Nach dem Erfolg von Sleeves of Desire (1996) widmet sich die zweite Publikation über die Plattenfirma ECM der Hüllengestaltung von 1996 bis heute. ECM (Edition of Contemporary Music) hat sich seit seiner Gründung 1969 dem Jazz und der zeitgenössischen Musik verschrieben und ist weltweit eines der führenden Labels in diesem Bereich. Was ECM auszeichnet, ist die Ästhetik der Gestaltung, die seit jeher integraler Bestandteil der Musikproduktionen ist. Die Zusammenarbeit des Produzenten Manfred Eicher mit Barbara und Burkhart Wojirsch und Dieter Rehm bis 1996 und seither mit Sascha Kleis und wechselnden Fotografen und Künstlern fruchtete in einer Ästhetik des Covers, die einen Dialog zwischen dem meist fotografischen Bild und der Musik eröffnet. Das Buch lädt zu einer assoziativen Reise durch diese Bildwelten ein. Die Textbeiträge der Autoren vertiefen verschiedene Aspekte der visuellen Sprache. Ein bebilderter Katalog aller ECM-Titel seit der Gründung rundet diese Publikation ab.

Mit Beiträgen von Geoff Andrew, Ketil Bjørnstad, Katharina Epprecht, Lars Müller und Thomas Steinfeld

In Uncorporate Identity: Emblem and Void lässt sich Metahaven, Design Studio und Thinktank, auf eine sinnbildliche Untersuchung ein, die geopolitische Konflikte mit Branding, fiktive Staaten mit Stararchitektur, flexible Steuerung mit dem hieb- und stichfesten Wertegesetz und den Totalitarismus der Norm mit sozialen Netzwerken im Internet verbindet. Uncorporate Identity ist zugleich ein künstlerisches Manifest für Design in Zeiten der Globalisierung und ein Arbeitsbuch aus Essays, Schilderungen und Binsenweisheiten, die den heutigen unklaren Zustand von Identität und Branding ausloten. Das Buch ist eine Sammlung von Entwürfen, verfasst nach den Forschungsschwerpunkten in Metahavens wichtigsten Projekten, sowie Essays, Interviews und Prosa von Boris Groys, David Singh Grewal, Vladimir Kolossov, Keller Easterling, Dieter Lesage, China Miéville, Chantal Mouffe, Pier Vittorio Aureli, Bruno Besana, Michael Taussig, Regula Stämpfli, Mihnea Mircan, Mariana Celac, Florian Schneider, Marina Vishmidt u.a.

Mitherausgeber Jan van Eyck Academie

Zwischen 2006 und 2008 lehrten Kazuyo Sejima und Ryue Nishizawa an der School of Architecture der Princeton University. Die SANAA Studios untersuchten die gegenwärtige japanische Gesellschaft, um eine Architektur zu entwickeln, die das Verhältnis zum privaten und öffentlichen Raum berücksichtigt. Die Designstudien wurden an drei demografisch und sozial sehr verschiedenen Orten in Japan durchgeführt. Das Buch fängt die Atmosphäre der Studios ein und hält erste Ergebnisse der Untersuchungen fest. Das übergeordnete Thema lautet: Was können wir von SANAA lernen? Die engagierte Suche nach einer neuen Architektur, die in einem grösseren gesellschaftlichen Zusammenhang steht, wird fokussiert und vereint dabei Analysen, Essays, Dokumentationen, Entwürfe und «objets trouvés» in einem Buch. Der holländische Fotograf Iwan Baan hat die drei Orte in Japan besucht, um die Atmosphäre und die Nutzung der Gebäude von SANAA einzufangen.

Mit Fotografien von Iwan Baan

Der Roboter baut! Die Architekten Gramazio und Kohler haben an ihrem Lehrstuhl für Architektur und Digitale Fabrikation an der ETH Zürich eine weltweit einzigartige Forschungsanlage installiert. Sie basiert auf einem computergesteuerten Industrieroboter, der ausgehend von Entwurfsdaten direkt Bauelemente herstellt. Der Roboter arbeitet dabei flexibel mit unterschiedlichsten Werkzeugen und Materialien. Gramazio und Kohler ergründen das zukunftsträchtige Potential digitaler Entwurfs-, Konstruktions- und Fabrikationsmethoden für die Architektur. In ihren eigenen Projekten integrieren die Architekten Erkenntnisse aus der computergestützten Produktion in den architektonischen Entwurfsprozess. Am Computer entwickeln sie innovative Architektur und Bautechniken. es sind bereits erste Bauwerke mit Hilfe des Roboters entstanden, wie die Fassade des viel beachteten Weinguts Gantenbein in Fläsch (CH) oder die Installation im Schweizer Pavillon an der 11. Architekturbiennale in Venedig.

