikationen besprochen, Burle Marx’ eigene Schriften sind bisher jedoch kaum publiziert. Dieses Buch, das unveröffentlichte Vorträge enthält, schliesst diese Lücke. Die Vorlesungen, die auf internationalen Konferenzen gehalten wurden, beschäftigen sich mit Themen wie «Der Garten als Lebenskunst», «Gärten und Ökologie», «Das Problem der Gartenbeleuchtung». Sie geben Einblick in Burle Marx’ aussergewöhnlichen Stil und sein Ethos der Landschaft als Lebenseinstellung.

GARETH DOHERTY ist Dozent für Landschaftsarchitektur und Stadtplanung an der Harvard University Graduate School of Design.

Genealogie der modernen Architektur ist ein Referenzwerk zur Architektur der Moderne von Kenneth Frampton, einem der bedeutendsten zeitgenössischen Architekturtheoretiker weltweit. Konzipiert als Genealogie der Architektur des 20. Jahrhunderts zwischen 1924 und 2000, umfasst die Publikation 16 vergleichende Analysen bedeutender moderner Bauten, unter anderem Ausstellungspavillons, Privathäuser, Bürogebäude und diverse Beispiele der Architektur öffentlicher Institutionen. Die Gebäude werden anhand ihrer räumlichen Hierarchien, Erschliessungsstrukturen und baulichen Details verglichen. Jeweils zwei Typen werden paarweise analysiert, um Ähnlichkeiten und Unterschiede sichtbar zu machen, wobei deutlich wird, wie das Erbe der Moderne auf unterschiedliche Weise interpretiert wurde. Mit seinen zahlreichen Abbildungen ist Genealogie der modernen Architektur ein neues architekto nisches Standardwerk, das in keiner Architektur ausbildung fehlen sollte.

KENNETH FRAMPTON, geboren 1930, ist einer der weltweit renommiertesten Architekturtheoretiker und u.a. Autor des Weltbestellers Die Architektur der Moderne. Eine kritische Baugeschichte. Er lehrt als Professor an der Columbia University,
New York.

Der Wettstreit um die Rangfolge der bildenden Künste – Architektur, Malerei und Bildhauerei – beschäftigte in der Renaissance auch den berühmten Architekten Andrea Palladio. Dieser war der Überzeugung, dass Architektur für sich stehe und der Ausschmückung durch Malerei nicht bedürfe. Dennoch zieren Fresken die Wände und Decken vieler seiner Villen. In der Villa Malcontenta wurde mit Giovanni Battista Zelotti einer der damals bekanntesten Freskenmaler Venedigs mit der Gestaltung der Innenräume betraut. In Frescos analysiert Antonio Foscari diesen Freskenzyklus, der nicht nur ein hervorragendes Beispiel für an architektonischen Strukturen orientierte Illusionsmalerei ist und in enger Anlehnung an Palladios Ideale entstand, sondern zudem Aufschluss über prägende Ereignisse in der Familie von Palladios Auftraggebern gibt. Die Publikation enthält zahlreiche historische Dokumente und Fotografi en der Fresken von Matthias Schaller.

Während der letzten zehn Jahre hat das Büro Steven Holl Architects zunehmend grössere und komplexere Bauaufgaben in China übernommen. Teil der Arbeit war es, dem vorherrschenden Kontext gerecht zu werden: Stadt, Infrastruktur,
Überbevölkerung. Die im Buch gezeigten Projekte wagen eine ernsthafte Auseinandersetzung mit unterschiedlichen Massstäben und der Dynamik zwischen Mikro- und Makro-Ebene. Ein Dazwischen, eine einfache Mischung gibt es nicht. Vielmehr eine Studie kontrastierender, ineinander verschachtelter Massstäbe, die der Tatsache Rechnung tragen, dass Stadtbewohner sich in ihrer Wahrnehmung jeden Tag zwangsläufig zwischen einer grossmassstäblichen und einer kleinteiligen Ebene hin- und herbewegen. Inhalt und Format des Buches spiegeln diesen Gegensatz wider. Grossformatige Abbildungen und Grafiken dokumentieren Steven Holls neuere Bauten in China, diese werden durch Essays und kritische Analysen jüngerer Architekturtheoretiker ergänzt.

CHRISTOPH a. KUMPUSCH ist Architekt und der Leiter von Foraward slash (/) c.a.k Productions. Er ist Professor für Architektur an der Graduate School of Architecture, Planning and Preservation der Columbia University und am Pratt Institute.

STEVEN HOLL, geboren 1947, gründete 1976 sein Büro Steven Holl Architects in New York. Bekannt wurde Holl vor allem durch das Kiasma Museum für zeitgenössische Kunst in Helsinki, Finnland aus dem Jahr 1988, sowie das Studentenwohnheim Simmons Hall am Massachusetts Institute of Technology aus dem Jahr 2003.

Äussert sich Demokratie räumlich? Inwiefern spiegeln die physischen Aspekte unserer Städte, die Häuser, Strassen und öffentlichen Räume unsere Werte? In einer Welt zunehmender wirtschaftlicher Verflechtung, finanzieller und geopolitischer Unbeständigkeit, sich zuspitzender Umweltkrisen und einer Welle von Protestbewegungen sowohl gegen autoritäre Regierungen als auch kapitalistische Spekulation sind unsere Städte Orte, an denen Ansprüche an die Staatsmacht artikuliert werden und sich ein neues politisches Bewusstsein bildet. Dieses Buch enthält Beiträge aus Geschichte, Soziologie, Kunst, politischer Theorie, Städtebau, Recht und Design, die die urbanen Räume des Politischen untersuchen, ergänzt durch eine Auswahl zeitgenössischer Fotografie aus aller Welt.

Der Band enthält Texte unter anderem von Michael Arad, Diane Davis, Keller Easterling, Gerald Frug, Mohsen Mostafavi, Chantal Mouffe, Erika Naginski, Saskia Sassen, Richard Sennett, Loïc Wacquant und Krzysztof Wodiczko.

MOHSEN MOSTAFAVI, Architekt und Hochschuldozent, ist Dekan der Harvard University Graduate School of Design und hat die Alexander und Victoria Wiley Design professur inne.

In seiner kurzen, nur hundertjährigen Geschichte hat sich Nairobi zu einer der vielfältigsten und internationalsten Städte überhaupt entwickelt. Migration hat sich dabei als eine der treibenden Kräfte herauskristallisiert. Im Kontext von Nairobis
komplexer politischer Entwicklung vom Kolonialismus zur Unabhängigkeit hat Migration ethische, räumliche und ökonomische Unterschiede forciert und zur Herausbildung einer komplexen Machtstruktur geführt. Dieser Prozess manifestiert sich in den radikal unterschiedlichen urbanen Mustern der Stadt. Das Buch dokumentiert anhand von spezifischen Stadtteilen, wie verschiedene Kulturen das Leben in ihrer Stadt entwerfen.

Double enthält Beiträge von Künstlern, Architekten, Kritikern, Historikern und Kulturtheoretikern, die die Einflüsse, Triebfedern und Implikationen von Kopie und Vervielfältigung untersuchen. Der Vorgang des Kopierens ist immer schon einer gesellschaftlichen Regulierung unterworfen gewesen. So wurde die Notwendigkeit von Innovation im Laufe der Geschichte entsprechend geschützt, indem Kopien gesellschaftlichen Sanktionen, bürokratischen Regulierungen oder gar Strafen unterworfen waren. Die Publikation untersucht anhand der Leitmotive Ähnlichkeit und Differenz das dem Akt des Kopierens innewohnende Potenzial. Sie zeigt Wege auf, wie wir beim Kopieren lernen können, um schliesslich besser kopieren zu können.

Versuche, der Form zu Entkommen, die für Normierung und Einschränkung steht, sind so alt wie die Architektur selbst. Doch Formlosigkeit ist ein zunehmend aktuelles Thema, insbesondere in Diskussionen über die «formlose» Qualität der Stadt, und implizit hinsichtlich den Ideen von atmosphärischen Gebäuden, zufallsgenerierten Strukturen und der Entmaterialisierung (oder zunehmenden Mediatisierung) von Architektur. Ohne Zweifel beruht ein Teil der Anziehungskraft des Formlosen darin, dass es auf architektonischer Ebene noch nicht grundlegend theoretisch gefasst wurde. Unter diesem Begriff scheint sich eine grosse Bandbreite von Entwicklungen subsumieren zu lassen, die bisher nicht in Verbindung gebracht, geschweige denn explizit erkannt oder identifi ziert worden sind. Formless stellt einen ersten Schritt in diese Richtung dar.

Das Mittelmeer trennt nicht nur zwei geografische Kontinente, sondern war und ist eine komplexe Schnittstelle sozialer, ökonomischer und politischer Räume. Mittelmeerland untersucht diese und zeigt aktuelle wie zukünftige Entwicklungen und Herausforderungen an diesen Raum und wie diese sich zu Lande und zu Wasser zeigen. Zehn Hafenstädte werden dabei genauer untersucht: Alexandria, Algier, Barcelona, Beirut, Dubrovnik, Haifa, Istanbul, Marseille, Tanger und Tripoli. Ein Essay gibt einen Überblick über die Geschichte der Kartografie des Mittelmeerraums, zahlreiche Zeichnungen visualisieren die räumlichen Transformationsprozesse und territorialen Beziehungen zwischen Wasser, Land und Häfen.

Religiöse Gemeinschaften schreiben sich akustisch, architektonisch, sozial und politisch in die Städte ein. Global Prayers untersucht die wechselseitigen Einflüsse von Religion und Urbanität sowie die Erscheinungsformen des Religiösen in den Metropolen der Welt. Foto-Essays, Gespräche, Reportagen, wissenschaftliche Texte und künstlerische Bildstrecken setzen sich mit der Frage auseinander, wie urbane Religion beziehungsweise religiöse Urbanität entsteht.

Mit Beiträgen von Nezar AlSayyad, Filip de Boeck, Hengameh Golestan, Brian Larkin, Aernout Mik, Werner Schiffauer, AbdouMaliq Simone, Camilo José Vergara, Paola Yacoub.

Der Aga Khan Award for Architecture wird seit 1977 von Seiner Hoheit dem Aga Khan gestiftet, um herausragende Leistungen im Bereich Architektur und anderer Arten von baulicher Intervention in Gegenden mit muslimischer Bevölkerung zu fördern. Die Auszeichnung wird alle drei Jahre verliehen. Berücksichtigt werden Formen von Architektur, die positive Auswirkungen auf die gebaute Umwelt unserer Zeit haben. Kleinere Projekte werden dabei ebenso berücksichtigt wie Bauten im grossen Format. Mit zahlreichen Abbildungen und Texten präsentiert das Buch die Projekte und Preisträger des diesjährigen Wettbewerbs. Das Thema des diesjährigen Buchs beschäftigt sich mit den Bezügen von Architektur und Lebensqualität. Zahlreiche Essays untersuchen die Frage, wie Architektur mit dem Leben der sie bewohnenden Menschen interagiert

Mit dem Manifest Die Stadt in der Stadt – Berlin: ein grünes Archipel legten Oswald Mathias Ungers und seine Kollegen von der Cornell University 1977 die ersten Konzepte und Denkmodelle zur schrumpfenden Stadt vor. Im Gegensatz zur damals populären Rekonstruktion der europäischen Stadt entwickelten sie die Figur einer polyzentrischen Stadtlandschaft. Seine Wirkung entfaltete das Manifest jedoch erst seit den 1990er-Jahren, als im Städtebaudiskurs die Auseinandersetzung mit Krisen, Rezessionen und demographischen Schrumpfungen in den Fokus rückte. Diese kritische Ausgabe enthält eine bislang unveröffentlichte Version des Manifests von Rem Koolhaas sowie Interviews mit den Co-Autoren Rem Koolhaas, Peter Riemann, Hans Kollhoff und Arthur Ovaska. Einleitungstexte erläutern die Entstehung des Manifests zwischen Cornell und Berlin, verorten das Werk in der Planungsgeschichte Berlins und stellen dessen Einfluss auf aktuelle Ansätze heraus.

Die Arbeiten des britischen Architekten Nicholas Hawksmoor (ca. 1661–1736) gelten als wichtige Beiträge zur britischen und europäischen Baukultur. Allerdings gibt es wenige Bilddokumente und visuelle Analysen seiner Werke. Nicholas Hawskmoor: Seven Churches for London unterzieht seine Architektur einer Neubewertung unter dem Blickwinkel der Stadtplanung. Im Zentrum der Publikation steht eine Serie bedeutender Londoner Kirchen, die der Architekt zu Beginn des 18. Jahrhunderts gestaltete. Wichtiges Unterscheidungskriterium dieser Kirchen sind ihre Türme, die jeweils ganz unterschiedliche Formen erhielten. Hawksmoor liess sich zwar von der Architektur der Antike inspirieren, doch wurde sein Werk zu seinen Lebzeiten als radikal und zeitgenössisch wahrgenommen.