Der Neubau des New Museum of Contemporary Art wurde im Dezember 2007 eröffnet. Das sieben Stockwerke hohe Gebäude mit einer Gesamtfläche von 60000 m2 des renommierten Architektenduos SANAA – Kazuyo Sejima und Ryue Nishizawa – ist ein architektonischer Fixpunkt in Downtown Manhattan. Das Buch präsentiert zum einen das Design und die Struktur des neuen Museums anhand einer Reihe von miteinander verwobenen Geschichten, Dokumenten und Dialogen und gewährt zum anderen einen Einblick in die Arbeitsweise der Architekten. Die Fotografien von Dean Kaufman heben die Dynamik des Lebens im Gebäude hervor, das nur scheinbar in Konflikt mit der minimalistischen Formsprache und architektonischen Ordnung steht.

Mit Fotografien von Dean Kaufman 

Mit ihrem Entwurf für das Rosenthal Center for Contemporary Art in Cincinnati reagiert Zaha Hadid auf die Verkehrs- und Passantenströme innerhalb der Stadt und vermittelt ein Gefühl der Verdichtung städtischen Lebens. Aus dieser urbanen Dichte leitet sich das architektonische Konzept ab. Die Strassenebene richtet sich als «urban carpet» vertikal auf, die Volumen werden zu schwebenden und ineinander verschränkten Ausstellungsräumen, deren Erschliessung über markante Treppenrampen erfolgt. Die Publikation dokumentiert das spektakuläre Bauwerk in Fotografien von Hélène Binet und Paul Warchol und Texten von Charles Desmarais und Joseph Giovannini. Zahlreiche Modelle und Skizzen geben Einblicke in den Entwurfsprozess.

Mit Fotografien von Hélène Binet und Paul Warchol

Die Idee, der Holocaust-Opfer mit einem Mahnmal zu gedenken, entstand 1989. Seither wurde geplant, entworfen, gebaut und kontrovers diskutiert. Im Mai 2005 wurde das Denkmal der Öffentlichkeit übergeben. 2700 Betonblöcke fliessen unaufdringlich über das riesige Feld und laden ein, darin zu versinken. Das Mahnmal entzieht sich einer klaren Deutung, es taugt nicht zum Staatsakt und folgt nicht den Regeln des Zeremoniells und ist gerade deshalb so spektakulär. Diese Publikation ist in enger Zusammenarbeit mit Peter Eisenman entstanden und dokumentiert das Mahnmal mit Fotografien von Hélène Binet und Lukas Wassmann. Die Texte von Hanno Rauterberg und Peter Eisenman erlauben eine vertiefte Auseinandersetzung mit dem Bauwerk. Peter Eisenman, geboren 1932, gehört zu den führenden Architekten der Gegenwart. Er ist Autor zahlreiher Publikationen zur Theorie der Architektur.

Mit Texten von Peter Eisenman und Hanno Rauterberg
Mit Fotografien von Hélène Binet und Lukas Wassmann

Herzog & de Meuron erproben die Grenzen zwischen Architektur und Kunst in weitaus stärkerem Masse als andere zeitgenössische Architekten. Ihr Interesse an Oberfläche und Materialität, Opazität und Transparenz sowie an Funktion und Veränderlichkeit von Bildern lässt ihre Architektur sprechen – nicht bloss in Zitaten und Typologien, sondern durch eine konstante Redefinition von rohen Materialien. Ihre Bauten präsentieren den geheimnisvollen Moment, in dem Material in Bedeutung transformiert wird. Die Publikation spiegelt die erzählerische Struktur einer naturgeschichtlichen Enzyklopädie des 19. Jahrhunderts wider und konfrontiert die Arbeiten der Architekten sowohl mit Kunstwerken und Themen, die sie fortwährend beschäftigt haben, als auch mit der Perspektive von Künstlern auf das architektonische Werk.

Mit Essays von Richard Armstrong, Carrie Asman, Gernot Böhme, Georges Didi-Huberman, Kurt W. Forster, Boris Groys, Reinhold Hohl, Petros Koumoutsakos, Robert Kudielka, Albert Lutz, Christian Moueix, Peggy Phelan, Thomas Ruff, Ulrike Rebecca Schneider, Meyer Stump, Adolf Max Vogt, Philip Ursprung, Jeff Wall, Alejandro Zaera-Polo und Rémy Zaugg

Pierre Mendells weltweit beachtete Gestaltung zeichnet sich durch das aus, woran es einem Grossteil des aktuellen Grafikdesigns mangelt: Prägnanz, Mitteilungskraft, Poesie und Humor. Die seit vielen Jahren konstante Aktualität und Bedeutung seiner Arbeit beweist, dass visuelle Kommunikation, die auf Idee und Inhalt beruht, jene überdauert, die sich den Prämissen der Elektronik und den schnellen Trends unterwirft. Mendells Kulturplakate und Corporate Design Programme sind zeitlos, aktuell und modern. Pierre Mendell starb 2008 im Alter von 79 Jahren.