Für den vorliegenden Band hat die Fotografin Hélène Binet die verbliebenen sieben Kirchen in London in all ihren Details dokumentiert. Ihre präzisen Schwarzweissfotos zeigen die Schönheit von Hawksmoors Architektur, wobei besonders die unterschiedlichen Massstäbe, Orte, Innenräume, Texturen und Materialien hervorgehoben werden.

Seit den späten 1990er-Jahren werden in zahlreichen Städten weltweit Ikonen der Kultur errichtet, um im globalen Wettbewerb der Aufmerksamkeit Besucherströme zu umwerben. Das Buch Kultur:Stadt analysiert das Phänomen aus dem Blickwinkel von Künstlern, Architekten und Wissenschaftlern. Hat die Kultur heute noch eine Leitbildfunktion, oder ist sie lediglich Auslöser für spektakuläre Bauten? Sind Kreativ- und Kulturwirtschaften die Zukunftsbranchen postindustrialisierter Gesellschaften? Befreien oder knebeln Bauten jene kulturellen Aktivitäten, die die Bauten überhaupt erst zum Leben erweckten? Wie funktioniert der «Bilbao-Effekt», die Aufwertung von Städten durch prestigeträchtige Kulturbauten? Dreissig Pioniere, Vorbilder und Negativbeispiele sind paradigmatisch in diesem Buch versammelt. Zahlreiche Textbeiträge und Abbildungen zu den Bauten geben dem Leser einen umfangreichen wie tiefen Einblick in dieses Phänomen.

Mit einer Einführung von Wilfried Wang, einem Text zur Ausstellung von Matthias Sauerbruch sowie weiteren Beiträgen u.a. von Ricky Burdett, William J.R. Curtis, Jochen Gerz, Nele Hertling, Kasper König, Michael Mönninger, Beatriz Plaza, Andy Pratt, Jan Schütte, Ingo Schulze, Richard Sennett, Alain Thierstein und Manos Tsangaris.

Mit Beiträgen zu folgenden Projekten: Sydney Opera House, Kulturforum Berlin, Kulturhuset (Stockholm), Inter-Action Centre (London), Centre Pompidou (Paris), SESC Fábrica da Pompéia (São Paulo), Guggenheim Museum Bilbao, Tate Modern & Tate Modern Project (London), Elbphilharmonie Hamburg, Guangzhou Opera House, Parque Biblioteca España (Medellín), Espacio Andaluz de Creación Contemporánea (Córdoba), Cidade da Cultura de Galicia (Santiago de Compostela), West Kowloon Cultural District Master Plan (Hongkong), M9 Museum für das 20. Jahrhundert (Venedig-Mestre), Die Grosse Weltausstellung (Berlin), Metropol Parasol (Sevilla), Paju Book City (Südkorea), Toni-Areal (Zürich), Palais de Tokyo (Paris), Radialsystem V (Berlin), Zeche Zollverein (Essen), Berghain/Panorama-Bar/Lab.oratory/Bierhof (Berlin), Detroit Soup, 2-3 Strassen (Dortmund, Duisburg, Mühlheim an der Ruhr), Parkaus Projects (Berlin), Museum Gunzenhauser (Chemnitz), Kunsthaus Graz, Inner-City Arts (Los Angeles), Centre Pompidou Mobile, El Batel (Cartagena), Generali Foundation Wien, Seattle Central Library, Daikanyama Tsutaya Books (Tokio), Library of Birmingham, Jacob-und-Wilhelm-Grimm-Zentrum (Berlin), Bibliothek und Kulturzentrum Kenniscluster (Arnhem)

Der Light Pavilion in Chengdu, China, ist das erste realisierte und zugleich letzte Werk des Künstlers und Architekten Lebbeus Woods (1940–2012). Das zusammen mit Christoph a. Kumpusch entworfene Projekt zeigt, womit sich dieser exzellente Entwerfer und architektonische Vordenker beschäftigte.

Die gewagte Konstruktion des Light Pavilion fügt sich in einen gemischt genutzten Gebäudekomplex ein. Sie ist eine befreite Zeichnung, eine Licht- und Schattenmaschine, ein chromatischer Kalender, eine Komposition aus Stahl, ein Tanz von Raum und Form. Mit seiner dynamischen Geometrie, seinen Perspektivwechseln und seiner Abfolge von Räumen verändert der Pavillon die Wahrnehmung der umgebenden Architektur und Stadtlandschaft. Er ist die Realisierung eines visionären Entwurfs und bietet sowohl einen Ausblick auf die Zukunft als auch einen Rückblick in die Vergangenheit der Architektur.

Neben Zeichnungen, Detailinformationen und einer Dokumentation des Baus bietet das Buch einzigartige Fotografien des Werks von Iwan Baan. Es enthält Textbeiträge von Zaha Hadid, Steven Holl, Thom Mayne, Neil Denari und Eric Owen Moss, einen Essay von Mark Morris, der das Werk im historischen Kontext verortet, sowie ein Nachwort von Christoph a. Kumpusch.

Le Corbusiers Pavillon für Zürich zeichnet anhand zahlreicher handschriftlicher Dokumente, Zeichnungen und Schriften die Geschichte des letzten gebauten Werks Le Corbusiers nach. Initiiert wurde das Wohnhaus, das zugleich Museum ist, von der Zürcher Galeristin Heidi Weber. Es stellt mit seinen abstrakten Formen und Farben ein intellektuelles Vermächtnis des berühmten Architekten dar, an dem die weitere Entwicklung der Architektur ablesbar wird, wie Le Corbusier sie sich vorstellte. Von ersten Ideen und Skizzen aus den Jahren 1949/1950 bis zur Eröffnung 1967 und darüber hinaus wird anhand zahlreicher Abbildungen und Dokumente die Genese dieses aussergewöhnlichen Baus dargestellt, dessen Realisierung der Architekt nicht mehr selbst erleben durfte. Die Rolle des Pavillons, der sich stark vom Beton Brut des Spätwerks Le Corbusiers absetzt, wird in diesem Band zum ersten Mal als zentrales und zukunftsweisendes Werk des Architekten nachvollziehbar.

From Camp to City untersucht das Thema des Flüchtlingslagers im Kontext von Urbanismus und Architektur. Am Beispiel der Flüchtlingslager in der algerischen Wüste, in denen die aus der West-Sahara stammenden Sahrauis seit über drei Jahrzehnten leben, nimmt das Buch das «Städtische» dieser Orte in den Blick. Im Kontrast zur gängigen Betrachtungsweise des Flüchtlingslagers als Schauplatz von Elend und Verzweiflung sowie als Ziel humanitären Engagements konzentriert sich die Untersuchung darauf, wie Menschen in Flüchtlingslagern leben und wohnen, wie sie arbeiten, sich bewegen, wie sie sich vergnügen und welche Räume und Strukturen dabei entstehen. Mit zahlreichen Bildern und Texten werden in unterschiedlichen Kapiteln einzelne Aspekte städtischen Lebens dargestellt und analysiert. Als Untersuchung eines «Grenzfalls» des Urbanen ignoriert die Publikation dabei nicht die Problematik des Themas – vielmehr wird dessen Brisanz durch die Fokussierung auf ein «Vokabularium des Städtischen» noch unterstrichen. Sie ermöglicht ein Verständnis der Lager als politisches Projekt. Die Publikation basiert auf Forschungsstudien des ETH Studio Basel, Institut der Zeitgenössischen Stadt an der ETH Zürich.

Mit seinem Essay Ex Nihilo – Eine Geschichte von zwei Städten reflektiert der niederländische Schriftsteller Cees Nooteboom die Stadt der Moderne. Anhand der Beispiele Brasília und Chandigarh untersucht er, wie diese streng am Reissbrett entstandenen Musterbeispiele des modernen Städtebaus von ihren Bewohnern verändert und genutzt werden. Die begleitenden Bilder des Fotografen Iwan Baan treten in einen Dialog mit Nootebooms Text. Sie zeigen die alltägliche Verwendung der Architektur der Meisterarchitekten Oscar Niemeyer und Le Corbusier durch die Menschen, die hier leben. Das Buch ist eine Neuausgabe unserer Publikation Brasília – Chandigarh in deutscher Sprache und handlichem Format.

Woraus beziehen Orte ihre spezifische Qualität, und was definiert das Leben einer Stadt? Es ist die Aufgabe von Architekten und Städteplanern, die organisatorischen und funktionellen Strukturen, den Aufbau und die konkreten Eigenschaften unserer Städte zu beschreiben und zu erfinden. Aber in welcher Beziehung steht die Gestaltung einer Stadt – ihre Form – zu dem Leben, das durch diese Form geprägt wird? Von dieser Frage geht In the Life of Cities aus. Anhand unterschiedlicher Beispiele setzen sich Beiträge aus verschiedensten Themenbereichen damit auseinander, wie das urbane Leben mit der jeweiligen Stadtgestaltung zusammenhängt. Aktuelle Fotoessays bringen vielschichtigen zeitgenössischen Stadtlandschaften, um die es geht, lebhaft zur Anschauung.

Die Autoren untersuchen das Leben in Städten wie Baku, Buenos Aires, Detroit, Jakarta, Johannesburg, Kairo, Mumbai, Paris, Quito, St. Petersburg, Tel Aviv, Tirana und Toronto. Portfolios mit aktuellen Fotografien zeigen die fragmentierten Realitäten des urbanen Lebens von heute.

Mit Beiträgen von Arjun Appadurai, Eve Blau, Svetlana Boym, Lindsay Bremner, Jana Cephas, Felipe Correa, Rahul Mehrotra, Mohsen Mostafavi, Antoine Picon, Gyan Prakash, Nasser Rabbat, Rafi Segal, Jorge Silvetti, AbdouMaliq Simone und Charles Waldheim.

Andrea Palladios Villenarchitektur aus der Renaissance wird auch heute noch für ihre Eleganz und Harmonie bewundert. Über die Person, die sich hinter den Bauwerken verbirgt, ist jedoch wenig bekannt. In akribischer Recherchearbeit hat der versierte Palladioforscher Guido Beltramini Hinweise aus historischen Dokumenten über die Person und das Leben Palladios gesammelt und zu einem Gesamtbild zusammengesetzt. The Private Palladio vollzieht den Aufstieg vom einfachen Müllerssohn Pietro della Gondola zum Architekten Andrea Palladio nach. Beltramini ergründet nicht nur Palladios Herkunft, seine Ausbildung als Steinmetz und seine komplexe Beziehung zu den mächtigen Auftraggebern und Gelehrten, sondern auch seine private Seite: seinen jovialen Charakter, sein Leben als Ehemann und fünffacher Vater und nicht zuletzt seine tiefe Überzeugung, dass Architektur zur Bereicherung des Lebens beitragen kann und muss. Ergänzt wird die Publikation durch zahlreiche Abbildungen.

Kenzō Tange (1913–2005) ist einer der herausragenden Protagonisten der japanischen Architektur des 20. Jahrhunderts. Als führende Figur des Metabolismus in der Architektur war er der erste nichtwestliche Architekt, dessen Arbeiten weltweit Anerkennung fanden. Die Publikation – eine einzigartige Zusammenstellung aktueller Forschungsansätze eines internationalen Expertenteams – verortet Tange im Kontext der japanischen Moderne sowie zeitgenössischer globaler Diskurse zur kulturellen Identität, Technologie, Urbanisierung und der Synthese der Künste. Fallstudien zu berühmten Bauten – Hiroshima, Tokyo Bay Plan oder die Yoyogi-Stadien – stellen seinen breiten Ansatz und seine Designmethodologie dar. Reichhaltig mit Archivmaterial, Zeichnungen und Fotografien illustriert, bietet dieser Band neue, hochinteressante Einblicke in die Praktiken, Diskurse und Produktionskontexte von Tanges Werk sowie die Architektur und den Städtebau Nachkriegsjapans. Die Publikation stellt damit die umfassendste Neubewertung des Architekten seit Jahrzehnten dar.

Torre David ist ein 45-stöckiger Wolkenkratzer in Caracas, der aufgrund der Wirtschaftskrise in Venezuela 1994 nie zu Ende gebaut wurde. Heute ist er das improvisierte Zuhause von mehr als 750 Familien, die ohne offizielle Genehmigung in diesem besetzten Raum leben, der von manchen als «vertikaler Slum» bezeichnet wird.