Ein illustrierter Aufsatz gibt Aufschluss über die Entwicklungsgeschichte der «Schweizer Grafik» der 1930er- bis 1960er-Jahre. Müller-Brockmanns Plakate sind weltberühmt für ihre mit reduzierten Mitteln erzielte visuelle Spannung und Mitteilungskraft. Ihnen sind zeitlose Regeln der visuellen Kommunikation eingeschrieben. Müller-Brockmann ist eine der Leitfiguren der «Schweizer Grafik» der 1950er- und 1960er-Jahre. Er starb 1996 im Alter von 82 Jahren.

Some Ideas on Living überdenkt Leben in der Stadt indem es neue Annährungen erkundet, Wohnungsbauprojekte in eine existierende Stadt zu integrieren. Wegen ihres Ausmasses, ihrer exzessiven Bebauung und den Bestrebungen innerhalb der Stadt zu wachsen, sind Tokyo und London mit vergleichbaren urbanen Entwicklungsproblemen konfrontiert. Gleichzeitig haben Nachbarschaft, privater und öffentlicher Raum oder Gemeinschaft in ihrem kulturellen Kontext eine ganz unterschiedliche Bedeutung und verlangen signifikant andere Lösungen. Die Projekte des japanischen Architekten Nishizawa und des britischen Architekten Taylor zeigen wie Bewohner in ihrem Haus leben, und gleichzeitig ihren Lebensraum in ihre direkte Umgebung und Stadt erweitern können. Sie präsentieren, innerhalb der Besonderheiten ihrer Kultur und Philosophie, die Idee, dass mit ein Wohnprojekt ein Beitrag zur Atmosphäre, dem Charakter und dem Leben in einer Stadt geleistet werden kann. In kurzen Statements erläutern Nishizawa und Taylor ihre Vorgehensweise und ihre Ideen, die von Bildern und Erläuterungen zu ihren Projekten und einer Diskussion zwischen ihnen begleitet werden. In einem Essay beleuchtet Giovanna Borasi die Relevanz des Themas für die heutige Zeit und Peter Allison setzt das Vorgehen der Architekten in die historische Perspektive und ihre jeweilige Kultur.

Für seine Ausstellung «Your Chance Encounter» im 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, Japan hat der viel beachtete dänisch-isländische Künstler Olafur Eliasson eine Sequenz von räumlichen Experimenten entwickelt, welche Bewegung und Orientierung der Besucher herausfordern und sie anregen, das Museum als einen öffentlichen Raum für kritische Auseinandersetzung von Kunst und Wirklichkeit zu betrachten.

Die extra für die Ausstellung entwickelten Installationen sind in einem engen Kontext mit der räumlichen Struktur des Museums angelegt und erweitern das Konzept der Architektur des japanischen Architekturbüros SANAA. Olafur Eliasson bezieht nicht nur die Ausstellungsräume des Museums, sondern auch die Korridore dazwischen und die angrenzenden Höfe mit ein, und setzt so Innen-und Aussenbereich in enge Verbindung und untersucht die einzigartigen Eigenschaften dieses Museums.

Das Künstlerbuch, das in enger Zusammenarbeit mit dem Studio Olafur Eliasson entstanden ist, bietet in seiner aufwändigen Gestaltung mit einen umfangreichen Bildteil eine umfassende Dokumentation der Ausstellung und wichtige Auseinandersetzung mit dem Werk des erfolgreichen Künstlers. Ein Essay der Architekturhistorikerin Eve Blau interpretiert die Ausstellung im Verhältnis zu ihrer Umgebung und stellt die experimentelle Vorgehensweise von Olafur Eliasson und SANAA einander gegenüber, während die Kuratorin Hiromi Kurosawa in die Geschichte und den Kontext des Museums in Kanazawa einführt.

Mit Texten von Eve Blau, Hiromi Kurosawa

Wie sieht die heutige architektonische Praxis und ihre Zukunft aus? Nach dem Platzen der Finanzblase haben sich die Lebens- und Arbeitsbedingungen signifikant verändert. In Essays, Studien und Interviews sowie anhand einer Auswahl von Projekten, die für diese neuen Bedingungen bezeichnend sind, werden die konkreten Probleme des Wachstums und der Schrumpfung, der Ökonomie und der Ideologie, des Handwerks und des sozialen Raums in der Stadt, der Materialität und der Nachhaltigkeit in der Architektur behandelt. In einer logischen Folge vermitteln sie ein Bild der derzeitigen Realität der Architektur. 