Urban-Think Tank, die Autoren von Torre David: Informal Vertical Communities, haben ein Jahr lang die räumliche und soziale Organisation des Ortes untersucht. Anhand zahlreicher Fotografien von Iwan Baan dokumentiert dieses Buch, wie die Menschen hier leben und ihre Infrastruktur selbst organisieren, von Friseursalons und einem Fitnessstudio zu Lebensmittelläden und weiteren Einrichtungen des täglichen Bedarfs. Dieses zum Nachdenken anregende Buch zeigt die informellen Gemeinschaften des Hochhauses und die Architektur, in der sie leben. Die Autoren möchten Denkanstösse bieten, informelle Gemeinschaften als Orte zu sehen, die Innovationen und neue Ideen generieren – im Dienst einer gerechteren und nachhaltigeren Zukunft.

Die Bauten des chinesischen Architekten und diesjährigen Pritzker-Preisträgers Wang Shu sind durch die Verwendung traditioneller Methoden und Materialien in klaren und einfachen zeitgenössischen Entwürfen geprägt. Charakteristisch für seine Gebäude ist dabei die Wiederverwendung von Baumaterialien.

Shus Entwurfsprozess beginnt stets mit einer intensiven Beschäftigung mit dem Ort, den der Architekt möglichst lange besucht und auf sich wirken lässt. Seine Entwürfe entstehen dann in Form von Handskizzen, die in relativ kurzer Folge gezeichnet werden. Wang Shus Imagining the House vollzieht diesen Prozess am Beispiel unterschiedlicher Bauten nach. Fotostrecken von den Standorten machen die Recherche vor Ort wahrnehmbar. Die reproduzierten Zeichnungen zeigen, wie die Entwürfe sich verändern und konkretisieren. Das Buch bietet einzigartige Einblicke in die Arbeit des Architekten, der bisher in Europa noch wenig bekannt ist, und schliesst damit eine bedeutende publizistische Lücke.

Hören Sie die Buchrezension auf DRS2aktuell hier.

Sketchbook No. 76 ist eine Reproduktion des Skizzenbuchs des renommierten portugiesischen Architekten und letztjährigen Pritzker-Preisträgers Eduardo Souto de Moura. Die Publikation umfasst den Zeitraum von September 2011 bis Januar 2012 und dokumentiert erste Ideen, flüchtige Skizzen, Studien und spontane Notizen, die nicht nur den Ausgangspunkt eines jeden Projekts bilden, sondern auch als Arbeitsmittel fungieren. Man kann dem Architekten förmlich zusehen, wie er bestehende Ideen weiterentwickelt und verschiedene Varianten erprobt. Sketchbook No. 76 stellt eine Hommage an das Medium Zeichnung dar und macht deutlich, dass dieses nach wie vor für den kreativen Schaffensprozess essenziell ist.

Fotografien, Zeitungsausschnitte, Postkarten, Zeichnungen und Diapositive: Betritt man das Atelier von Eduardo Souto de Moura, dem Pritzker-Preisträger von 2011, sieht man sich einer Vielfalt von Bildern gegenüber, die an den Wänden in einen Dialog treten. Wie wirken sich diese Fotos, Zeichnungen und Illustrationen auf seine architektonische Entwurfspraxis aus? In welcher Relation steht das Bild zum fertigen Gebäude? Floating Images: Eduardo Souto de Moura’s Wall Atlas nimmt diese Fragen zum Anlass, sich dem visuellen Universum des Architekten zuzuwenden. Er hat Bilder aus seiner reichhaltigen Sammlung um Zeichnungen und Projektskizzen ergänzt und in diesem Atlas neu angeordnet. So bilden sich zwischen den einzelnen Darstellungen und Projekten komplexe Beziehungen. Essays von Pedro Bandeira, Eduardo Souto de Moura, Diogo Seixas Lopes und Philip Ursprung runden die Publikation ab und bieten eine kunst- und bildwissenschaftliche Kontextualisierung.

Jubiläen ermöglichen es, der Vergangenheit Gegenwart und Zukunft gegenüberzustellen. Für die Harvard University Graduate School of Design bedeutet das, Menschen, Ereignisse, Objekte und Ideen im Rahmen einer Geschichte der Institution darzustellen und ihr nun bereits 75 Jahre umfassendes kollektives Gedächtnis für die Designpraxis von morgen fruchtbar zu machen. Statt eine umfassende Geschichte der Institution zu erzählen, die ihrer Vielfalt und Vielschichtigkeit vielleicht nicht gerecht würde, versucht das Buch anhand einzelner Episoden besondere Momente und Ereignisse in Form journalistischer Beiträge aus der Vergangenheit darzustellen. Die Themen sind unter anderem Design als Forschung/Kritik, Stadt als Praxis/Form sowie die beständige/sich wandelnde Institution. Kurze Essays von Protagonisten der GSD beschäftigen sich mit aktuellen Tendenzen in Forschung und Lehre.

MOHSEN MOSTAFAVI, Architekt und Dozent, ist Dekan der Harvard Univeristy Graduate School of Design und hat die Alexander und Victoria Wiley Designprofessur inne. Er ist Herausgeber (mit Graham Doherty) von Ecological Urbanism.
PETER CHRISTENSEN ist Doktorand an der Harvard University Graduate School of Design und ehemals kuratorischer Assistent am Department of Architecture and Design des Museum of Modern Art, New York.

In den 1920er- und 30er-Jahren avancierte die Villa Foscari in Venedig, besser bekannt als «La Malcontenta», zu einem Treffpunkt für Intellektuelle, Künstler und Adlige wie beispielsweise Serge Diaghilev, Boris Kochno, Serge Lifar, Winston Churchill, Robert Byron, Diana Cooper und Le Corbusier. Es war eine Ära inspirierender Begegnungen von Aristokraten, der Avantgarde, Snobs und Intellektuellen, die mit dem Eintritt Italiens in den Zweiten Weltkrieg zu Ende ging. Antonio Foscari vollzieht diesen bewegten Abschnitt in der Geschichte des Gebäudes nach und erzählt von seinem damaligen Besitzer, Bertie Landsberg, und dessen Freunden Catherine de Rochegude, Baronin von Erlanger und Paul Rodocanachi, die die Villa nicht nur liebevoll renovierten, sondern sie erst zu diesem bewegten Ort machten. Ergänzt wird der Text durch zahlreiche Fotografien aus dieser aufregenden Zeit, die einen Eindruck davon vermitteln, was damals in der Villa geschah.

And Now the Ensemble! versteht sich als Aufforderung an Architekten, Bauherren und Behörden, Städtebau als dynamisches und kollektives Kunstwerk zu verstehen und zu gestalten, kurz: das Dialogische ins Zentrum des Entwurfs zu stellen. Durch seine Gestaltung, Stimmung und Nutzung kann jedes neue Haus eine Beziehung mit seiner lokalen Umgebung aufnehmen. Das Weiterweben als Entwurfsverfahren ahmt das urbane Muster nicht bloss nach, sondern interpretiert das Vorgefundene, modernisiert es moderat, verfremdet das Gewohnte mit Hilfe ungewohnter Stimmungsbilder und verwandelt schliesslich das gewachsene Durcheinander von Solisten in ein orchestriertes Ganzes.

Die Arbeiten von Sou Fujimoto entziehen sich der gängigen Kategorisierung. Der junge japanische Architekt steht für unkonventionelle Gebäude, die die üblichen Kriterien und Definitionen wie innen/aussen oder öffentlich/privat unterlaufen. Klare Einteilungen, beispielsweise zwischen Etagen und Räumen, werden durch seine komplexen Grundrisse und verschachtelten Strukturen gebrochen, die er – in Anspielung auf die Idee der Höhle – als «primitive Future» bezeichnet. Er erschafft damit Formen, die der spielerischen Interaktion zwischen Nutzer und Raum ver­pflichtet sind. Neben Privathäusern wie dem bekannten Haus N hat unter anderem seine Bibliothek für die Musashino Art University Bekanntheit erlangt. Darüber hinaus war er 2010 auf der Biennale in Venedig mit einem Entwurf für ein Wohnhaus vertreten.

Mit seinem persönlichen Sketchbook gewährt Sou Fujimoto Einblicke in seinen Entwurfsprozess. Anhand von Skizzen, Zeichnungen und Notizen wird nachvollziehbar, wie sich seine komplexen Konzepte auf dem Papier manifestieren und entwickeln.

SOU FUJIMOTO, geboren 1971 auf Hokkaido, Japan, etablierte 2000 das Architekturbüro Sou Fujimoto Architects. 2008 gewann er beim World Architecture Festival (WAF) den Preis für das «Gebäude des Jahres» in der Kategorie «Private House» und wurde 2012 mit einem RIBA International Fellowship ausgezeichnet. Kürzlich baute er für die Musashino Art University in Tokyo ein Museum und eine neue Bibliothek.

Anhand übergeordneter Themen der Landschaftsarchitektur (Landschaft, Park, Platz, Garten, Promenade, usw.) beschreibt Günther Vogt die theoretischen Grundlagen, die den erfolgreichen Projekten von Vogt Landschaftsarchitekten zugrunde liegen. Während der letzten Jahre hat das Büro internationale Projekte in Europa und den USA realisiert, darunter einen neuartigen Stadtpark für die Tate Modern in London (gemeinsam mit Herzog & de Meuron), einen «Allwettergarten» mit grosser poetischer Ausstrahlung beim Hyatt Hotel in Zürich (mit Meili, Peter Architekten), einen tropischen Innengarten für den Novartis Campus Basel (mit Diener & Diener) und das landschaftliche Umfeld der Allianz Arena in München (mit Herzog & de Meuron). Diese neue und erweiterte Fassung unseres Bestsellers dokumentiert auch kürzlich abgeschlossene Projekte wie die Gestaltung des öffentlichen Raums und des Strassenbilds des Athlete’s Village an den Olympischen Spielen in London 2012.

Luis M. Mansilla und Emilio Tuñón, zwei in Madrid ansässige Architekten, unterrichteten von 2008 bis 2010 im Rahmen der Jean Labatut Visiting Professorship an der Princeton School of Architecture. From Rules to Constraints ist nicht nur eine Sammlung von Studentenarbeiten, sondern eine umfassende Reflexion über das Unterrichten, das Planen, Geschichte und Urbanismus. Anhand dreier Projekte unterschiedlichen Massstabs untersucht das Buch die sozialen, politischen, geschichtlichen und umweltpolitischen Einschränkungen, mit denen Architektur zu tun hat, und kreiert so neue Arbeitsansätze. Die Publikation zeigt die Lehre und die eigene Planungsarbeit von Mansilla + Tuñón und stellt dadurch den Planungsprozess als ein kontinuierliches Gespräch zwischen dem Gebäude und seiner Umgebung, zwischen Freiheit und Grenzen sowie zwischen Festgelegtem und Offenem dar.

Mit Beiträgen von Stan Allen, Enrique Walker, Sarah Whiting und Augustin Perez Rubio und Fotografien von Dean Kaufmann, Luis Asín und Luis Baylón.

LUIS M. MANSILLA und EMILIO TUÑÓN sind international bekannt für ihre Forschung sowie für ihre einflussreichen Entwürfe und Gebäude. 2003 wurden sie mit dem spanischen Architekturpreis ausgezeichnet. 2007 erhielten sie den prestigeträchtigen Mies van der Rohe-Preis für das Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) in León, Spanien. Zu ihren aktuellen Arbeiten gehören das Museo de Collecciones Reales in Madrid, das Rathaus in Lalín und das internationale Kongresszentrum CICCM in Madrid. Luis M. Mansilla verstarb im Februar 2012 kurz vor Fertigstellung dieses Buches. Es ist somit eine der letzten Dokumentationen seiner Projekte und Ideen.

Authoring: Re-placing Art and Architecture stellt gängige Vorstellungen über die Beziehungen zwischen Kunst und Architektur infrage. Zwischen 2008 und 2010 hat David Adjaye zusammen mit Marc McQuade drei Seminare an der Princeton School of Architecture gehalten. Im Zentrum der Lehrveranstaltungen stand jeweils die Zusammenarbeit mit einem bedeutenden zeitgenössischen Künstler – mit Matthew Ritchie, Teresita Fernández und Jorge Pardo. Es wurden künstlerische Interventionen an drei sehr unterschiedlichen Orten realisiert: in New Jersey, dem Gowanus Canal, Brooklyn, und in Mérida, einer Stadt auf der Halbinsel Yucatán in Mexiko. In unterschiedlichen Versuchsanordnungen beschäftigten sich die Architekten und Künstler mit Erwartungen und Konventionen, die architektonischer Gestaltung und Repräsentation üblicherweise zugrunde liegen. Authoring: Re-placing Art and Architecture zeigt aktuelle Projekte von David Adjaye, Matthew Ritchie, Teresita Fernández und Jorge Pardo zusammen mit Gesprächen, Essays und Archivmaterial, die den Ort thematisieren, an dem sich Kunst und Architektur begegnen.

Mit Beiträgen von David Adjaye, Stan Allen, Alex Coles, Teresita Fernández, Dave Hickey, Sanford Kwinter, Jorge Pardo und Matthew Ritchie.

MARC McQUADE, geboren 1978, arbeitet als Architekt bei Adjaye Associates, New York.

Color Light Time beschäftigt sich mit dem aktuellen Werk des New Yorker Architekten Steven Holl, der seit mittlerweile fast drei Jahrzehnten mit entschiedener Konsequenz seine architektonische Position und Reflexion entwickelt. Sein Erfolg liegt in der skulpturalen Formgebung und dem Interesse an der Poetik von Raum, Farbe, Licht und Material begründet. Grundlegende Aspekte visueller Wahrnehmung, die in Holls Arbeiten eine wichtige Rolle spielen, werden in dem Buch mittels zahlreicher Abbildungen und dreier Essaytexte einer eingehenden Betrachtung unterzogen.

Der amerikanische Architekt Steven Holl gründete 1976 sein Büro Steven Holl Architects in New York. Bekannt wurde Holl vor allem durch das Kiasma Museum für zeitgenössische Kunst in Helsinki, Finnland aus dem Jahr 1988, sowie das Studentenwohnheim Simmons Hall am Massachusetts Institute of Technology aus dem Jahr 2003.

Während das Thema Gesundheit regelmässig auf der politischen Agenda erscheint, stellt sich die Frage, welche Ansätze es in Architektur, Stadtplanung und Landschaftsarchitektur gibt, die mit diesem Thema verbundenen Herausforderungen zu meistern. Imperfect Health behandelt die Komplexität heutiger Gesundheitsproblematiken und zeigt eine Vielzahl architektonischer und städtebaulicher Lösungen. Essays von Margaret Campbell, David Gissen, Carla C. Keirns und Sarah Schrank zeigen unterschiedliche Aspekte der Gesundheitsthematik im Kontext der Architektur auf. Darin geht es unter anderem um eine architektonische Theorie der Umweltverschmutzung, die Einflüsse des Kampfs gegen die Tuberkulose auf die Architektur der Moderne sowie um aktuelle Bezüge zwischen Allergien und gebauter Umwelt.

Herausgegeben wird das Buch vom CCA, Montreal, anlässlich der Ausstellung Imperfect Health. The Medicalization of Architecture, kuratiert von Giovanna Borasi, Kuratorin für zeitgenössische Architektur am CCA, und Mirko Zardini, Direktor des CCA.

Mit Beiträgen von Giovanna Borasi, Mirko Zardini, Carla C. Keirns, David Gissen, Margaret Campbell, Hilary Sample, Nan Ellin, Linda Pollak, Deane Simpson und Sarah Schrank.

Nach Written in Water (2002) ist dieses Buch die zweite Publikation, die Steven Holls legendären Aquarellen gewidmet ist. Vierhundert Aquarelle führen den kreativen Prozess dieses einflussreichen amerikanischen Architekten vor Augen und zeigen seine über viele Jahre hinweg entwickelte, höchst individuelle Arbeitsweise. Fotografien der realisierten Gebäude ergänzen die Aquarelle und erlauben es, den Prozess vom Entwurf bis zur Ausführung nachzuvollziehen.

Holl ist bekannt für seine skulpturale Architektur und seine virtuose Lichtführung. Die Aquarelltechnik ist das ideale Ausdrucksmedium für diese charakteristischen Merkmale seines Werks. Unter dem Gesichtspunkt sich wandelnder Arbeitstechniken im Bereich der Gestaltung stellen die Aquarelle faszinierende Beispiele für ein «Lowtech»-Verfahren dar. Holl kann sich auf seine Inspiration und seine Wahrnehmung konzentrieren. Das Ergebnis ist immer ein originäres Kunstwerk. Die die Aquarelle begleitenden Fotografien der realisierten Gebäude heben den wesentlichen Aspekt des Massstabs hervor.

Dan Graham, einer der bedeutendsten US-amerikanischen Künstler der Gegenwart, ist heute vor allem für seine bildhauerischen Werke und Installationen bekannt. Seine fotografischen Arbeiten stehen meist weniger im Fokus, dabei erlangte er erstmals Mitte der 1960er-Jahre Berühmtheit mit der Fotoserie Homes for America mit Aufnahmen amerikanischer Vorstadtsiedlungen. Bis heute nimmt das Thema der Architektur und ihrer Oberflächen im Kontext der Alltagskultur der Postmoderne eine herausragende Stellung in seinem Werk ein. Das Buch zeigt neue Fotografien Dan Grahams zusammen mit Originalaufnahmen aus Homes for America. Die neuen Aufnahmen weisen starke Bezüge zu den alten auf, sie wurden an denselben Orten, in denselben suburbanen Strassen- und Häuserwüsten aufgenommen. So entsteht ein faszinierend vielschichtiges Bezugssystem aus Wiederholungen und Differenzen, in zeitlicher wie auch räumlicher Hinsicht, begleitet von Kommentaren des Künstlers.

Five North American Architects stellt fünf bedeutende Architekturbüros aus den USA und Kanada vor, für deren Arbeit und Formfindung handwerkliche sowie klimatische Aspekte eine wichtige Rolle spielen. Sie alle legen grossen Wert auf die taktilen Qualitäten der verwendeten Materialien, ebenso wie auf den Einfluss des Lichts auf die architektonische Form.

Das mit Liebe zum Detail gestaltete Buch bietet einen umfassenden Überblick über die jüngsten Arbeiten von Steven Holl (New York), Rick Joy (Tucson), John und Patricia Patkau (Vancouver), Stanley Saitowitz (San Francisco) sowie Brigitte Shim und Howard Sutcliffe (Toronto).

Vor dem Hintergrund der aktuellen nordamerikanischen Architektur werden auch regionale Eigenheiten der Projekte beleuchtet, was einen Überblick über den aktuellen Architekturdiskurs dort ermöglicht.

Das Architekturbüro Gigon/Guyer hat seit seiner Gründung 1989 eine eindrucksvolle Serie von Projekten konzipiert. Zu den wichtigsten Realisationen zählen Museumsbauten, Wohnbauprojekte und Bürobauten. Ein vielbeachtetes Projekt ist der kürzlich fertiggestellte Prime Tower mit Annexbauten auf dem Maag-Areal Zürich.

Die Monografie erlaubt einen geschärften Blick auf die Architekturauffassung von Annette Gigon und Mike Guyer. Die verschiedenen Konzepte sowie die unterschiedlichen Konstruktions-, Material-, Form- und immer wieder auch Farbanwendungen in ihren Projekten werden in einer ausführlichen Werkdokumentation mit zahlreichen Fotos, Plänen und Kurztexten dargestellt. Die drei Essays sowie ein Gespräch mit Patrick Gmür und Martin Steinmann und den Architekten bieten eine vertiefende Reflexion und Kontextualisierung.

Mit Beiträgen von Gerhard Mack, Arthur Rüegg und Philip Ursprung

Design: Gigon/Guyer mit Integral Lars Müller

Wir sitzen auf ihnen, schreiben mit ihnen, fahren auf ihnen, hören mit ihnen Musik oder leben in ihnen. Die Möbel, Produkte und Raumgestaltungen des im Jahr 2008 verstorbenen Schweizer Gestalters Hannes Wettstein prägen unseren Alltag und das Designverständnis unserer Zeit, ob nun in Form eines Kugelschreibers der Marke Lamy, einer Uhr der Firma Nomos oder als Konzept für das Hotel Grand Hyatt in Berlin. Mit Hannes Wettstein Seeking Archetypes wird sein Lebenswerk nun erstmals in einer Monografie dokumentiert. Das Buch zeigt Bilder aus der Welt dieses Ausnahmegestalters – Arbeiten, Skizzen und persönliche Gegenstände. Ihre Vielfalt macht die Essenz seines Schaffens spürbar. Ein Werkverzeichnis bietet Überblick über das Gesamtwerk. Ergänzt durch Zitate Wettsteins, Anekdoten aus seinem Leben, Essays sowie Statements von Persönlichkeiten aus der Design- und Architekturszene, zeichnet dieses Buch das Porträt eines aussergewöhnlichen Gestalters.

Mit Essays von Max Küng und Volker Albus und einer Textcollage von Thomas Haemmerli

Design: Prill Vieceli Cremers

Die Oberfläche ist ein Aspekt, der seit Beginn der Moderne von der Architektur vernachlässigt wurde, so die These von Gregor Eichinger. Eine Tendenz zur Vereinfachung, zur Reduktion auf den abstrakten Raum und das Material sei der Grund dafür, dass das Thema bis heute geringe Priorität geniesst.

Auf der Basis seiner Forschung an der ETH Zürich plädiert er für eine ernsthafte Auseinandersetzung mit dieser Fragestellung. In einem intensiven Gespräch zwischen Eichinger und dem Architekten Eberhard Tröger werden unter anderem die Fragen behandelt, was Architektur mit Alchimie zu tun hat, warum eine gute Bar eine Skizze sein muss, wie man Ornamente liest, warum wir unseren Blick nicht mehr zur Decke heben, wie Architektur aus dem Inneren entsteht und vieles mehr. Der Text dieses Gespräches ist assoziativ mit verschiedenen Zitaten verknüpft und wird durch eine Bildstrecke ergänzt, die sich mit dem Verhältnis zwischen der Oberfläche der Architektur und dem Menschen beschäftigt.

Design: Ecke Bonk

Die Strasse ist ein öffentlicher Raum, der uns so vertraut ist, dass wir ihn kaum bewusst wahrnehmen. Strassenräume stellen Alltagsräume dar, die in jeder Kultur auf ihre spezifische Art und Weise genutzt werden. Das Buch zeigt sowohl die vielfältigen Nutzungen als auch die unterschiedlichen Weisen, wie die Qualität öffentlicher Räume je nach kulturellem, politischem oder ökonomischem Hintergrund sichtbar wird. Bildstrecken zeigen die Einzigartigkeit und Qualität dieser Räume in den vier Städten im interkulturellen Vergleich.

Versuche das Glück im Garten zu finden stellt in acht reich bebilderten Essays «Paradiese» vor, die auf individuellen und kollektiven Handlungen basieren: unter anderem Gemeinschaftsgärten in Berlin, Kriegsgärten im Irak, Gebetsteppiche von Muslimen und Eruvs – Zäune, die ein jüdisches Wohngebiet umgeben und ermöglichen, eine Sabbatregel zu umgehen. Weitere Beiträge widmen sich dem vermeintlichen Paradies, dem gutgläubige Kreditnehmer erliegen, oder dem Whole Earth Catalog aus den 1970er-Jahren, den man als frühen Vorläufer der Web-Suchmaschinen bezeichnen könnte. Franziska Bark Hagen und die in dem Buch vertretenen Autoren suchen Lokalitäten auf, an denen die Handlungs- anweisungen von gärtnernden Soldaten, betenden Muslimen und aktionistischen Gärtnern das Paradies als die ultimative Utopie vom perfekten Leben immer wieder neu entstehen lassen.

In der zeitgenössischen Architektur ist «Landform Building», das Einbeziehen des Geländes in den Gestaltungsprozess, mehr als nur eine formale Strategie. Neue technische Möglichkeiten und die Forderung nach einer besseren Umweltverträglichkeit lassen zunehmend auch die Landschaft in den Fokus der Architekten treten.

Landform Building bietet einen umfassenden Überblick über das Thema und dokumentiert aktuelle Projekte mit zahlreichen Abbildungen und Plänen. Vorgestellt werden Projekte u.a. von Iñaki Ábalos, Tacita Dean, Steven Holl Architects, Junya Ishigami, Toyo Ito, Tsunehisa Kimura, Atelier Peter Kis, Mansilla+Tuñón, Michael Maltzan, Adam Maloof+Situ Studio, Giancarlo Mazzanti, Walter Niedermayr, Ryue Nishizawa, Dominique Perrault, Philippe Rahm und Chris Taylor. Die Essays sowie Gespräche zwischen ausgewiesenen Experten zum Thema runden dieses Referenzwerk ab.

Mit Beiträgen von Stan Allen, Michael Jakob, Kenneth Frampton, Reyner Banham, David Gissen u.a.