Mit Beträgen von Iñaki Ábalos, Solano Benitez, Alexander Brodsky, Isabel Concheiro, Frederick Cooper Llosa, Hans Ibelings, Krunoslav Ivanisin, Julio Martinez Calzon, Josep Lluís Mateo, Richard Sennett, Wang Shu und Ramias Steinemann

Der 1979 erschienene, lange vergriffene Titel erscheint nun wieder als Reprint bei Lars Müller Publishers. Die Originalausgabe wurde im Rahmen der renommierten, von Kasper König initiierten Publikationsreihe «Source Materials of the Contemporary Arts» der «Press of the Nova Scotia College of Art and Design» veröffentlicht. Die Publikation stellt ein wichtiges Dokument der künstlerischen Auseinandersetzung Dan Grahams mit dem Medium Video dar. Grahams Installationen und Performances mit Video aus den Jahren 1970 bis 1978 werden mit zahlreichen Illustrationen, Fotos und Kurzbeschreibungen dokumentiert. Darüber hinaus enthält der Band einen Essay des Künstlers, in dem er die unterschiedlichen Möglichkeiten und Formen der Repräsentation im Medium Video untersucht und gegen die Darstellungsräume in Fernsehen, Film oder Architektur abgrenzt. Der Band enthält darüber hinaus Beiträge von Michael Asher und Dara Birnbaum sowie einen Anhang mit Biografie und Bibliografie.

DAN GRAHAM, geboren 1942 in Urbana, Illinois, ist einer der bedeutendsten zeitgenössischen Künstler. In seinen Arbeiten reflektiert er häufig kulturelle Phänomene, wobei er mit den unterschiedlichsten Materialien arbeitet, beispielsweise Fotografie, Video, Performance, Glas- und Spiegelstrukturen. Der Künstler lebt und arbeitet in New York.

Religiöse Gemeinschaften schreiben sich akustisch, architektonisch, sozial und politisch in die Städte ein. Global Prayers untersucht die wechselseitigen Einflüsse von Religion und Urbanität sowie die Erscheinungsformen des Religiösen in den Metropolen der Welt. Foto-Essays, Gespräche, Reportagen, wissenschaftliche Texte und künstlerische Bildstrecken setzen sich mit der Frage auseinander, wie urbane Religion beziehungsweise religiöse Urbanität entsteht.

Mit Beiträgen von Nezar AlSayyad, Filip de Boeck, Hengameh Golestan, Brian Larkin, Aernout Mik, Werner Schiffauer, AbdouMaliq Simone, Camilo José Vergara, Paola Yacoub.

Mit dem Ziel alternative und nachhaltige Formen der Stadtplanung zu entwerfen, fragt dieses Buch: Was sind die Hauptkriterien einer ökologischen Stadtplanung? Wie wären diese zu organisieren? Und welche Rolle spielen Design und Planung in diesem Prozess? Während den Themen Klimawandel, nachhaltige Architektur und grüne Technologien viel Aufmerksamkeit geschenkt wird, sind Ansätze zur ökologischen Stadtplanung bisher weit weniger verbreitet.
Der Publikation liegt die Überzeugung zugrunde, dass ein ökologischer Ansatz dringend nötig ist, um die heutige Situation zu verbessern und Ordnungsprinzipien für zukünftige Stadtgestaltung zu entwickeln. Dabei kann Design als Bindeglied dienen zwischen Ökologie und einer Stadtplanung, die nicht im Gegensatz zu ihrer Umwelt steht. Das Buch bringt Designer, Ökonomen, Ingenieure, Künstler, politische Entscheidungsträger, Umweltforscher und Fachleute aus dem Gesundheitswesen zusammen, um ein profunderes Verständnis für eine ökologische Stadtplanung zu entwickeln.

Mit Beiträgen von Homi Bhabha, Stefano Boeri, Chuck Hoberman, Rem Koolhaas, Sanford Kwinter, Bruno Latour, Nina-Marie Lister, Mohsen Mostafavi, Matthias Schuler, Sissel Tolaas, Charles Waldheim u. a.

ecologicalurbanism.gsd.harvard.edu

Jules Spinatsch war am World Economic Forum in Davos und New York sowie an den G8-Gipfeln in Genua und Evian anwesend. Doch anstelle von Strassenschlachten zeigt er Davoser Winternächte mit Stacheldrahtzaun im Flutlicht, als Barrikaden umfunktionierte Frachtcontainer in Genua, einsame Fernsehübertragungswagen und schläfrige Wachmänner im nächtlichen New York. Temporary Discomfort zeigt das Warten auf das minuziös geplante Ereignis.

Jules Spinatsch wählt dafür einen künstlerischen Ausdruck und verzichtet auf die fotojournalistische Bildsprache.

Mit Texten von Martin Jäggi und Jamie Patrick Shea