Die Inseln Naoshima, Teshima und Inujima, im japanischen Seto-Inlandsee gelegen, sind Pilgerstätten für Freunde der zeitgenössischen Kunst und Architektur. Neben Werken im öffentlichen Raum und ortsspezifischen Installationen finden sich dort zahlreiche Museen und Sammlungen aktueller Kunst. Unter anderem gibt es Bauten der Architekten Kazuyo Sejima und Ruye Nishizawa (SANAA), Tadao Ando und Hiroshi Sambuichi, sowie Werke von Künstlern wie Richard Long, Christian Boltanski und Mariko Mori.

Das Buch bietet eine umfassende Dokumentation dieser einzigartigen, im japanischen Binnenmeer gelegenen Kulturlandschaft. Die Aufnahmen des holländischen Fotografen Iwan Baan, die vom kleinen Detail bis zum grossen Panorama reichen, ergeben ein umfassendes Porträt der Inseln mit ihren fliessenden Übergängen zwischen Natur, Kunst und Architektur. Zahlreiche Textbeiträge stellen die einzelnen Orte und Projekte vor, die dort permanent zu besichtigen sind oder temporär stattgefunden haben. Die Essays beschäftigen sich unter anderem mit der Geschichte und den historischen Vorläufern dieser Inseln, mit Architektur und Kunst im Kontext dieser einzigartigen Landschaft und mit der Insel als kulturellem Konzept und Phänomen.

Mit Fotografien von Iwan Baan

Wie sieht die heutige architektonische Praxis und ihre Zukunft aus? Nach dem Platzen der Finanzblase haben sich die Lebens- und Arbeitsbedingungen signifikant verändert. In Essays, Studien und Interviews sowie anhand einer Auswahl von Projekten, die für diese neuen Bedingungen bezeichnend sind, werden die konkreten Probleme des Wachstums und der Schrumpfung, der Ökonomie und der Ideologie, des Handwerks und des sozialen Raums in der Stadt, der Materialität und der Nachhaltigkeit in der Architektur behandelt. In einer logischen Folge vermitteln sie ein Bild der derzeitigen Realität der Architektur. 

Mit Beträgen von Iñaki Ábalos, Solano Benitez, Alexander Brodsky, Isabel Concheiro, Frederick Cooper Llosa, Hans Ibelings, Krunoslav Ivanisin, Julio Martinez Calzon, Josep Lluís Mateo, Richard Sennett, Wang Shu und Ramias Steinemann

Der Aga Khan Award for Architecture wird seit 1977 von Seiner Hoheit dem Aga Khan gestiftet, um herausragende Leistungen im Bereich Architektur und anderer Arten von baulicher Intervention in Gegenden mit muslimischer Bevölkerung zu fördern. Die Auszeichnung wird alle drei Jahre verliehen. Berücksichtigt werden Formen von Architektur, die positive Auswirkungen auf die gebaute Umwelt unserer Zeit haben. Kleinere Projekte werden dabei ebenso berücksichtigt wie Bauten im grossen Format.

Das Buch präsentiert die 19 Projekte der engeren Auswahl einschliesslich der fünf Preisträger. Alle gezeigten Projekte sind höchsten Gestaltungsansprüchen verpflichtet, ganz gleich, ob sie finanziellen, materiellen, klimatischen, technologischen oder politischen Einschränkungen unterliegen.

Mit Texten von Omar Abdulaziz Hallaj, Salah M. Hassan, Gökhan Karakus, Yu Kongjian, Hanif Kara, Farshid Moussavi, Souleymane Bachir Diagne, Alice Rawsthorn

Design: Irma Boom

Die Zürcher Architekten Fuhrimann Hächler nehmen sich verschiedensten Bauaufgaben an. Der vorliegende Band widmet sich im Besonderen den privaten Wohnhäusern, die sie für Bauherren realisiert haben, die meist auch in der Architektur- und Kunstszene zuhause sind. Die Wohnbauten bestechen durch Klarheit und Einfachheit der Baumaterialien, ökonomisch effektive Konstruktionen mit haptisch sinnlichen Oberflächen und fliessende Raumübergänge. Hervorragende Beispiele ihrer Architektur sind das Haus Presenhuber in Vnà (2007), das Haus Müller Gritsch in Lenzburg (2007) und ihr eigenes Wohnhaus in Zürich (2003).

Mit Beiträgen von Hubertus Adam, Kurt W. Forster, Gianni Jetzer, Marie Theres Stauffer und den Architekten

Mit Fotografien von Valentin Jeck

Design: norm

Auf der Suche nach Möglichkeiten, einen ungestalteten Ort, ein unbestimmtes Gelände in eine Landschaft zu verwandeln, forschen Günther Vogt und sein Team mit grosser Leidenschaft. Dabei wollen sie sich nicht nur auf angelesenes Wissen verlassen. Sie gehen hinaus in die Landschaft, zu allen Jahres- und Tageszeiten, und befragen das, was sie dort sehen. Sie lassen in ihre Studien Kunst und Wissenschaft einfliessen und setzen mit den gleichen Werkzeugen ihre Landschaftsgestaltung um. Der Prozess beginnt in der Landschaft und endet mit einer Landschaft. Die Exkursionen beginnen aus Neugierde, fangen damit an, dass die Landschaftsarchitekten etwas sehen, hören oder gelesen haben. Vor diesem Hintergrund erkunden sie unter anderem Befestigungsanlagen in Frankreich, den Hochrhein in der Schweiz und Nationalparks in England. Die Ergebnisse ihrer Begehungen, Forschungen und praktischen Umsetzungen finden Eingang in diese Publikation. Distanz und Engagement knüpft an Miniatur und Panorama an und zeigt Ergebnisse der Arbeit von Vogt Landschaftarchitekten und gewährt Einblick in ihre Arbeitsmethode.

Exotische Bäume in England und Regenwald in Zürich, ein Saatgutlager auf Spitzbergen und urbane Landwirtschaft in Tansania, Handel mit alten Bäumen in China und Biodiversität im Senegal – Baumschule. Kultivierung des Stadtdschungels zeigt die vielfältigen Beziehungen zwischen Mensch und Natur am Beispiel der weltweiten Pflanzenproduktion auf. Unter diesem Aspekt untersuchen zahlreiche Essays und Reportagen aktuelle Phänomene wie die Wüstenbildung im Sahel, Begrünungsprogramme in Shanghai oder die Entstehung von Dachgärten in London. Reiseberichte aus Europa, Afrika und Asien illustrieren, auch unter Berücksichtigung wirtschaftlicher und historischer Hintergründe, den bedeutenden Einfluss von Baumschulen auf die Stadt- und Landschaftsplanung.

Was Orte sind, Objekte und Räume, scheint bekannt. Wir verlassen uns auf metrisch Vermessenes. Wir setzen auf historische, kunstwissenschaftliche, architektonische, städtebauliche Informationen. Was aber bestimmt darüber hinaus unsere körperliche, emotionale und imaginative Erfahrung im Raum? Wie kommen atmosphärische Wirkungen zustande? Wir wissen, dass sich individuelle Wahrnehmungen je nach Erinnerungen, Ereignissen, Spuren, die einem Raum zugehören, drastisch ändern können. Doch wie lesen und konstruieren wir die Überlagerung realer und imaginativer Schichten räumlicher Komplexität? Ein Buch zur atmosphärischen Raumerfahrung.

In dieser reichen Sammlung an Schriften und Kritiken des Bauingenieurs Guy Nordenson, der an der Princeton University lehrt, sind Essays über Bautechnik, Architektur, Gestaltung und seismische Untersuchungen zusammengestellt, die ursprünglich zwischen 1972 und 2009 veröffentlicht wurden.

All diese Essays aus mehr als drei Jahrzehnten bieten die einzigartige Perspektive des Bauingenieurs und Mitgestalters und damit einen zusätzlichen Kontext, der sich nicht nur auf die Geschichte der Architektur und Bautechnik bezieht, sondern diese Bereiche in einen grösseren kulturellen Bedeutungszusammenhang einbindet. In seinen Schriften, die ursprünglich von Publikationen wie The New York Times, Domus, The Harvard Design Magazine, Perspecta, Lotus, Earthquake Spectra und vom MoMA für seinen Ausstellungskatalog Tall Buildings in Auftrag gegeben wurden, befasst Nordenson sich mit einer grossen thematischen Bandbreite, die Darlegungen über Fragen der Seismizität ebenso umfasst wie bautechnische Verfahren und Technologien, Architekturkritik und die Bedeutung der Zusammenarbeit in Fragen der Gestaltung. Auch die Metaphorik hoher Gebäude, die Gestaltung des Ground Zero nach demokratischen Prinzipien und die Geschichte und Theorie der Bautechnik werden behandelt. Diese Zusammenstellung ist eine wunderbare Betrachtung über Nordensons bisherige Laufbahn und die Entwicklungen in der Bautechnik, die diesem Bereich eine neue Bedeutung gegeben haben.

1960 wurde in Brasilia die Verwirklichung einer städtebaulichen Vision nach Entwürfen von Lúcio Costa und Oscar Niemeyer gefeiert, gleichzeitig wurde nach Plänen von Le Corbusier die Sektoren-Stadt Chandigarh gebaut. Der Export der Moderne, die Retorten-Stadt, entsprang einer westlichen Planungseuphorie mit utopischen Zügen. In beiden Städten ist die fremde Architektur mit den einheimischen Kulturen in Einklang gekommen und eigenständige Identitäten haben sich gebildet. Das Buchprojekt geht der Frage nach, wie in den beiden Städten die Aneignung der Moderne erfolgt ist, wie die Menschen damit leben und umgehen. Es werden Gemeinsamkeiten und Unterschiede aufgespürt und ein Bild des urbanen Alltags gezeigt. Auf Initiative des Verlegers hat der junge Fotograf Iwan Baan eine aktuelle Bestandesaufnahme des Lebens in den beiden Städten vorgenommen.

Mit kommentierenden Essays von Cees Nooteboom zu den Fotografien und Martino Stierli zur Architektur und Planungsgeschichte.

Es war kein Zufall, dass Louis Kahns Eintritt ins Rampenlicht seiner Profession mit der Krise der modernen Architektur zusammenfiel: Sein Werk stand in zunehmendem Masse für die Aspekte des Raums, die der Modernismus so eifrig aus seinem Programm entfernt hatte. Kahns Neukonzeption des Raumparadigmas der modernen Architektur gehört zu seinen bedeutendsten Beiträgen zu seinem Metier. Spüren wir der Genese des unrealisiert gebliebenen Projekts für das Mutterhaus der Dominikanerinnen (1965–1969) in Pennsylvania nach, können wir aus nächster Nähe mitverfolgen, wie Kahn sich mit einigen fundamentalen Fragen des architektonischen Raums befasst, wie er nach den Quellen der Bedeutung des architektonischen Raums in seinen gesellschaftlichen, morphologischen, landschaftlichen und kontextuellen Dimensionen sucht. Dieses reichhaltige und multivalente Projekt öffnet den Weg zu einer zweiten Darstellung, die in einer zeitgemässen Neubewertung seines Werks neues Licht auf verschiedene seiner bedeutenden Werke wirft.

Dieser preisgünstige Band, das Ergebnis umfangreicher, mit unveröffentlichtem Archivmaterial und neuen analytischen Zeichnungen illustrierten Untersuchungen, ist ein unentbehrliches Pendant zu Louis Kahn: Drawing to Find Out.

Wie nur wenige andere kultivierte Louis Kahn das Zeichnen als ein architektonisches Werkzeug. Seine eigenen Entwurfszeichnungen – experimentelle Skizzen ebenso wie Architekturzeichnungen im eigentlichen Sinne – sind in der Architektur des 20. Jahrhunderts einzigartig. Mehr als zweihundert – zumeist unveröffentlichte – Zeichnungen Kahns und seiner Mitarbeiter sind mit einem lebendigen und kenntnisreichen Kommentar zu einer intimen Biografie einer architektonischen Idee zusammengewoben. Die Zeichnungen entfalten sich um das zur Ikone gewordene Projekt des Mutterhauses der Dominikanerinnen (1965–1969) in Pennsylvania und bilden eine Erzählung, die nicht nur den Reichtum und die verborgenen Dimensionen dieses unrealisiert gebliebenen Meisterwerks offenbart, sondern bezwingende Einblicke in die reife Gestaltungskultur Louis Kahns bietet. Kahn, der lange als ein «Architekt für Architekten» betrachtet wurde, tritt als eine lebendige und instruktive Leitfigur zutage, die Reflexionen über Fragen in Gang setzt, die bis heute relevant geblieben sind: Wie wird ein Werk konzipiert? Wie kann es wahrgenommen werden? Wie wird es zum Bestandteil der menschlichen Erfahrungswelt? Die Zeichnungen faszinieren nicht nur durch ihre Schönheit, sie eröffnen eine neue und stimulierende Perspektive auf einen der grossen Architekten des letzten Jahrhunderts.

Auch nach den Jubiläumsfeiern zu Andrea Palladios 500. Geburtstag gibt es noch viele offene Fragen zum Werk des Architekten. Antonio Foscari zeichnet Palladios Leben nach und eröffnet neue Perspektiven auf dessen gebaute und unrealisierte Werke. Der Autor zeigt ein Venedig, das sich von dem uns bekannten wesentlich unterscheidet: eine Stadt, die sich von der einflussreichen mittelalterlichen (Bau-)Kultur löst, und in die Neuzeit aufbricht.

Übersetzt von Lucinda Byatt

Auf Hamarøy, im Norden Norwegens, hat Steven Holl ein Dokumentationszentrum für den norwegischen Schriftsteller Knut Hamsun (1859–1952) errichtet. Das eigenwillige Bauwerk reflektiert die nicht minder aussergewöhnliche Persönlichkeit des Dichters. Das Zentrum in der kargen Landschaft Hamarøys, in der Hamsun gelebt und gearbeitet hat, die Stille und Einsamkeit, fordern auf, sich auf ihn und sein Werk einzulassen. Das Buch dokumentiert die Verbindung zwischen Hamsun, der Architektur und der Landschaft. Der Fotograf Iwan Baan setzt die Landschaft und das Gebäude in Beziehung zueinander und historische Dokumente veranschaulichen Hamsuns widerspruchsvolles Leben und das einflussreiche Werk, u.a. den Roman Hunger (1891), mit dem Hamsun literarischen Weltruhm erlangte. 1920 wurde er mit dem Literaturnobelpreis ausgezeichnet.

Mit Fotografien von Iwan Baan

Mit dem Ziel alternative und nachhaltige Formen der Stadtplanung zu entwerfen, fragt dieses Buch: Was sind die Hauptkriterien einer ökologischen Stadtplanung? Wie wären diese zu organisieren? Und welche Rolle spielen Design und Planung in diesem Prozess? Während den Themen Klimawandel, nachhaltige Architektur und grüne Technologien viel Aufmerksamkeit geschenkt wird, sind Ansätze zur ökologischen Stadtplanung bisher weit weniger verbreitet.
Der Publikation liegt die Überzeugung zugrunde, dass ein ökologischer Ansatz dringend nötig ist, um die heutige Situation zu verbessern und Ordnungsprinzipien für zukünftige Stadtgestaltung zu entwickeln. Dabei kann Design als Bindeglied dienen zwischen Ökologie und einer Stadtplanung, die nicht im Gegensatz zu ihrer Umwelt steht. Das Buch bringt Designer, Ökonomen, Ingenieure, Künstler, politische Entscheidungsträger, Umweltforscher und Fachleute aus dem Gesundheitswesen zusammen, um ein profunderes Verständnis für eine ökologische Stadtplanung zu entwickeln.

Mit Beiträgen von Homi Bhabha, Stefano Boeri, Chuck Hoberman, Rem Koolhaas, Sanford Kwinter, Bruno Latour, Nina-Marie Lister, Mohsen Mostafavi, Matthias Schuler, Sissel Tolaas, Charles Waldheim u. a.

ecologicalurbanism.gsd.harvard.edu

Wir erleben heute eine neu erwachte Begeisterung für die Weltraumforschung; wissenschaftliche Expeditionen, Satellitenstarts und die Entstehung des Raumtourismus drängen uns zu einer Neubesinnung unserer Beziehung zu unserem Planeten.

Other Space Odysseys hat nichts mit Raumarchitektur oder Architektur im Weltraum zu tun. Hier werden weder Hightech-Architektur und  Animationen noch extreme körperliche und mentale Lebensbedingungen in leuchtenden Farben beschrieben. Vielmehr spricht sich dieses Buch für die Abkehr von einer Architektur aus, die als eine Produktion materieller Güter verstanden wird, und für eine Hinwendung zu einer Architektur, die Ideen produziert.

Wie kann das Nachdenken über den Weltraum zu neuen Perspektiven mit Blick auf die Erde führen? Greg Lynn, Michael Maltzan und Alessandro Poli präsentieren verschiedene Wege, die Antworten auf diese Frage liefern können. Ihre realen und virtuellen Odysseen verheissen letzten Endes nichts anderes als eine Neuentdeckung unserer eigenen Welt.

Bald werden mehr als zwei Drittel aller Menschen in Städten leben und die Zahl der immer mobiler werdenden Menschen, die mühelos zwischen den Metropolen pendeln, wächst kontinuierlich. Verschiedene Städterankings wählen jährlich weltweit die «Top Ten» der Städte. Aber was macht eine Stadt wirklich lebenswert? Auf diese Frage geben die Rankings nur unzureichend Antwort. Ihre ökonomisch ausgerichteten, quantitativen Kriterien sind oft aus dem Kontext gerissen und erscheinen als die einzig ausschlaggebenden, allgemein erwünschten Lebensqualitäten der Stadt. Persönliche Erfahrungen sind aber vielschichtiger. Die Autoren haben zunächst die gängigen Städtebewertungen hinterfragt, um anschliessend Stadtszenen aus dem Alltag zu analysieren und Kriterien zu entwickeln, mit deren Hilfe urbane Lebensqualitäten auch unter emotionalen, «weichen» Aspekten rational betrachtet werden können. Das Ergebnis sind 50 Kriterien mit einem Fragenkatalog. Der Leser ist aufgefordert aktiv über seine eigenen Kriterien der städtischen Lebensqualität nachzudenken. Essays der Forscher beleuchten den wissenschaftlichen Hintergrund. Mit Beiträgen von Kurt Aeschbacher, Martina Baum, Andres Bosshard, Regina Bittner, Mathis Güller und Michael Güller, André Vladimir Heiz, Margit Kaiser, Sébastien Proulx, Denis Rioux, Walter Schenkel, Renato Soldenhoff, Regula Stämpfli und Brigit Wehrli

Mit Beiträgen von Kurt Aeschbacher, Martina Baum, Andres Bosshard, Regina Bittner u.a.

Snøhetta ist ein führendes Architektenteam mit Sitz in Oslo und New York. Diese erste dokumentierende Publikation umfasst und illustriert die wichtigsten laufenden und abgeschlossenen Projekte der seit 15 Jahren international tätigen Architekten. Dazu gehören unter anderem die Bibliothek von Alexandria (2002), das New Opera House in Oslo (2008) und das Gateway Projekt in Ras Al-Khaimah, Dubai.
Im Mittelpunkt der Arbeiten und Projekte von Snøhetta stehen der Austausch und die Zusammenarbeit zwischen verschiedenen Disziplinen. Grossen Wert wird auf die Verbindung der Landschafts- und Innenarchitektur mit der Architektur gelegt. Jedes Projekt wird nach den grundlegenden Aspekten von Ort, Landschaft und Kontext neu betrachtet und diskutiert, um das Entdecken und Erarbeiten von Lösungen zu ermöglichen.
Die Verflechtung der Disziplinen bezieht lokal und international bekannte Künstler in die Projektentwicklung ein. Die frühzeitige Zusammenarbeit mit Künstlern ist auch Ausdruck der Neugier und kreativen Offenheit des international erfolgreichen und wegen seiner fortschrittlichen Arbeitsbedingungen geachteten Büros.

In Ideas and Integrities (1963) erläutert Buckminster Fuller eine Vielzahl seiner Erfindungen, darunter den Geodesic Dome, die Dymaxion Weltkarte und das Dymaxion 4-D Haus. Er entwickelt überraschende und herausfordernde Ideen einer zukünftigen Welt, die alles revolutionieren würden, von der Schulausbildung bis zum Alltagsdesign, und die vor allem zeigen, wie und warum wir die vorhandenen Ressourcen effektiver nutzen müssen, um zu überleben und einen besseren Lebensstandard für alle Menschen zu ermöglichen.

On Education, das Buch auf dem die vorliegende Publikation basiert, versammelt eine Reihe von Essays, in denen sich Buckminster Fuller den Themen Bildung und Ausbildung widmet; darunter seine prophetische Schrift Education Automation von 1962, in der er in brillanter Weise aufzeigt, warum es angesichts der anstehenden Umwälzungen in der Informationstechnologie notwendig ist, ein neues Verständnis vom Lernen zu entwickeln.

Das Buch versammelt Essays von Wissenschaftlern und Künstlern aus den Bereichen Kunst, Kunstgeschichte, Architekturtheorie und Philosophie. Die Essays basieren auf Vorträgen, die im Juni 2008 auf einem Symposium in Kopenhagen gehalten wurden und beschäftigen sich mit grundlegenden Überlegungen zur Wahrnehmung: Wenn Werke der Kunst und der Architektur von Designern geschaffen und vom Publikum betrachtet werden, ergeben sich wesentliche Fragen in Bezug auf ihre Erscheinung. Dies sind nicht nur einfache Fragen nach dem, was sichtbar ist, sondern vor allem auch nach dem, was unsichtbar bleibt und sich uns beim Schaffen und Erleben der Werke entzieht. Wie gehen wir mit dem Verborgenen, das sich der Konkretisierung entzieht, um? Welche schöpferischen Paradoxa werden damit in Verbindung gebracht und wie beeinflussen sie den Schaffensprozess? Auf Grundlage vielfältiger Abhandlungen zu diesen Themen zeigen zeitgenössische Positionen in der Kunst, der Architektur und der Philosophie neue Herausforderungen, vor allem in Bezug auf kreative Verfahren, auf. Innerhalb und zwischen diesen Positionen entstehen Potenziale für neue sensible Denk- und Arbeitsweisen.

Mit Beiträgen von Michael Asgaard Andersen und Henrik Oxvig, Renaud Barbaras, Andrew Benjamin, Olafur Eliasson, Sanford Kwinter, David Leatherbarrow, Martin Seel, David Summers und Sven-Olov Wallenstei

Das Erscheinungsbild der heutigen Städte entspricht einem hybriden Gebilde, dessen Strukturen auf mehrschichtigen, teilweise auch widersprüchlichen Ordnungsprinzipien beruhen. Als komplexe Geflechte aus geografischen, historischen, ökonomischen, politischen und kulturellen Segmenten befinden sie sich in einem unaufhörlichen Prozess der Differenzierung.
Wie lassen sich nun solche dynamischen Abläufe erfassen? Insbesondere die komplexen Beziehungen zwischen den Individuen, die durch ihre Interaktionen und Bewegungen Spuren im urbanen Raum hinterlassen?
Diese Publikation eröffnet Architekten, Stadtplanern und Laien, die sich für Stadtplanung und -entwicklung interessieren, einen neuen Ansatz, ein Instrument, um den sich ständig verändernden urbanen Raum zu betrachten und zu verstehen. Mithilfe der thematischen Folien ist es möglich, verschiedene Realitäten der Stadt in Schichten übereinanderzulegen, um neue urbane Verbindungen zu schaffen, und so in die Komplexität unserer Städte einzutauchen.

Mit Beiträgen von Catherine Ingraham und Keller Easterling

Der Roboter baut! Die Architekten Gramazio und Kohler haben an ihrem Lehrstuhl für Architektur und Digitale Fabrikation an der ETH Zürich eine weltweit einzigartige Forschungsanlage installiert. Sie basiert auf einem computergesteuerten Industrieroboter, der ausgehend von Entwurfsdaten direkt Bauelemente herstellt. Der Roboter arbeitet dabei flexibel mit unterschiedlichsten Werkzeugen und Materialien. Gramazio und Kohler ergründen das zukunftsträchtige Potential digitaler Entwurfs-, Konstruktions- und Fabrikationsmethoden für die Architektur. In ihren eigenen Projekten integrieren die Architekten Erkenntnisse aus der computergestützten Produktion in den architektonischen Entwurfsprozess. Am Computer entwickeln sie innovative Architektur und Bautechniken. es sind bereits erste Bauwerke mit Hilfe des Roboters entstanden, wie die Fassade des viel beachteten Weinguts Gantenbein in Fläsch (CH) oder die Installation im Schweizer Pavillon an der 11. Architekturbiennale in Venedig.

Die Veröffentlichung der Pläne des Dymaxion House machte Buckminster Fuller 1929 schlagartig in der amerikanischen Architektenszene bekannt. Es war ein kompromissloser Entwurf von sensationeller Neuheit: Die Wohnfläche mit sechseckigem Grundriss war an einem zentralen Versorgungsmast aufgehängt, die Aussenwände waren verglast und der mehrstöckige Innenraum war vollklimatisiert. Der Mast enthielt alle Versorgungseinheiten für das autonom gedachte Haus. Die Innenräume wurden von Fuller nach den modernsten Einrichtungsstandards ausgestattet. Das 150 qm grosse Haus wog nur drei Tonnen, kostete nicht mehr als ein Auto und sollte jederzeit und überall auf- und abbaubar sein.

Mit einem Vorwort von Mark Wigley

Utopia or Oblivion ist ein provokativer Entwurf für die Zukunft. Dieser umfangreiche Band beinhaltet Essays, die aus seinen weltweit während der 1960er-Jahre gehaltenen Vorträgen hervorgegangen sind. Fuller war davon überzeugt, dass die Menschheit zum ersten Mal in ihrer Geschichte die Möglichkeit hat, eine Welt zu schaffen, in der die Bedürfnisse aller Menschen erfüllt werden. «Das ist, was Menschen geneigt sind Utopie zu nennen. Auch wenn es nur ein unzureichender Begriff ist, um die aussergewöhnliche und neue Freiheit zu beschreiben, die der Mensch im Verhältnis zum Universum gewonnen hat – die Alternative dazu wäre in Vergessenheit zu geraten.» R. Buckminster Fuller

And It Came to Pass – Not to Stay versammelt eine Auswahl herausragender lyrischer und philosophischer Texte von Fuller, die u.a. sieben Essays in seinem bekannten Prosa-Stil beinhalten, die sich ebenfalls mit der gegenwärtigen globalen Krise und seinen Prognosen für die Zukunft beschäftigen. Essays wie How Little I Know, What I Am Trying to Do, Soft Revolution und Ethics stellen die Aufgabe eine neue Ära der Menschheit einzuläuten in den Kontext der Idee, stets von dem gesamten Universum auszugehen. In seltener Form verknüpft Fuller hier elegant Persönliches, Spielerisches, Einfaches und Profundes miteinander.

Operating Manual for Spaceship Earth, eines seiner berühmtesten Werke, ist eine brillante Synthese seiner Weltanschauung. In diesem eingängigen Band untersucht er die grossen Herausforderungen mit denen die Menschheit konfrontiert ist. Wie wird die Menschheit überleben? Wie beeinflusst die Automatisierung die Individualisierung? Wie können wir unsere Ressourcen effektiver nutzen, um ein Ende der Armut in dieser Generation umzusetzen? Er hinterfragt das Konzept der Spezialisierung, verlangt eine Design-Revolution bei Neuerfindungen und gibt Hinweise wie das «Raumschiff Erde» in eine nachhaltige Zukunft zu steuern ist.

Metropolregionen sind ein derzeit viel diskutiertes Phänomen. In der Forschung werden die Grundlagen für das Verständnis der Rolle der Metropolregionen mit ihren gesellschaftlichen, sozialen, ökonomischen und kulturellen Entwicklungen erarbeitet. Von den zuständigen Entscheidungsträgern in Politik und Wirtschaft sind neue grossräumliche Massnahmen gefordert. Hier fängt jedoch das Problem an: In Europa scheint das Bewusstsein für die Metropolregionen zu fehlen. Für die meisten Politiker, Planer, Institutionen und Einwohner bleiben die Aspekte der Metropolregionen unsichtbar. Sie sind kaum kartiert, es fehlen Konzepte zur Darstellung und ein direktes sensuelles Verständnis im täglichen Leben. Das Buch basiert auf der Einsicht, dass die bildliche Darstellung der Metropolregionen grundlegend ist für die Identifikation, Handlungsfähigkeit und weitere Entwicklung innerhalb der vorhandenen grossstädtischen Ballungsräume. Beiträge aus verschiedenen Disziplinen nähern sich dem Phänomen und diskutieren die Notwendigkeit der Visualisierung.

Die Baustelle als Metapher für die Patchwork-Lebensentwürfe unserer Gegenwart hat Konjunktur. Durch kompetente Information und Reflexion aus verschiedenen, teils überraschenden Perspektiven wird die Baustelle als aussergewöhnlicher Ort in der Stadt und als unter hohem Zeit und Kostendruck funktionierender Mikrokosmos dargestellt. Es enthält Beiträge zu einzelnen Baustellen, wie dem Megaprojekt Sihlcity in Zürich oder der Baustelle in La Défense in Paris, Interviews mit Architekten und Baumanagern und eindrückliches Bildmaterial, das auch künstlerische Interventionen dokumentiert.

Dieses Jahr wurden Olafur Eliasson und Kjetil Thorsen eingeladen, den Serpentine Pavillion zu gestalten. Basierend auf dem Prinzip einer gewundenen Rampe, erkundet ihr Pavillion 2007 die Idee der vertikalen Zirkulation innerhalb eines einzelnen Raums. «Unsere Zusammenarbeit am Serpentine Pavillion 2007 ist geprägt von unserem gemeinsamen Fokus auf die Erfahrung des Raums und des Temporären als konstitutive Elemente des privaten wie des öffentlichen Raums. Wir arbeiten beide auf einem Gebiet räumlicher Experimentierung, das konzeptuelle Differenzen zwischen Kunst und Architektur hinfällig macht.» Die Publikation enthält Material zur Dokumentation der Entwicklung und der Realisierung des Pavillions, darunter Essays von Doreen Massey (Professorin für Geographie an der Open University, UK) und Andreas Ruby (Architekturkritiker) und ein Gespräch zwischen Olafur Eliasson, Kjetil Thorsen, Hans Ulrich Obrist und Julia Peyton-Jones (Co-directors, Serpentine Gallery).

Die Bauten von Le Corbusier sind unverrückbare Ikonen der Architektur des 20. Jahrhunderts. Doch Le Corbusiers Schaffen als Buchgestalter und Autor ist im Überblick kaum bekannt und wurde bisher nicht gewürdigt: Le Corbusier hat von 1912 bis 1965 über vierzig Bücher minuziös geplant und gestaltet.

Nach dem Übersichtswerk von Catherine de Smet Le Corbusier, Architekt der Bücher vertieft die Le Corbusier Kennerin hier das Thema und liefert ausführliche Analysen der Arbeiten des Architekten als Gestalter. Anhand von unveröffentlichtem Archivmaterial zeichnet die Autorin den Entstehungsprozess dieser Werke nach und lädt ein, den grossen Baukünstler als Architekt der Bücher zu entdecken. Das Buch bietet sowohl für jeden der sich mit Le Corbusier beschäftigt einen neuen und wenig bekannten Blick auf ihn, als auch für jeden der sich für Buchgestaltung interessiert eine wertvolle Inspirationsquelle.

Neues Bildmaterial und ausführliche Analysen erweitern den ersten Band von de Smet und machen ihn unverzichtbar als Ergänzung zu Le Corbusier, Der Architekt der Bücher.

Spielwitz und Klarheit ist nicht etwa ein Gegensatzpaar, sondern eine höchst fruchtbare gegenseitige Durchdringung von Qualitäten, wie das Buch anhand einer breiten Auswahl aus der Schweizer Architektur, Grafik und Design von 1950 bis 2006 zeigt. Es fragt, ob es eine Gemeinsamkeit in der gestalterischen Auffassung all dieser Beispiele, aus drei Berufen, verschiedenen Landesgegenden und Sprachkulturen, gibt. Die Publikation ist keine Schau von Luxus-Gütern, sondern von Begabungen, die sich artikulieren, Ideen, die sich materialisieren, und Auftraggebern, die Mut zu neuen «Erfindungen» haben, die schliesslich zu einer Zufriedenheit beim Konsumenten führen.

In diesem Leporello entfaltet sich eine Serie analytischer Blicke von AMO-OMA und Kollegen von der American University of Sharjah, UAE, auf die arabische Küste des Persischen Golfs. In einer «futurisierten Gegenwart» wird versucht, den beispiellosen Zustand, in dem sich diese Region befindet, darzustellen; ein Zustand, der einen neuen Entwurf von Urbanismus erlaubt. Wie eine unberührte Leinwand stellen der Sand und das Meer entlang der Küste des Persischen Golfs eine tabula rasa dar, in die neue Identitäten eingeschrieben werden können. Der Westen zeigt doppelte Nachlässigkeit gegenüber diesem Land der Möglichkeiten: Etwas, das seinen Ursprung eigentlich im Westen hat, wird nicht ernst genommen, daraus folgt die Unfähigkeit, ein aufstrebendes globales Phänomen zu erfassen. Dieses Leporello erscheint anlässlich der 10. Internationalen Architekturausstellung der Biennale Venedig.

Der 175 Meter lange, im Schnitt dreieckige Gebäudebalken des Museums durchbohrt den Har Hasikaron, den Berg des Gedenkens. Seine Enden ragen schwebend aus dem Hügel und gewähren Einlass und Ausblick. Die spektakuläre Architektur nimmt eine eindrückliche und aufwändige Ausstellung zum Gedenken an den Holocaust auf. Das Bauwerk ist die Krönung von Moshe Safdies Werk in Israel. Der Architekt, ein Schüler von Louis Kahn, der seine Karriere mit der aufsehenerregenden Wohnanlage «Habitat» an der Weltausstellung 1967 in Montreal begann, unterhält Büros in Boston, Toronto und Jerusalem.
In einem ausführlichen Fotoessay werden die Museumsanlage, die Architektur und die Raumfolgen des Museums mit der sorgfältigen Ausstellungseinrichtung dokumentiert und in Texten und Plandarstellungen erläutert.

Mit Beiträgen von Joan Ockman, Avner Shalev und Elie Wiesel

Anhand von Planmaterial, Texten und Fotografien wird die gedankliche Grundlage erläutert, auf welcher die Projekte von Vogt Landschaftsarchitekten seit 2000 entstehen. 30 Projekte, gegliedert in die Aussenraumtypologien – Landschaft, Park, Platz, Garten, Friedhof, Hof, Promenade und Innenraum – werden in Wort und Bild dargestellt: wie z.B. der Aussenraum der Allianz Arena in München, Projekte auf dem Novartis Campus in Basel oder die Masoala Regenwaldhalle im Zoo Zürich.

Mit Beiträgen von den Freunden Olafur Eliasson, Peter Erni, Hamish Fulton, Roman Signer, Olaf Unverzart und Christian Vogt.

Das Buch gewann «Die schönsten deutschen Bücher 2006» in der Kategorie Wissenschaftliche Bücher, Fachbücher.

Dieses Kompendium bietet einen neuen Einblick in das Werk von sauerbruch hutton: Die Entwicklung ihres architektonischen Denkens lässt sich lückenlos nachverfolgen anhand der Texte der Architekten, der beachtlichen Anzahl von Entwürfen sowie den realisierten oder im Bau befindlichen Projekten.

Peter Eisenman, weltbekannt durch sein Holocaust Mahnmal in Berlin (2005) und unter Kollegen geschätzt und gefürchtet für seine intellektuelle Schärfe und Schlagfertigkeit, hat 1963 an der Universität von Cambridge, GB eine Dissertation verfasst, die sich der formalen Grundlage der modernen Architektur widmet. Eisenman setzt der Historisierung die Theorie entgegen und eine Analyse der Form, deren Merkmale er als Grundlage der architektonischen Komposition betrachtet. Seine Ausführungen illustriert der Architekt mit zahlreichen äusserst präzisen Handzeichnungen. Das eindrückliche Dokument mit seiner eigenwilligen Fotografie verdient diese erstmalige Veröffentlichung in einer originalgetreuen Reproduktion. Peter Eisenman kommentiert in einem Nachwort diesen markanten Ausgangspunkt seines theoretischen und praktischen Werkes.

Mit einem kommentierenden Nachwort (2006) von Peter Eisenman 

BRAKIN (BRAzzaville-KINshasa) – Visualizing the Visible ist ein Forschungsprojekt der Jan van Eyck Academie, Maastricht: Am Beispiel der boomenden Hauptstädte Brazzaville und Kinshasa wurden die verschiedenen Erscheinungsformen des öffentlichen Raumes untersucht. Diese visuellen Indikatoren der Stadtidentität werden als Inventar erfasst und in Stadtkarten festgehalten, die zusammen mit dem dokumentierten Bildmaterial ein fiktives Durchkreuzen von BRAKIN erlauben.

1962 schenkt der junge Fotograf René Burri, Mitglied der angesehenen Fotoagentur MAGNUM und bekannt für seine Reportagen und Porträts, Le Corbusier ein selbst gefertigtes Leporello mit den Fotografien, die er seit 1953 bei verschiedenen Gelegenheiten von ihm gemacht hat. Die gesammelten Fotografien zeigen Corbusier in seiner erfolgreichsten Schaffensphase. Die sorgfältige Faksimile-Wiedergabe wird ergänzt durch einen Text von René Burri und Erläuterungen von Corbusier-Kenner und Herausgeber Arthur Rüegg.

Sense of the City erschien anlässlich der gleichnamigen Ausstellung im Herbst 2005 im renommierten Canadian Centre for Architecture in Montréal. Ausgehend von der Dominanz des Visuellen im zeitgenössischen städtischen Umfeld, schlägt die Publikation eine neue Betrachtungsweise der Stadt der Gegenwart vor. Diese komplexe Analyse basiert vornehmlich auf der Betrachtung der Qualitäten, Annehmlichkeiten, Kommunikationsmöglichkeiten und sinnlichen Aspekte, die das Leben in der Stadt bereithält. Das Buch ist auch ein Plädoyer für die öffentlichen Plätze in den modernen Städten, die ganz entschieden zum mentalen und körperlichen Wohlbefinden ihrer Bewohner beitragen. Die Themenfelder werden durch reiches Bildmaterial umrissen.

Mit Texten von Constance Classen, David Howes, Norman Pressman, Emily Thompson und Mirko Zardini

Die Idee, der Holocaust-Opfer mit einem Mahnmal zu gedenken, entstand 1989. Seither wurde geplant, entworfen, gebaut und kontrovers diskutiert. Im Mai 2005 wurde das Denkmal der Öffentlichkeit übergeben. 2700 Betonblöcke fliessen unaufdringlich über das riesige Feld und laden ein, darin zu versinken. Das Mahnmal entzieht sich einer klaren Deutung, es taugt nicht zum Staatsakt und folgt nicht den Regeln des Zeremoniells und ist gerade deshalb so spektakulär. Diese Publikation ist in enger Zusammenarbeit mit Peter Eisenman entstanden und dokumentiert das Mahnmal mit Fotografien von Hélène Binet und Lukas Wassmann. Die Texte von Hanno Rauterberg und Peter Eisenman erlauben eine vertiefte Auseinandersetzung mit dem Bauwerk. Peter Eisenman, geboren 1932, gehört zu den führenden Architekten der Gegenwart. Er ist Autor zahlreiher Publikationen zur Theorie der Architektur.

Mit Texten von Peter Eisenman und Hanno Rauterberg
Mit Fotografien von Hélène Binet und Lukas Wassmann

Herzog & de Meuron erproben die Grenzen zwischen Architektur und Kunst in weitaus stärkerem Masse als andere zeitgenössische Architekten. Ihr Interesse an Oberfläche und Materialität, Opazität und Transparenz sowie an Funktion und Veränderlichkeit von Bildern lässt ihre Architektur sprechen – nicht bloss in Zitaten und Typologien, sondern durch eine konstante Redefinition von rohen Materialien. Ihre Bauten präsentieren den geheimnisvollen Moment, in dem Material in Bedeutung transformiert wird. Die Publikation spiegelt die erzählerische Struktur einer naturgeschichtlichen Enzyklopädie des 19. Jahrhunderts wider und konfrontiert die Arbeiten der Architekten sowohl mit Kunstwerken und Themen, die sie fortwährend beschäftigt haben, als auch mit der Perspektive von Künstlern auf das architektonische Werk.

Mit Essays von Richard Armstrong, Carrie Asman, Gernot Böhme, Georges Didi-Huberman, Kurt W. Forster, Boris Groys, Reinhold Hohl, Petros Koumoutsakos, Robert Kudielka, Albert Lutz, Christian Moueix, Peggy Phelan, Thomas Ruff, Ulrike Rebecca Schneider, Meyer Stump, Adolf Max Vogt, Philip Ursprung, Jeff Wall, Alejandro Zaera-Polo und Rémy Zaugg

Die Bauten von Le Corbusier sind unverrückbare Ikonen der Architektur des 20. Jahrhunderts. Sein Schaffen als Buchgestalter und Autor ist im Überblick kaum bekannt und wurde bisher wenig gewürdigt: Le Corbusier hat von 1912 bis 1965 über vierzig Bücher minuziös geplant und gestaltet.

Christian Waldvogel schlägt vor, die Erde abzubauen und aus ihrem Material eine neue, hohle und viel grössere Welt von majestätischer Eleganz zu bauen: den Globus Cassus. Die Transformation der Erde in den Globus Cassus wird in dieser Publikation mit Zeichnungen und Bildern detailliert beschrieben und präzise ausformuliert. Dieser Umbau der Erde in ein bewohnbares Monument würde die Menschheit in die Lage versetzen, ihre Welt selbst zu erschaffen. Damit würde der Globus Cassus zum Beweis, dass jeder Mensch die bestehenden Grenzen des Denkens aufheben und die Welt neu sehen kann. Globus Cassus ist der offizielle Beitrag der Schweiz zur 9. Internationalen Architektur-Biennale 2004 in Venedig und gewann die Goldmedaille an der Buchmesse in Leipzig 2005.

Mit Essays von Boris Groys, Claude Lichtenstein und Michael Stauffer

Zaha Hadid gestaltete die neue Endstation der Strassenbahnlinie «B» in Strassburg. Beim «Interchange Terminal Hoenheim-Nord» entschied sich die Architektin für eine ungewöhnliche Lösung. Das Projekt begeistert durch ambivalente Räume und interaktive Bezüge. Die Bewegungen der Passanten und Fahrzeuge werden zu einem wesentlichen Bestandteil des Entwurfs. Materialisierte Vektoren, ein imaginärer Schatten und ambivalente Bauteile verschmelzen in diesem Entwurf zu einer komplexen Sinneswahrnehmung. Die Decke wird zu Wand und Boden. Stützen werden zu Leuchten.

2003 erhielt Zaha Hadid den Mies van der Rohe Preis für dieses Projekt.

Mit Texten von Andreas Ruby

Christian Möller ist ein Pionier der interaktiven Kunst. Seine Lichtinstallationen und Klangskulpturen erforschen die Synergien zwischen Architektur und Technologie, zwischen Ton und bewegtem Bild und machten ihn international bekannt. Seit 2001 hat er einen Lehrstuhl am Media Arts Institute an der University of California in Los Angeles. A Time and Place ist die erste Übersicht über das Werk des Medienkünstlers. Die Texte, Zeichnungen und Fotografien im Buch werden durch Verweise ergänzt, die die beschriebenen Werke im Internet als bewegtes Bild und akustische Kulisse erfahrbar machen.

Der Architekt Adrian Meyer verbindet die Erfahrung aus Lehre und Praxis zu einem Diskurs über die Bedeutung der subjektiven Ortsbeziehung des Architekten für die Ausdruckskraft seiner Architektur.
Diese Position ist für Architekten aktuell und bedenkenswert, zumal die Baukunst als Exportgut nur in Ausnahmen ihre Bedeutung hat. Adrian Meyer (1942) ist Mitbegründer und Partner des Architekturbüros «Burkard, Meyer» in Baden und war 1994–2008 Professor an der ETH Zürich.

Diese Publikation stellt einen Bau von ausserordentlichem Rang vor: Jacques Schaders «Freudenberg», ein Hauptwerk der Schweizer Architektur der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und eine Architekturleistung von europäischem Rang. Mit dem Freudenberg stiess die Schweizer Architektur 1959 die Türe zur Welt weit auf und holte nach all den Jahren der politischen Einschliessung tief Luft.

Mit einem Film von Marc Schwarz

Der 1928 geborene Theo Hotz gehört zu den führenden Schweizer Architekten der Gegenwart. Insbesondere seine seit Mitte der 1980er-Jahre erstellten spektakulären Glasbauten, etwa die EMPA in St. Gallen (1996) oder die Halle 1 der Messe Basel (1999) haben internationale Beachtung gefunden. Theo Hotz hat die Schweizer Architektur über Jahrzehnte mitgeprägt und ist mit mehreren Grossprojekten im Fokus der aktuellen Diskussion. 1999 verlieh ihm die ETH Zürich die Ehrendoktorwürde.

Mit einem Essay von Philip Ursprung und Hubertus Adam

Mit Die Neue Wohnung schuf der deutsche Avantgardist Hans Richter einen aussergewöhnlichen Architektur-Propagandafilm. Exemplarische Bauten und Möbel der klassischen Moderne, von denen einige kurz darauf auch an der einflussreichen New Yorker Ausstellung The International Style gezeigt wurden, kontrastieren mit unpraktischen und unhygienischen Wohnräumen. In variantenreicher Montage entstand so ein filmisches Äquivalent für das Hauptanliegen des Auftraggebers, des Schweizerischen Werkbundes: die typisierte Gestaltung. Mit seiner optischen Vielfalt erschloss Die Neue Wohnung der Darstellung von Architektur im Film neue Wege. Das Buch dokumentiert die Sequenzen des Films detailliert und stellt die Produkte und die architektonische Umgebung, die das Moderne und Neue verkörpern mit zahlreichen Dokumenten vor. Der Filmwissenschafter Andres Janser beschreibt die dramaturgische und propagandistische Struktur des Films und seine Position in der Geschichte der Film-Avantgarde. Der Architekt Arthur Rüegg nimmt sich der Einrichtungsgegenstände des Neuen Bauens an und schafft Beziehungen zur Geschichte der modernen Produktgestaltung.

Eine bebilderte Beschreibung der Fahrten der Architekten und Vertreter der Independent Group, Alison und Peter Smithson mit ihrem Citroën DS 19 vom Londoner Büro zu ihrem Wochenendhaus in der südenglischen Wilshire County. Der Kontrast zwischen dem technisch avancierten Fahrzeug und der präindustriellen Kulturlandschaft macht die Wegstrecke gleichsam als einen Längsschnitt durch die neuere Zivilisation sichtbar. Das Buch hat den Grundriss einer Citroën DS.

Die britische Architektur und Kunst der 1950er-Jahre sind auf dem Kontinent wenig bekannt. As Found widmet sich Werken der Independen Group, die von Richard Hamilton, dem Fotografen Nigel Henderson sowie den Architekten Alison und Peter Smithson und James Stirling gebildet wurde. Ihre in den 1950er- und 1960er-Jahren entstandenen Werke sind auch heute noch ausserordentlich aktuell.

Diskurs gibt anhand zahlreicher Texte von Buckminster Fuller Einblick in seine architektonischen, technischen, weltanschaulichen Visionen. Sie sind erstmals in deutscher Sprache zugänglich.

Die Publikation enthält Aufnahmen der Vitra-Firestation (1993) und der LF one - Landscape Formation one (1999), beide in Weil am Rhein/D sowie der Ausstellung Addressing the Century (1998) in der Hayward Gallery London und dem Blueprint/Interbuild Pavillion (1995).

Mit einem Text von Hubertus von Amelunxen

Die Architekten Matthias Sauerbruch und Luisa Hutton gewannen 1989 einen der ersten städtebaulich relevanten Architekturwettbewerbe in Berlin nach dem Fall der Mauer. Es galt, ein bestehendes Hochhaus beim Checkpoint Charlie zu einem Verwaltungszentrum der städtischen Wohngenossenschaft GSW zu erweitern. Auf die städtebaulich heikle Umgebung reagierten die Architekten im Wettbewerb als einzige ebenfalls mit einem Hochhaus und nahmen damit Bezug auf andere «historische» Hochbauten auf beiden Seiten der ehemaligen Grenze. Das prächtige Gebäude wurde im Herbst 1999 fertiggestelt und nimmt einen festen Platz unter den neuen Architektur-Wahrzeichen der Stadt ein. Die Publikation belegt eindrücklich, wie beharrlich und inspiriert die Architekten ihre Ideen über einen langen Zeitraum bis zur Verwirklichung verfolgten.

Buckminster Fuller (1895–1983) war einer der einflussreichsten Visionäre der Technologie des 20. Jahrhunderts. Das visuelle Lesebuch Your private Sky untersucht und dokumentiert Fullers Theorien, Ideen und Projekte und setzt sich kritisch mit seiner Ideologie der «Rettung durch Technik» auseinander.

Die vorliegende Monografie zeichnet die Laufbahn des Architekten, Ortplaners und Heimatschützers Jakob Zweifel nach und analysiert in einer Auswahl seiner wichtigsten Arbeiten die prozesshafte Kontinuität und die Beziehung zur klassischen Moderne und zur Tradition des Neuen Bauens. Ausgewählte Werkbeispiele von zehn Architekten aus Zweifels Generation verdeutlichen die Bedeutung, die diese für das Baugeschehen in der Schweiz der 50er- und 60er-Jahre hatte. Mit einer Einführung von Jürgen Joedicke und Textbeiträgen von Martin Schlappner.